my critic on line

Felice Clemente Quartet: Nuvole di carta

2011-05-08T12:09:00.000-07:00

Crocevia di suoni Records
LPD004
8033897670041
56’09”
CD
Jazz
Si compone di otto originali – cinque dei quali a firma del leader – e della rilettura di The Young Prince and Princess il nuovo lavoro di Felice Clemente dal titolo Nuvole di carta. Il saxofonista, che si alterna con estrema scioltezza tra soprano e tenore, costruisce le linee caratteriali di quest’album sulla forza melodica dei suoi soli, che – adagiandosi su una solida intelaiutura ritmica e formale – disegnano scenari ora ombrosi e colmi di fascino, come nella title track, ma anche timbricamente variopinti e pieni di tangenti espressive (To MJB). Da sottolineare, oltre all’ottima prova d’insieme, la prestazione del pianista Massimo Colombo, che si lascia apprezzare per il lavoro di retroguaria, per la prontezza nel dialogo con il leader, ma anche - e soprattutto - per alcune pagine scritte con estrema eleganza e precisione.
Roberto Paviglianiti
qualità musicale 7
tecnica 7,5

Quintorigo: Live @ Circolo degli Artisti, Roma 11.02.2011

2011-02-12T05:36:00.000-08:00

I Quintorigo dal vivo non deludono mai. Forti di una formazione rodata da anni di militanza e di un vocalist poderoso come Luca Sapio (a proposito del quale possiamo parlare di un'altra scommessa vinta dalla band in un cammino artistico tortuoso), regalano al pubblico del Circolo degli Artisti di Roma l'ennesima prova di potenza, intelligenza formale e precisione esecutiva.
I brani del nuovo lavoro in studio "English Garden" ancora non sono stati assimilati dai fan, anche se dal palco emergono in una dimensione maggiormente aspra, votata a un groove scurissimo, e pronti ad essere proposti anche fuori dai confini nazionali. Sapio trascina la band attirando le attenzioni su di sé, assolutamente padrone dei propri mezzi, al centro della scena. Timbro importante, interpretazioni da frontman navigato, feeling con il pubblico. Dietro di lui il consueto muro di suoni elettrificati che Valentino Bianchi e soci sanno erigere come pochi altri.

Anzi, il loro è un raro esempio di band capace di muoversi con delicatezza su lastre di ghiaccio sottilissime e un minuto dopo affondare colpi diretti che fanno tremare i muri del club capitolino.
In scaletta qualche successo di un passato indimenticato ("Kristo sì", "La nonna di Frederick") e alcune cover che ormai fanno parte del substrato cutaneo dei Quintorigo, vedi la splendida versione di "Heroes", chiudono il cerchio attorno a un'espressione artistica notevole, che dopo un'ora e mezza lascia malvolentieri spazio all'incombente dj set.

Negramaro: Casa 69

2011-02-04T08:27:00.000-08:00

“Casa 69” è l’abum più complesso dei Negramaro, sia dal punto di vista prettamente musicale che concettuale. La band, nel frattempo giunta al quinto lavoro in studio di una carriera consacrata dal largo consenso di pubblico, si identifica e fonda i suoi principali tratti caratteriali - come diversamente non potrebbe essere - sui timbri e sull’interpretazione vocale di Giuliano Sangiorgi, il quale firma i testi di tutti i brani in scaletta.

Diverse sono le canzoni dai toni soffusi e pensosi che danno respiro – e impreziosiscono - una tracklist importante (composta da sedici brani e ben diciotto nell’edizione deluxe) dove le parole di Sangiorgi risaltano con fragore, mettendo in evidenza la tematica dell’incomunicabilità attorno alla quale si fonda l’intero lavoro.

Da copione non mancano i potenziali singoli trascina folle, come “Io non lascio traccia”, arricchita nelle note finali dalla voce recitante di Carmelo Bene al quale è dedicato il brano, o la melodiosa “Sing-hiozzo”; poi ci sono diversi passaggi dal taglio maggiormente rockettaro, frutto del lavoro svolto in studio col produttore David Bottrill , che avvicinano la band a certe sonorità indie italiane esportabili, leggi gli Afterhours degli ultimi anni.

A margine va segnalata la presenza di Elisa nel brano radio friendly “Basta così” e la magnifica copertina, che ritrae una scultura in vetro opera del bassista Ermanno Carlà, di un album che potrebbe rappresentare una piccola svolta nel cammino della band salentina, che seppur investendo molto sulla causa sembra ancora troppo concentrata sull’effetto.

Regina Mab: Col sole in fronte

2011-02-04T08:24:00.000-08:00

Se dal precedente Palle da Tennis ad emergere era stato il lato ironico della cifra caratteriale dei Regina Mab, dal nuovo Col sole in fronte viene fuori il pensiero profondo - e colmo di significati - di una band alla quale va riconosciuta un’originalità non comune.

I ragazzi di Verona sviluppano il loro credo musicale servendosi di un modo espressivo che fa leva sulla voce narrante di Franco Manzini, il quale si muove in primo piano su uno sfondo acustico (chitarre, basso, batteria accennata), che all’occorrenza sa colpire con decisione.

Questa volta non sono i tennisti di inizio secolo i protagonisti della vicenda, ma Rita Rosani, ventenne maestra elementare di religione ebraica, che si arruolò nei partigiani e ricevette, dopo morta, la medaglia d’oro al valore civile. Manzini si serve dei testi originali di Paolo Ragno per tracciare le coordinate della società italiana ai tempi del fascismo e della Seconda Guerra Mondiale, prima di entrare direttamente nelle vicende che hanno caratterizzato il percorso della Rosani, una ragazza vogliosa di far valere le proprie idee e i propri ideali di libertà. Quella “Libertà”, presa dal songbook di Giorgio Gaber, che apre e chiude questo lavoro dove trovano posto anche altri due brani reinterpretati e adattati al contesto, come “My Generation” degli Who e “Teardrop” dei Massive Attack.

Col solo in fronte è un album che cattura l’ascoltatore grazie, soprattutto, alle capacità narrative di Manzini, che con le sue inflessioni dialettali, gli accenti e le sottolineature traduce in musica le immagini in bianco e nero di una storia che ancora oggi riesce a commuovere e far riflettere.

Dieciunitàsonanti: manuale d'ascesa e caduta

2011-02-04T08:21:00.000-08:00

Dieciunitàsonanti è la classica rock band – con inclinazione sul versante pop - composta da chitarra, basso, batteria e voce in primo piano. Nello specifico quella di Alessandro Sfasciotti, che attraverso i testi cantati in italiano descrive la società del nostro tempo, con tutte le sue contraddizioni e le sue incertezze.
“Manuale d’ascesa e caduta” è un album d’esordio realizzato dopo un paio di ep e una considerevole gavetta di live performace, composto da undici brani dall’andamento uniforme, assonante, senza grandi strappi né sotto profilo melodico né dal punto di vista stilistico.

La forza di questo lavoro va ricercata nelle metafore e nei sottintesi, che descrivono l’arrivismo delle nuove generazioni, le realtà tragiche e la crisi dilagante, mettendo in primo piano l’individuo e soprattutto quel sottilissmo filo che divide il momento dell’ascesa e quello della caduta di un uomo.

Perdizione cantautorale - intervista a Ettore Giuradei

2011-01-10T09:20:00.000-08:00

Perdizione cantautorale - Ettore Giuradei - L'Isola della Musica Italiana

Ettore Giuradei
Perdizione cantautorale

Il cantautore bresciano Ettore Giuradei si è fatto notare in ambito indie con un paio di album – “Panciastorie” del 2005 e “Era che così” del 2008 - che gli hanno fatto guadagnare diversi consensi da parte degli addetti ai lavori e, soprattutto, gli hanno permesso di presentarsi alla fatidica terza prova con molta fiducia nelle proprie qualità. La speranza che traspare dalle sue parole è che “La Repubblica del sole” (Novunque/ Mizar) può rappresentere la svolta decisiva per un cammino ancora più denso di soddifazione.

La biografia sul tuo sito ufficiale inizia con la definizione di “cantautore atipico”. Cosa vuol dire?

Penso che sia proprio il fondo della nostra ricerca, che è poi il tentare di staccarsi dalla classica etichetta di cantautore, spingendo il nostro lavoro verso una musica, tra virgolette, più viscerale, un po’ più rockettara. Soprattutto dal vivo si può capire di più la definizione di “cantautore atipico”, proprio perché c’è una componente fisica molto potente.

È un voler distanziarsi dalla scena cantautorale italiana?

Sì, in riferimento a quello che è da sempre il cantautore per l’italiano medio.

C’è qualcosa che non sopporti dell’ambiente cantautorale?

Una cosa che non sopporto è che ancora non c’è quella totale libertà di accettare che la canzone d’autore può essere portata avanti non come genere, ma come qualità del testo. Ci sono degli artisti che scrivono delle cose molto interessanti e profonde, basterebbe questo per farli rientrare nei cantautori, mentre c’è ancora una parte di esperti di canzone d’autore che sono legati alla figura del cantauore acustico, al cantautore un po’ intellettuale, che è una figura che non abbiamo mai apprezzato fino in fondo.

Da "Era che così" (2008) ad oggi, cosa hai fatto?

Abbiamo fatto un tour praticamente interminabile di quasi 200 date, e nel frattempo da luglio 2009 abbiamo iniziato a lavorare al nuovo album “La Repubblica del sole”. Il percorso che ci ha portato all’album è stato molto lungo. Abbiamo fatto dei provini a luglio, altri a novembre a casa nostra, dove abbiamo allestito uno studio, e poi ci ha affiancato il produttore Paolo Iafelice, con il quale abbiamo fatto insieme una parte del lavoro nel suo studio Adesiva Discografica. Infine dopo il master di fine settembre abbiamo ottenuto la realizzazione del disco.

Parli sempre al plurale, questo fa intendere che il vostro è un lavoro di gruppo.

Sì, soprattutto con mio fratello Marco, che dal primo album è il mio collaboratore di fiducia, insostituibile, e dopo c’è una situazione più allargata, di gruppo, che comprende il nostro fonico Domenico Vigliotti, che ha seguito i processi realizzativi del disco.

I nuovi pezzi sono nati durante il tour?

Non tutti, un brano doveva finire su “Era che così”, però non avevamo ancora trovato l’arrangiamento adatto, altri due sono di un periodo precendente, mentre gli altri sì, sono nati durante questi due anni.

Cosa li rende comuni?

La decisione di chiamare il disco “La Repubblica del sole”, oltre per la canzone omonima, è perché i brani toccano dei temi che riguardano in modo molto attuale la situazione italiana vissuta personalmente da ognuno di noi, da ogni uomo. Quindi sono sensazioni che spero che molte persone abbiano vissuto in questi anni, era un modo di dire che “La Repubblica del sole” è composta da persone che provano questo tipo di sensazioni e queste emozioni.

È un album di speranza futura o è solo il punto della situazione?

È più una speranza, effettivamente il disco parte con la title track che è il brano più speranzoso e positivo e si chiude con un brano che ci riporta alla realtà dei fatti che sicuramente non sono come quelli descritti ne “La Repubblica del sole”. È una speranza con la coscienza che bisogna distruggere tutto quello che esiste.

Rispetto al passato s’avverte netta una maggiore ricercatezza melodica.

Come al solito le canzoni finisco sul disco, tra virgolette, come nascono. Forse abbiamo lavorato un po’ di più sulle strutture, quindi sugli equilibri, e la scelta di avere Paolo Iafelice come co-produttore era una scelta che ci portava ad avere un prodotto più curato, soprattutto per quanto riguarda la voce e dopo sì, ci sono tre o quattro canzoni che a mio avviso hanno un ritornello molto melodico.

Molto orecchiabile è anche il brano “Piedi alati”. C’è voglia di maggiore visibilità, di fare presa più velocemente sul pubblico?

È stato proprio un caso che all’interno delle canzoni mi sono ritrovato questi ritornelli, che effettivamente erano molto forti, quindi abbiamo cercato di dargli maggiore importaza, sapendo che potevano essere un’arma in più per arrivare a più persone.

Stile che vira anche verso sonorità pop, come in “Eva”.

Sì, per assurdo il ritornello è anche molto “vascoso”, se mi passi il termine. Però anche “4 Matrimoni”, che richiama nel ritornello le aperture alla Vasco. Non abbiamo mai voluto abbandonare la parte rockettara, che abbinata a un ritornello che funziona, fa in modo che il pezzo riesca ad arrivare a tanta gente.

Stilisticamente sei un artista dal doppio aspetto. Ti senti più da serata a lume di candela o animale da palco?

L’intenzione è quella di creare uno spettacolo live con i pezzi dei tre album e dare la possibilità al pubblico di passare tranquillamente da un genere all’altro. Questa cosa nasce dalla nostra volontà di non fissarci su un genere. In riferimento alla domanda spero di creare durante un concerto sia l’atmosfera intima e sia di creare il momento, per assurdo, punk.

Quando componi, pensi a come il pezzo funzionerà sul palco?

Prima si conclude il pezzo, che è la cosa più importante, e poi si pensa a come strutturare una scaletta che ha come intenzione quella di soprendere il più possibile chi ti ascolta. Siamo convinti che la sorpresa serva a interessare e coinvolgere la gente.

Nella scrittura emergono elementi legati a una certa tradizione popolare.

Siamo molto paesani, siamo molto inseriti nel nostro territorio e siamo molto influenzati dalla vita del paese, la viviamo noi per primi. Scendo spesso in paese, incontro gente e questa esperienza in qualche modo rientra nelle canzoni.

La tua non è proprio una voce radiofonica e la vostra proposta musicale non è tra le più consuete. La ritieni difficile da assimilare?

A mio avviso no. Spero con questo disco di esser riuscito a trovare quell’alchimia giusta per far uscire una melodia abbastanza commerciale abbinata a dei testi un po’ più profondi dei classici testi pop che ci arrivano in questo momento.

Qual è la tua attuale speranza?

Spero che la promozione vada molto bene per questo disco perché ci crediamo veramenete tanto. Se non dovesse andar bene la vedo veramente grigia. Speriamo di arrivare a più gente possibile.

Altrimenti?

Non lo so sinceramente. Però siamo convinti che con questo disco e con il live, che è la cosa che ci tiene a galla a livello di speranze ed emozioni, tanti si ricorderanno di noi perché lo stiamo curando veramente bene.

Uscendo da un vostro concerto cosa vorresti sentir dire alla gente?

Cazzo, bravissimi!

Last Project: Feeling Good in Your Shoes

2011-01-04T09:01:00.000-08:00

I The Last Project sono una band di stanza a Pavia che, trascorse alcune esperienze in ambito indie con il nome di GateZero e dopo aver trovato in Francesco Quaranta la voce giusta per il nuovo progetto, ha dato alle stampe il proprio ep di debutto Feeling Good in Your Shoes.

Si tratta di quattro brani cantati in inglese che riescono a tradurre un pop fresco e spensierato capace di rimandare alle atomosfere colorate del british sound degli anni ’60, impreziosite e personalizzate dal taglio essenziale degli arrangiamenti. Scorrono piacevolmente e senza grinze le varie Don’t Run Away, Goodbye e Waiting for Someone, grazie soprattutto alla voce del nuovo frontman che imprime una timbrica melodicamente assonante e levigata, mentre paga pegno A Perfect Mask, eccessivamente piegata alle soluzioni ritmico/melodiche che hanno fatto la fortuna di gruppi come i Franz Ferdinand, ma che allo stato attuale risultano decisamente fuori tempo massimo.

SUONO: ritagli di dicembre

2010-12-27T02:38:00.001-08:00

isolati: interviste su l'isola

2010-12-22T10:04:00.000-08:00

Ultimavera: Racconto d'autunno

Zibba: Uno vero
Ugo Mazzei: Cantautore per vocazione
Paolo Tocco: Emozioni in musica
Casa del Vento: Quando fischia la sirena

Cupa ironia: intervista a Caterina Palazzi

2010-12-22T04:56:00.000-08:00

Non si incontra tutti i giorni una musicista dalle idee chiare come Caterina Palazzi. Alla guida di un quartetto legato da amicizia e stima reciproca - completato da Danielle Di Majo (alto sax), Giacomo Ancillotti (chitarra) e Maurizio Chiavaro (batteria) - e forte del convincente album d'esordio Sudoku Killer, la giovane contrabbassista ci racconta come nascono le sue composizioni: scure come la trama di una pellicola noir e intriganti come un giochino di logica matematica.

All About Jazz Italia: Sudoku Killer è il tuo primo album come leader. Il titolo racchiude un significato particolare?

Caterina Palazzi: Ha un duplice significato. L'idea di dare al disco questo titolo scaturisce da due motivi principali. Il primo è che siccome sono una grande appassionata di matematica e di giochetti di logica - il sudoku killer è una variante del normale gioco del sudoku - volevo che il mio lavoro musicale rispecchiasse questa componente caratteriale che è abbastanza presente. Il secondo motivo è che nel CD c'è un intreccio di storie che parlano di cose diverse, ma che hanno un filo conduttore, un po' come il sudoku che è un intreccio di numeri apparantemente scollegati tra loro, ma che hanno un filo logico che li accomuna.

AAJ: In effetti le tue composizioni hanno uno sviluppo di tipo cinematografico, dietro questo modo di scrivere c'è una passione specifica?

C.P.: Sì, assolutamente. Sia per la letteratura che per il cinema. Sono un'appassionata, vedo molti film e leggo molti libri, che poi influenzano la mia scrittura musicale. Per esempio il brano "La lettera scarlatta" è ispirato all'omonimo libro, mentre, parlando di cinema, "La vedova nera" è ispirato a un film di Truffaut che si chiama "La sposa in nero," ma in generale ogni pezzo descrive delle storie e molte persone mi dicono che quando li ascoltano immaginano una sorta di film. Di solito, sul palco, prima di eseguire un pezzo ne spiego la storia, e le persone poi mi riferiscono le loro sensazioni a riguardo. C'è un forte richiamo cinematografico nella musica che faccio, quindi tendo sempre a dire due parole per spiegare il pezzo per fare in modo che il pubblico si immagini lo svolgere della trama, anche se non è davanti a uno schermo.

AAJ: L'idea di comporre una colonna sonora potrebbe piacerti?

C.P.: Perché no. Sarebbe interessante, non è la mia massima aspirazione, ma sarebbe sicuramente bello.

AAJ: Anche le ambientazioni scure che utilizzi rispecchiano il tuo modo di essere?

C.P.: Sicuramtne sì, la sonorità del CD è cupa, c'è una prevalenza di pezzi minori, è una cosa che si può notare. Però è pure vero che è cupo, che è noir, come del resto è il mio carattere, ma c'è anche parecchia ironia. Noir sì, ma con un pizzico di ironia.

AAJ: In Sudoku Killer si avverte netta una importante coesione di gruppo.

“In realtà il contrabbasso non è che proprio l'ho scelto. A un certo punto è stato proprio un'esigenza.”

C.P.: Noi siamo proprio un gruppo. Certo, i pezzi sono miei, sono io che metto più bocca a livello artistico, però loro sono il mio gruppo, non potrei suonare questi pezzi con altre persone. Poi ovviameente nella vita non si sa mai come vanno le cose, però mi piace il fatto che siamo cresciuti insieme, che abbiamo montato insieme il repertorio, che giriamo l'Italia insieme per presentare il disco.

AAJ: Il vostro è un rapporto che va oltre la semplice stima tra musicisti?

C.P.: Sì, a mio avviso per suonare bene insieme non ci si può non stimare tra persone. Soprattutto se passi così tanto tempo insieme. Noi suoniamo molto, da quando è uscito il disco abbiamo fatto circa cento date dal vivo, per cui se non vai d'accordo umanamente diventa stessante. Invece noi siamo anche amici.

AAJ: Qualcuno definisce la tua musica "inquietante". Che ne pensi?

C.P.: Sentire un concerto di tutti pezzi miei può, in un certo senso, turbare. Perché l'atmosfera è molto cupa. Però mi piace il fatto che risulti inquietante, lo ritengo un complimento, mi piace. Molto meglio di noioso. Qualunque sensazione desti la musica, l'importante è che comunichi qualcosa.

AAJ: Un album che si distacca parecchio dalle peculiarità di un tipico suono jazzistico.

C.P.: Sono partita suonando la chitarra in gruppi punk rock. Ho un passato tutt'altro che jazz. Al jazz mi sono appassionata verso i venti anni; ho studiato il jazz tradizionale, ho avuto il mio periodo di fissa per quel genere, invece poi - quando ho cominciato a scrivere e deciso di avere un gruppo mio che facesse pezzi miei - sono tornate le influenze del passato. Quindi oltre al jazz c'è molto rock in quello che faccio, musica d'autore, musica elettronica, blues. Ascolto la musica in generale, non ascolto solo jazz e credo che poi questo si senta. Le influenze sono molteplici.

AAJ: Perché hai poi scelto di suonare il contrabbasso?

C.P.: In realtà il contrabbasso non è che proprio l'ho scelto. A un certo punto è stato proprio un'esigenza. Ho suonato la chitarra per otto anni, fin da piccola dicevo ai miei genitori che volevo diventare una musicista, ma sentivo che nel corso degli anni la chitarra non era il mio strumento. Quando ho toccato per la prima volta il contrabbasso ho capito che era quello che dovevo suonare. È stato una sorta di incontro casuale che si è rivelato quello giusto per me. Il fatto che poi sia così grande è un po' come andare a suonare in due, è come un essere umano che ti porti dietro, la statura è quella. Mi fa sentire meglio l'idea di avere uno strumento con cui dialogare.

AAJ: Si tratta dunque di un'esigenza fisica.

C.P.: Sì, mi ci appoggio proprio sopra. Il contrabbasso è bello perché è una sorta di prolungamento di te stesso, mentre la chitarra e il pianoforte - per esempio - sono più staccati. Ognuno sceglie il suo strumento a seconda di quello che prova toccandolo, per me è stato amore a prima vista.

AAJ: Non ci sono molte contrabbassiste, ti consideri un eccezione?

C.P.: Di sicuro non siamo in tante, anche perché la cosa veramente dura, oltre al fatto che all'inizio per suonarlo ti sanguinano le dita, è che si tratta di uno strumento faticoso, è difficile anche portarselo dietro, nel trasporto. Me lo porto in giro tutti i giorni, per le scale, in macchina, e ogni volta che lo faccio penso: "mamma mia, quanto mi piace questo strumento!" altrimenti suonerei il basso elettrico. Quindi è un sacrificio, ci vuole molta forza di volontà, anche se poi ti ripaga di tutto.

AAJ: Sei una musicista ancora molto giovane, immagino che avrai molti sogni da realizzare e progetti da portare avanti.

C.P.: Continuare così è già un sogno. L'idea di suonare la mia musica in giro per l'Italia e magari anche un giorno fuori dall'Italia e poter vivere così, non credo di poter chiedere tanto altro. Sono molto contenta di come è andato il primo disco, ho già delle idee per il secondo. Il sogno è quello di continuare e di evolvermi.

AAJ: Qualche anticipazione?

C.P.: È presto per parlarne. Sono contenta di come sta andando il primo album, che è stato ristampato due volte. Nei pezzi nuovi sto prendendo una direzione più sperimentale. Ho fiducia che il secondo mi piacerà più del primo.

Girolamo De Simone: Ai piedi del monte

2010-12-18T09:35:00.000-08:00

Girolamo De Simone: Ai piedi del monte # KonSequenz/Hanagoori Music, 2010

Girolamo De Simone (pf, spinetta, organo)

Girolamo De Simone oltre ad essere un operatore culturale, scrittore e direttore artistico è anche, e soprattutto, un compositore dedito da molti anni alla ricerca di nuovi linguaggi espressivi e alla valorizzazione di repertori inediti. “Ai piedi del monte” non tradisce le peculiarità del pianista partenopeo e raccoglie, in poco più di mezz’ora, una scaletta di nove brani che traggono ispirazione dalle opere di Vincenzo Romaniello e Gaetano Donizetti, e da luoghi come il Convento della Verna e, in modo particolare, il monte Somma al ridosso del Vesuvio. Un album dal quale emerge una discrezione esecutiva che si sviluppa su tenui linee melodiche, a tratti solo accennate, capaci di spaziare dalle ampie pagine di elegante classicità ai guizzi più decisi di traditional come il Canto dell’Arco, eseguito alla spinetta, fino ai momenti dal forte impatto religioso e devozionale come Inno alla Vergine e La Verna, che racchiude una delicata improvvisazione organistica.

Fabulae contaminatae / Tristezza dell’anima / Ave / Ultima prece / Tramonto / Il tramonto di Donizetti / Canto dell’arco / Inno alla Vergine / La Verna

live 2010

2010-12-18T06:24:00.000-08:00

Francesco Diodati "Neko"

John Abercrombie Organ Trio

Festival dei due laghi

Ravenna Jazz 2010

Dave Douglas & Keystone

Francesco Bearzatti Tinissima Quartet

Ravenna Jazz 2010: il live report

2010-10-21T10:16:00.000-07:00

L'edizione 2010 del Ravenna Jazz - la trentasettesima per gli almanacchi - si è svolta con la formula che ha caratterizzato gli appuntamenti degli anni precedenti: doppio concerto per tre sere consecutive, nel mese di ottobre. Un momento della stagione dove l'appassionato di jazz ha archiviato le emozioni dei festival estivi e mette mano all'agenda per scegliere gli eventi di maggiore interesse. Ravenna dunque - città ospitale e affascinante -, a prescindere, è tappa obbligata. Perché la kermesse presenta sempre un cartellone dove si possono trovare spunti di interesse, e perché i concerti si tengono al Teatro Alighieri, una location di bellezza suggestiva dove - e non è roba da poco - si può godere di un'acustica di buon livello.

Tre sere dicevamo. La prima dedicata alla figura di Django Reinhardt, nel centenario dalla sua nascita (23 gennaio 1910), e due che hanno visto protagonista Stefano Bollani e le sue diverse declinazioni artistiche. Ma cosa hanno in comune il geniale chitarrista e il pianista italiano? Probabilmente, il nomadismo. Il primo era nomade per natura, aveva l'anima ambulante, era un irregolare. Come il secondo del resto, che è nomade nell'intenzione: suona da solo, in duo, con l'orchestra; ora è carioca, poi jazz standard, o anche pop all'occorrenza. Ma andiamo con ordine:

8 ottobre: About Django

Ravenna, esterno notte. Sono solo le 20, ma si ha la sensazione che nulla potrà più accadere. Strade deserte, insegne spente, tra i vicoli è caccia all'ultima piadineria aperta, per una cena fugace. Invece, qualcosa accade. Sul palco del Teatro Alighieri salgono cinque figure dissimili. Sono i Manomanouche, band devota alle sonorità di Reinhardt composta da due chitarre, sax, contrabbasso e fisarmonica. Spetta a loro aprire il festival, e lo fanno senza lasciare un segno di grande incisività, anche se nel proprio set vanno rintracciati diversi motivi di interesse. A cominciare dalle doti tecniche dei due chitarristi, Nunzio Barbieri e Luca Enipeo, capaci di elevarsi in discorsi solitari intensi e di precisissima profondità espressiva, ma anche di accompagnare gli slanci del fisarmonicista Massimo Pitzianti e di Diego Borotti al sax, ai quali va riconosciuta una buona versatilità. Un'ora di concerto sviluppata su tempi medio-lenti, dove l'anima di Django è stata omaggiata con un pizzico di nostalgia e senza grandi impennate di esuberanza.

Di tutt'altra andatura il secondo concerto in programma. Sul palco si presenta il Trio Rosenberg: tre cugini olandesi autodidatti, frizzanti, simpatici a pelle. Si mettono in tasca i consensi del pubblico presente - fino a quel momento vagamente assopito - con una versione tiratissima di "What Kind of Friend," che vede Stochelo Rosenberg sciorinare una tecnica chitarristica incendiaria. Velocissimo, capace di un sound efficace e coinvolgente strappa applausi sinceri. Due gli ospiti invitati a prender parte alla serata: il fisarmonicista Marcel Azzola e lo strepitoso violinista rumeno Florin Niculescu. Il primo attenua gli slanci dei cugini indiavolati con una dose massiccia di classe ed esperienza; il secondo ruba letteralmente la scena al resto della band. Il suo modo di suonare il violino è di una bellezza clamorosa: traccia melodie angolari e di notevole attrattiva. Sul finire dell'esibizione si ritrovano tutti e in cinque sul palco, ed è difficile tenere gli occhi fermi su un unico particolare e cogliere tutte le sfumature. Ancora applausi.

Non c'è stato il tutto esaurito in questa prima serata, ma i presenti si sono portati a casa una buona dose di sensazioni positive e uno spaccato interessante sul mondo del gipsy jazz, inquadrato da angolazioni diverse che si sono completate a vicenda.

9 ottobre: Bollani Party 1

Il tutto esaurito era prevedibile per la serata di sabato che ha visto protagonista assoluto Stefano Bollani, prima in duo con Enrico Rava e poi con il Danish Trio, completato da Jesper Bodilsen al contrabbasso e Morten Lund alla batteria. A che punto è la love story tra Rava e Bollani? Sul palco del Teatro Alighieri si è visto un duo che sta attraversando un momento di quieta routine, nel quale si continua a seguire la medesima forma espressiva, fatta di una frammentazione e ricomposizione di standard con in mezzo una serie di intuizioni - soprattutto da parte del pianista - che dilatano e cambiano un discorso altrimenti, dai più, già conosciuto. Il tutto cadenzato da gag e situazioni esilaranti che prendono vita da accadimenti imprevisti: lo scoppio di una luce sul palco, un microfono che si ribalta. Bollani - abbigliamento pop, jeans strappati e maglietta sgualcita - indica la strada da percorrere con il suo consueto approccio multivisionario; contorcendosi sullo strumento come un animale in cerca del pieno godimento. Rava rimane in scia senza tentare mai il sorpasso. Nel complesso li abbiamo visti più ispirati in altre occasioni, anche se il loro set rimane di elevata caratura.

Con il Danish Trio si cambia registro. Bollani sembra più voglioso di creare musica e interloquire con i due danesi. Ne viene fuori un concerto tirato ed entusiasmante. I tre producono musica colorata, distante dalle atmosfere chiaroscurali e pensose dell'ultimo Stone in the Water targato ECM. Bodilsen e Lund tradiscono le loro radici nordiche producendo una spinta ritmica di matrice mediterranea e dall'entusiasmo sudamericano. D'altra parte lo stesso Bollani ha di recente dichiarato di trovarsi in un periodo «vistosamente brasiliano», e forse, inconsapevolmente, questo spinge anche chi gli suona affianco ad usare tinte forti, senza indugi. Un paio di soli di Lund d'accecante bellezza ricevono applausi a scena aperta e restano impressi nei ricordi un concerto senza smagliature.

Uscendo dal teatro stavolta troviamo una Ravenna in festa, è la "Notte d'oro": negozi aperti e musica ovunque, incluso il concerto di un Samuele Bersani sempre in buona vena.

10 ottobre: Bollani Party 2

La rassegna ravennate si risolve con la seconda serata di carta bianca a Stefano Bollani. È la volta dell'esibizione in solo. E come di consueto il pianista non si risparmia. Dedica l'intera performance a «un compositore italiano contemporaneo, che sarei io». Scorrono dunque in sequenza le varie "Elena e il suo violino," "Il barbone di Siviglia," fino alla conclusiva "Buzzillare" richiesta dal pubblico. Temi fatti a coriandoli e rincollati grazie a una capacità unica di andare a pescare in una libreria musicale ampissima, senza il minimo indugio, senza mai un appiattimento di stile, senza cercare il passaggio scontato o la soluzione troppo comoda. Bollani ama rendersi la strada contorta, alla ricerca di una conclusione imprevista e soddisfacente. Le immancabili gag e un'ellissi improvvisativa ispirata rendono il suo percorso solitario di estremo interesse.

Come interessante si è rivelato l'ultimo concerto in programma, unica produzione originale proposta dal festival denominata Bollani e Convidados, rivolto alla musica brasiliana. Una performance caratterizzata da quel sottile velo di saudade che avvolge e rende unica questa musica tra le musiche del Mondo. Per l'occasione Bollani chiama a raccolta una formazione inedita con i fidati Mirko Guerrini al sax e Nico Gori al clarinetto, il flautista Nicola Stilo e la cantante Barbara Casini, colei che gli ha trasmesso, molti anni fa, l'amore per la bossa e tutto ciò che profuma di Brasile.

Bollani indovina l'approccio scegliendo un profilo essenziale, capace di far risaltare le doti dei solisti. In maniera particolare si lascia apprezzare Nicola Stilo, con quel suo timbro strumentale asciutto, pregno di sofferenza e di profondità espressiva. Applausi sinceri e ringraziamenti di rito. Sembra una conclusione di serata come tante, salvo che poi - a luci accese - il pianista salta di nuovo sul palco, per travolgere il pubblico con un'imitazione di Fred Bongusto. Ancora applausi, misti a sorrisi irrefrenabili. Sipario, stavolta sul serio.

Foto di Giorgio Ricci.
Ulteriori immagini di questo festival sono disponibili nella galleria dedicata al concerto di Enrico Rava e Stefano Bollani

Ondamedia: nuovo album e live

2010-10-18T11:32:00.000-07:00

Ondamedia

Presentazione live del nuovo album

“Lungo strade senza volto”

13 novembre 2010 @ Alkatraz, Fiumicino (Roma), via delle Conchiglie 16
Ore 22:30, ingresso 8 euro con consumazione
http://www.alkatraz.it

Gli Ondamedia presenteranno dal vivo il loro nuovo concept album “Lungo strade senza volto” all’Alkatraz di Fiumicino (via delle Conchiglie, 16) il 13 novembre 2010, ore 22:30, ingresso 8 euro con consumazione.

L’album è stato scritto, concepito e arrangiato dagli Ondamedia con Roberto Piccirilli al basso e Simone Empler agli archi e pianoforte. Si tratta di un concept autobiografico sulla perdita di se stessi e sul difficile cammino rappresentato dalla continua ricerca della propria identità, respiro dopo respiro. Registrato da Francesco Gagliardini e Simone Empler al BlueTrip Studio e missato da Mirko Cascio (Daniele Silvestri, Luciano Ligabue, Niccolò Fabi) agli Stemma Records and Studios. Mastering effettuato al Cantoberon Multimedia.

La tracklist:

1.Respiro (intro); 2.Simbolo; 3.Uomini senz’alba; 4.Mentore (parte 1); 5.Come eravamo; 6.Un giorno perfetto; 7.Germi che splendono; 8.Oltre la siepe; 9.Mentore (parte 2); 10.Verso di me; 11.Capoverso; 12.Respiro (epilogo).

Il concept:

RESPIRO intro: È il prologo strumentale. L'arpeggio di chitarra segna un’andatura titubante, le carezze del basso delineano lo stato d'animo intorpidito del protagonista e la sua sensazione reale di aver perduto qualcosa.
SIMBOLO: La batteria apre con una cadenza da esecuzione che irrigidisce l'atmosfera, guidando gli strumenti in un crescendo di emozioni, passando dallo smarrimento a un grido disperato: non essere ricordato così. Chiude un assolo di chitarra rabbioso fino alle lacrime.
UOMINI SENZ'ALBA: Brano di rock puro, ritmica e chitarre menano la danza frenetica. L'incapacità di sfruttare le proprie energie di fronte a un futuro impalpabile. Il brano chiude con gli strumenti a guidare un finale psichedelico testimonianza di un periodo in equilibrio precario.
MENTORE parte 1: Una chitarra acustica rilassante, una ninna nanna, una cantilena, la voce della coscienza rassicura il protagonista.
COME ERAVAMO: Un arpeggio orgoglioso e vibrante dà il via alla ricerca del protagonista. Gli strumenti sono lo sguardo al passato, sostengono il brano nei suoi passaggi temporali esprimendo malinconia e fierezza. Guardare chi eri per sapere chi sei, ritrovare la musica, la vita. Una ballata moderna. Ritmica e chitarre espressive sul testo, con un finale teso e riflessivo.
UN GIORNO PERFETTO: Dopo tanto buio, una piccola luce in un cattivo momento. La dolcezza delle chitarre, la ritmica sorniona, la voglia del protagonista. Gli strumenti aprono il brano lasciandolo comunque in un limbo ovattato, accompagnando un urlo di speranza in una nuova libertà che precipita nel vuoto.
GERMI CHE SPLENDONO: La batteria sospesa scarnisce l'atmosfera. L'arpeggio di chitarra sofferente, dà il la a un brano rock con stacchi acidi dove gli strumenti strazianti e amalgamati, duttili e dinamici, descrivono la lotta del protagonista che sprofondato di colpo combatte e cerca indizi anche nelle impurità, contro tutte le sue esitazioni.
OLTRE LA SIEPE: È un brano strutturato in quattro parti. Introduzione rock massiccia, ritmica e chitarre impastate e contrastanti, un flashback tra gioia e dolore, immagini e ricordi. Gli strumenti trasformano un’atmosfera psichedelica in modo ossessivo. Sdegno, rifiuto, rabbia e il coraggio del protagonista desideroso di affrontare il problema.
MENTORE parte 2: La voce della coscienza ritorna. Un arpeggio acustico e un coro spensierati. Il protagonista ha chiuso il conto con i fantasmi del passato ed è pronto a farsene carico.
VERSO DI ME: Un arpeggio di chitarra luminoso. Una ballata on the road. Il protagonista capisce di aver perso se stesso e di essere in viaggio da molto tempo per ritrovarsi ed affrontare il mondo. Nel finale gli strumenti entrano un passo alla volta in un crescendo di suoni devastanti, creando un’atmosfera imponente per un assolo esplosivo.
CAPOVERSO: L'affascinante arpeggio delle chitarre, la ritmica a disegnare uno scenario leggero, morbido. Una ballata dove la consapevolezza del passato, del presente e dell'incertezza del futuro, non spaventa il protagonista. Un finale dove gli strumenti compatti e deliranti di felicità, delineano una corsa liberatoria.
RESPIRO epilogo: È una coda strumentale. L'arpeggio di chitarra riprende il giro dell'introduzione, ma con un’andatura più sicura di sé. Gli altri strumenti entrano e sostengono questa pacatezza d'animo. Il protagonista ora sa che domani tutto potrebbe accadere di nuovo, e proprio questa piccola certezza lo farà sentire pronto a rimettersi in gioco. Il gong sancisce l'anello di congiunzione tra i passaggi della vita.
Il nuovo cd degli Ondamedia “Lungo strade senza volto” sarà disponibile dal 13 novembre 2010 al prezzo di 7 euro nelle seguenti modalità:
- durante i live degli Ondamedia
- online su www.incidi.net e in formato digitale (mp3) su www.incidi.net
“Lungo strade senza volto” sarà inoltre disponibile su iTunes e Napster
Biografia

Gli Ondamedia nascono da un incontro emotivo-artistico, dalla confluenza di strade diverse in un punto comune, strade che si ritrovano a dialogare sull’unico terreno a loro congeniale: gli Ondamedia confrontano le loro storie e il loro modo di concepire la musica navigando su unica onda che media le loro diversità. Questo è il concetto da cui nasce il nome della band.

Attivi dal 1998, fino al 2004 registrano 4 demo che presentano dal vivo nei migliori club di Roma e dintorni con buoni riscontri di critica e pubblico. Nel 2006 coproducono con la UDU Records il loro primo disco “Niente è come sembra”, che vende circa 600 copie esclusivamente attraverso i live e ottiene recensioni positive. Nel 2008 iniziano a lavorare sul loro secondo disco “Lungo strade senza volto”, che vedrà la luce nella seconda metà del 2010.
Nel 2010 si delinea l’attuale lineup, composta da: Fabrizio Collacchi (voce); Massimiliano De Castro e Alberto Foddai (chitarre); Alberto Maiozzi (batteria); Roberto Tempesta (basso).

Press

Suoni che sanno d’oltreoceano, ma rivisitati con cura in chiave nostrana. Arrangiamenti ruvidi, addolciti da rifiniture precise e azzeccate. Buona miscela tra musiche e testi.
(Federico Genta – La Stampa)

Alternano pezzi dall’atmosfera sofferta a tracce più veloci e graffianti. Rabbia, idee e riff chitarristici tanto viscerali quanto coinvolgenti. Elementi Blues (soprattutto negli splendidi assolo di chitarra) ad elementi Hard Rock.
(Enrico Mainero – RockAction.it)

Una band capace di coniugare passaggi soft fascinosi e fraseggi chitarristici d'estrazione rock ottimamente composti e suonati, quasi stridenti nella loro emozionalità ben evidente. La sintesi fra tradizione rock '70 e suono moderno è ben rappresentata..
(Marco Priulla – Rock In Italia)

Web utilities:
http://www.ondamedia.net/
http://www.facebook.com/pages/ondamedia/30469221228
http://www.myspace.com/ondamedia

info e booking: 333.3837272

Programmazione Circolo Degli Artisti 18/24 Ottobre

2010-10-17T07:45:00.000-07:00

- MARTEDI' 19
Circolo Degli Artisti & Minimum Fax presentano
SANGUE MISTO Book Party
con
Neri Marcoré - voce recitante e chitarra
Fabio Stassi - chitarra
Maré - violino e voce
Franco Piana - tromba e flicorno
dalle 22:45
ingresso
10 euro con libro
dalle 20:30
ingresso libero
proiezione ROMA - BASILEA

- MERCOLEDI 20
Loose Habit & Circolo Degli Artisti
presentano
WE HAVE BAND
+ Discofunken
+ Love The Unicorn
botteghino
20:30
concerti
21:30
ingresso libero fino alle 22:30 / dopo le 22:30 5 euro

- GIOVEDI' 21
ONE DIMENSIONAL MAN
+ Speedy Peones
porte/botteghino
19:30
concerti
20:15
ingresso
12 euro + 1,80 euro d.p.
dalle 23:00
ingresso
5 euro + 1,50 euro d.p.
ANY GIVEN MONTH

- VENERDI' 22
IMMANUEL CASTO
porte/botteghino
20:30
concerti
21:30
ingresso
10 euro + 1,50 euro d.p.
dalle 23:30
ingresso
6 euro + 1,50 euro d.p.
OMOGENIC - serata GLBT curata da DI GAY PROJECT

- SABATO 23
SCREAMADELICA presenta
CRYSTAL FIGHTERS
+ Too Young To Love
porte/botteghino
20:30
concerti
22:00
ingresso
8 euro + 1,50 euro d.p.
dalle 22:30
ingresso
5 euro + 1,50 euro d.p.
ROCK THE DANCEFLOOR - due sale DJ set in collaborazione con RADIO CITTA' FUTURA

- DOMENICA 24
WI-FI ART meets COLLETTIVA FOTOGRAFICA
Festa D'Apertura THAT'S ALL FOLKS
Radio Fandango in diretta dal Circolo Degli Artisti ospita Sylvie Lewis, Elizabeth Cutler, Honeybird & The Birdies, Cacique De Roma
dalle 19:00
ingresso libero

SUONO: recensioni settembre/ottobre 2010

2010-10-16T08:56:00.001-07:00

One Dimensional Man: al Circolo degli Artisti

2010-10-13T08:40:00.000-07:00

GIOVEDI’ 21 OTTOBRE
ONE DIMENSIONAL MAN - You Kill Me Tour 2010
+ Speedy Peones
botteghino 19:30 concerti 20:15 ingresso 12 euro + 1,80 euro d.p. dalle 23:00 ingresso 5 euro + 1,50 euro d.p.

ANY GIVEN MONTH

@ CIRCOLO DEGLI ARTISTI

Via Casilina Vecchia 42 - Roma

06 70305684; info@circoloartisti.it

I One Dimensional Man sono un gruppo musicale veneto (precisamente di Venezia) di matrice indie - noise - post-rock e blues che nasce nel 1996 dall'idea di Pierpaolo Capovilla (voce e basso) e Massimo Sartor (chitarra). Successivamente entrerà a far parte della band Dario Perissutti (batteria) proveniente da varie esperienze come chitarrista nell'area indipendente veneziana. Il nome della band è ispirato all'opera del filosofo Herbert Marcuse L'uomo a una dimensione, in cui viene denunciata la tendenza della società occidentale ad appiattire l'essere umano alla dimensione di individuo-consumatore, privo di sogni e aspirazioni diverse dal possesso di nuovi prodotti della società industriale. Con questo nucleo vedrà la luce nel maggio del 1997 il loro primo disco One Dimensional Man pubblicato dall'etichetta indie pisana Wide Records, 13 brani potenti, rumorosi e frenetici. Il disco un po' a sorpresa viene accolto subito favorevolmente dalla critica di settore. Tra il 1997 e il 1998 la band si esibirà in oltre 100 concerti in Italia e all'estero (Slovenia, Croazia, Repubblica ceca e Slovacchia). Suoneranno tra l'altro come gruppo spalla per molti gruppi importanti quali Blonde Redhead, The Cows, Kepone, Fluxus, Uzeda e più avanti nel 1999 con dEUS e Jon Spencer Blues Explosion. Nel luglio del 1998 Massimo Sartor lascerà la band e verrà sostituito da Giulio Favero, giovane chitarrista dell'area indie padovana e precedentemente batterista dei Geyser (ironia della sorte un batterista ex chitarrista e un chitarrista con un passato da batterista). Proprio con l'arrivo di Giulio la sonorità della band si sposta più verso il blues e il rock degli anni ottanta (Birthday Party, The Cramps, Scratch Acid, Butthole Surfers). Nel gennaio 2000 arriva il secondo disco 1000 Doses of Love, sempre con la Wide Records, che esprime pienamente il cambiamento di rotta del gruppo. 9 brani diversi fra loro ma con un filo conduttore, infatti tutti i pezzi sono legati all'amore e al suo fallimento, si potrebbe definirlo come un concept album. Il tour in questione durerà due anni è li porterà in alcuni casi a suonare ancora con band di grande fama come Therapy?, Demolition Doll Rods, Delta 72, Melvins e nuovamente Jon Spencer Blues Explosion. Nel settembre del 2001 si chiudono nel Red House Recordings di Senigallia per registrare il terzo disco che uscirà nel novembre 2001 col titolo You Kill Me che sancirà il passaggio all'etichetta Gamma Pop. Un disco decisamente più maturo accolto con grande entusiasmo sia dalla critica che dal pubblico e li consacrerà come una delle migliori live band italiane in assoluto. Da qui suoneranno per oltre un centinaio di date in Italia e una dozzina all'estero, parteciperanno al programma televisivo MTV Supersonic eseguendo tre brani live e realizzeranno il loro primo videoclip, You Kill Me (regia di G. Cecinelli / Digital Desk, Roma) che verrà programmato da varie emittenti musicali (MTV, All Music, Rock TV, etc.) e suonano in diversi festival estivi come Radio Sherwood Festival (Padova), Rockaralis (Cagliari), Frequenze Disturbate (Urbino, con Giant Sand), Arezzo Wave, Goa-Boa Festival (Genova) e Tora! Tora!. Nel marzo 2003 faranno il loro primo tour europeo che li porterà a esibirsi a Berlino, Vienna, Lugano, Bruxelles, Amburgo. Dopo 4 anni, 2 dischi e circa 200 concerti Giulio Favero matura la decisione di lasciare la band, una scelta serena senza amarezze e incomprensioni che non incrinerà il rapporto con gli altri membri, tanto che Giulio resterà a collaborare per le registrazioni in studio e in qualità di produttore. Arriverà a sostituirlo Carlo Veneziano(Treviso 1983), giovane chitarrista dell'underground trevigiano col quale nel maggio del 2003 iniziano a comporre nuovo materiale e a suonare dal vivo. Durante un concerto il batterista Dario Perissutti si lussa una spalla e viene sostituito per una dozzina di date da Gianluca Schiavon (già con Santo niente, Moltheni e successivamente Yuppie Flu). Dopo una trentina di concerti tra cui alcune date del Tora! Tora!, Arezzo wave e una data del Rock TV tour (che andrà in onda sulla stessa emittente Rock TV) a gennaio 2004 tornano in studio per realizzare il quarto album tra il Blocco A di Padova e il più noto Red House Recordings Studio di Senigallia. Sarà registrato e missato da Giulio Favero (che come citato continua a restare collaboratore della band) e masterizzato da Giovanni Versari al Nautilus Mastering di Milano. Esce il 21 giugno 2004 coprodotto dalle etichette Ghost Records e Midfinger Records e si intitola Take Me Away. 11 brani che tracciano un nuovo cambiamento nel sound della band, stavolta meno aggressivo, più votato alla melodia, talvolta con qualche spruzzo di garage, ma pur sempre un disco degli One Dimensional Man, fedele alla loro attitudine, che non fa altro che confermare l'enorme qualità della band. In estate tornano dal vivo e partecipano a vari festival, tra gli altri Arezzo wave, Neapolis festival (con Air, David Byrne e Arab Strap), Ghost Day (organizzato dell'etichetta varesina) con ospiti come Zu, Karate ed Ex, alcune date del Tora! Tora! tra cui il Brand new: day a Fiumicino (RM). Nel settembre 2004, Mauro Lovisetto, web-designer-grafico-fotografo trevigiano alla sua prima esperienza come regista realizza il loro secondo videoclip, Tell Me Marie, dirigendolo in uno studio di Padova per poi elaborarne un montaggio ricco di grafiche dinamiche, ambientazioni irreali e velocissime sequenze fotografiche, con una tecnica ed un gusto insolitamente originali. Il video comincia ad essere trasmesso dalle varie emittenti tv musicali da metà ottobre e a fine novembre viene premiato al MEI (Meeeting delle etichette indipendenti) di Faenza (RA) come miglior videoclip indipendente dell'anno. Nello stesso periodo si esibiscono in due negozi FNAC per presentare Take Me Away, con un esclusivo showcase in acustico (per la prima volta) suonando l'attesa Mad at Me, due inediti (In Your Arms e Gloria), ed una funebre Just a Boy completamente riarrangiata. La band continuerà a suonare live per tutto il 2005 suonando tra l'altro in vari festival tra cui Tora! Tora!, Arezzo Wave, Piemonte Music Festival, Frequenze Disturbate (per la seconda volta), Metarock a Pisa e il Marcon Music Festival, e come spalla dei Motörhead a Cagliari. Dopo 8 anni di live e 4 dischi nel settembre 2005 Dario Perissutti lascia il gruppo, lo sostituisce il giovane Francesco Valente, proveniente dall'underground triestino. Il debutto di Franz avviene il 24 settembre a Basigliano (GO), per poi continuare il rodaggio in un breve tour in Germania (25, 26, 27 ottobre) ad Amburgo, Berlino e Francoforte. Nel novembre 2005 Pierpaolo Capovilla e Francesco Valente insieme all'ex chitarrista Giulio Favero e al cantante-chitarrista dei Super Elastic Bubble Plastic Gionata Mirai, danno vita al progetto Il Teatro degli Orrori, il cui nome si richiama al Teatro delle Crudeltà di artodiana memoria. La band suona qualche data nel 2006 e comincia un vero e proprio tour nel 2007. Il 6 aprile 2007 pubblicano il loro primo disco, Dell'impero delle tenebre prodotto dall'etichetta La tempesta/Venus. Dopo aver tralasciato per qualche anno il progetto in favore de il Teatro degli orrori nel Mese di Giugno del 2010 a distanza di 6 anni dall'ultimo disco la band annuncia tramite la propria pagina ufficiale su Myspace che tornerà a esibirsi in un nuovo tour nel mese di Ottobre, riproponendo "You Kill Me", uno dei loro dischi più significativi e alcuni brani inediti, con una nuova formazione che prevede oltre a Pierpaolo Capovilla il rientro di Giulio Favero alla chitarra e l'ingresso di Luca Bottigliero dei Mesmerico alla batteria. Aprono gli Speedy Peones.

http://www.onedimensionalman.it/

http://www.myspace.com/onedimensionalman

http://www.myspace.com/speedypeones

http://www.myspace.com/anygivenmondayroma

http://www.circoloartisti.it

http://www.myspace.com/circolodegliartisti

Festival due Laghi, Castel Gandolfo

2010-07-17T03:54:00.000-07:00

Intervista a Roberto Gatto

2010-07-07T06:18:00.000-07:00

Venti minuti con la storia del jazz italiano: intervista a Roberto Gatto
Pubblicato: July 6, 2010

di Roberto Paviglianiti [Posta un commento] Commenta [Stampa] [Invia questo articolo per email] [Iscriviti]

Quando Roberto Gatto mette giù la cornetta il nostro registratore segna venti minuti e zero secondi, spaccati. Un lasso di tempo sufficiente per saperne di più sulla sua ultima uscita discografica Remembering Shelly, un omaggio al batterista Shelly Manne; fare quattro passi attraverso una storia importante, quella del jazz italiano degli ultimi trent'anni; dare un'occhiata al presente e curiosare nel cantiere di qualche progetto futuro. Insomma, venti minuti passati dentro la musica.

All About Jazz Italia: Un batterista che omaggia un altro batterista rileggendone alcune pagine importanti. Cosa ti ha portato a dar vita ad un progetto come Remembering Shelly e in che modo hai cercato di riproporre la musica di Manne in maniera originale?

Roberto Gatto: È un omaggio alla musica del quintetto di Shelly Manne, non direttamente a Shelly Manne. È un modo per riproporre un repertorio che nessuno prima di me aveva mai riproposto. Quello di una band che era in attività tra il 1959 e il 1961 e che proponeva brani originali scritti dai vari componenti del gruppo. L'idea era quella di suonare una serata di standard senza suonare degli standard (il disco è stato registrato dal vivo all'Alexanderplatz di Roma, N.d.R.). Non so se sia originale o meno, ma un musicista di jazz contemporaneo, visto che suona questa musica, ha il dovere di ricordare e riproporre repertori dei grandi della musica del jazz. L'ho fatto con Miles, ora con Manne e lo continuerò a fare. È come dire: «che originalità c'è nel riproporre la Quinta di Shostakovich dopo 75 anni che è morto?». Eppure continuano a suonarla. Il jazz è come la musica classica; il jazz del periodo di Manne lo si può continuare a suonare ad libitum, altrimenti se si dimentica quel tipo di provenienza si perde il filo del discorso.

AAJ: Qual è il punto di contatto tra te e Shelly Manne dal punto di vista prettamente batteristico? C'è qualcosa che vi rende simili?

R.G.: Trovo di sì, e questo l'ho scoperto strada facendo. Lui era un arrangiatore e compositore, un musicista che spaziava da Ornette Coleman a Bill Evans, alle grandi orchestre. Era molto curioso e suonava in molti contesti: era un musicista. Credo di essere un musicista prima che un batterista, e lui era uno dei batteristi più musicisti del suo periodo e ha lasciato molte documentazioni di questa versatilità, attraverso dischi molto diversi: dal trio di Sonny Rollins alla musica d'avanguardia, al duo con André Previn fino a tutto il jazz californiano. È la versatilità la cosa che mi accomuna a lui, sicuramente.

AAJ: Hai dovuto trascrivere l'intero repertorio in mancanza di spartiti. Quanto hai impiegato per gettare le basi per questo progetto?

R.G.: Circa un mese e mezzo, con molta calma, nei ritagli di tempo. Quel quintetto suonava una musica organizzata e strutturata, con l'idea di una piccola big-band, come molti dei gruppi di quel periodo. Ho addirittura chiesto agli amici della moglie di Shelly Manne se esistevano partiture del quintetto, invece mi hanno detto che non c'era niente, quindi evidentemente loro provavano e registravano così, abbastanza all'impronta. Erano tutti dei super professionisti, assimilavano presto il repertorio e suonavano a memoria. Siccome da nessuna parte si poteva rintracciare qualcosa di scritto, mi sono dovuto mettere lì a trascrivere; un lavoro anche divertente tutto sommato.

AAJ: In Remembering Shelly i musicisti che hai scelto hanno espresso al meglio le proprie potenzialità. In che modo un leader riesce a coinvolgere e trarre il massimo dai componenti di una band?

R.G.: Facendoli appassionare. Essendo tutti giovani, per loro è stata una scoperta. Sembra incredibile, ma alcuni non avevano mai sentito nominare i musicisti di quella band. Per esempio Max Ionata non conosceva Richie Kamuca, che è stato uno dei migliori saxofonisti della West Coast, dicendo: «come è possibile che suono il tenore, studio Rollins e Coltrane e non conosco un super saxofonista come questo?». Li ho messi di fronte a una musica che non conoscevano, si sono appassionati, perché è un bellissimo repertorio, suonato con grande swing, grande freschezza. È una musica molto divertente, quando poi l'abbiamo tradotta dalla carta alla dimensione suonata ci siamo accorti che ancora adesso funziona benissimo. I ragazzi si sono poi documentati, sono andati a vedere tutte le cose che ci sono su internet, dove si possono trovare filmati di pezzi mai registrati. Ho chiesto loro di realizzare un tributo il più possibile filologico, perché né si può prendere quel repertorio e cercare di riarrangiarlo (è una cosa folle dal momento che è arrangiato così bene), né di cercare di modernizzarlo in qualche modo. Bisogna suonare calandosi nell'atmosfera di quel periodo, ed era proprio quello che volevo. Non ho detto loro di fare una cover, ma di suonare in stile rimanendo se stessi. Che poi è quello che è uscito fuori. Il suono del disco è un suono riproposto dal vivo, molto asciutto, di una dimensione che mi riportava un po' a quegli anni. Voleva essere un tributo scientifico.

“Non mi piace il buonismo nella musica, eccedere in cose sdolcinate e ruffiane, voglio che ci siano sempre grande rigore e rispetto”

AAJ: Di recente, oltre alla pubblicazione di Remembering Shelly sei stato protagonista di altre uscite discografiche. Pensiamo al primo disco ufficiale dal Trio di Roma, con Danilo Rea e Enzo Pietropaoli. Che ricordo hai del jazz italiano dei vostri esordi?

R.G.: C'era molto poco jazz in quel periodo. C'erano pochi punti di riferimento, e immagino i giovani d'oggi quanto possano essere fortunati in questo senso, hanno tutto, qualsiasi supporto. A quel tempo i pochi musicisti che c'erano per noi erano fondamentali, per imparare e trarre ispirazione. Scena che non ha nulla a che vedere con quella di adesso. A Roma, per esempio, c'era un pianista, un contrabbassista, forse due batteristi, un trombettista: fine del jazz a Roma. In Italia c'era qualcuno a Milano e Bologna; era una scena povera, ma c'era un grandissimo entusiasmo. Poi c'è stato un periodo di crescita spaventosa, fino ai giorni d'oggi. Il periodo degli anni Settanta è stato il più difficile, perché non esistevano strutture. Umbria Jazz, se non sbaglio, iniziò nel '73, ed è stato il primo festival popolare, di massa, internazionale. Prima forse c'era solo il Festival Jazz di Sanremo, ma era un posto dove pochi, una piccola élite aveva la possibilità di andare. Quindi la nostra generazione ha dato la partenza a tutti. È stata una generazione importante la mia, di Danilo Rea di Pieranunzi, di Massimo Urbani. In quella attuale ci sono musicisti giovani che suonano già in maniera sorprendente.

AAJ: C'è qualcuno che ha catturato la tua attenzione?

R.G.: Ce ne sono diversi. In Italia c'è una scena di musicisti molto giovani, ne cito uno che ho avuto recentemente con me nei I-Jazz Ensemble: Alessandro Lanzoni, un pianista di diciotto anni che ha un talento straordinario, che di solito suona con un altro giovane interessante, il contrabbasista Gabriele Evangelista, toscano come lui. Metterei anche, seppur meno giovani, Max Ionata e Giovanni Falzone. All'estero c'è Brad Mehldau, che continua a essere tra i miei pianisti preferiti, Dave Douglas, ma anche Donny McCaslin e Chris Potter: non sono più giovanissimi, ma di iper-giovani c'è un fantastico chitarrista di New York che si chiama Johnathan Kreisberg, molto forte, e anche Mike Moreno, Aaron Parks e altri.

AAJ: Sei consapevole di essere una delle icone del jazz italiano di sempre?

R.G.: Gli anni iniziano a farmi capire questo fatto, anche se io sono assolutamente sempre a lavoro e in attività più di sempre, con l'entusiasmo anche maggiore di quando ero giovane. Però andando indietro mi rendo conto di aver fatto tanto. Non so se sono un'icona, ma sicuramente un punto di riferimento, credo e spero, importante per i più giovani.

AAJ: Un consiglio da dare a un giovane batterista?

R.G.: Questa musica si fa al meglio avendo grande passione, non esistono altre cose. Ho sempre detto che la passione è quello che ti fa fare un lungo viaggio per andare a sentire un concerto, cosa che io e altri abbiamo fatto, spendere quei pochi soldi che uno ha quando si è giovani per comprare dei dischi. Chiedendo consiglio ai grandi musicisti ed essendo sempre dentro alla musica, assorbendo tutto quello che c'è intorno al jazz, e c'è veramente tanto. È una musica che va studiata, non si vive solo il momento del concerto, è quanto uno gli dedica a livello di studio e di ricerca continua. Ascoltare e scoprire quelli che ci sono stati prima di noi, scoprire il jazz di una volta e tutti gli anelli di congiunzione tra un genere e un altro, i maestri che hanno fatto questa musica grande. Bisogna sempre farsi scattare una ottima dose di entusiasmo, perché senza di quello è molto difficile.

AAJ: Parliamo anche di The Music Next Door. Dal punto di vista compositivo, in un'altra intervista hai dichiarato: «a me piace che dai miei dischi esca la musica, il suono che cercavo mentre componevo». Descrivici il tipo di suono che è uscito da questo lavoro.

R.G.: È un suono di composizioni mie abbastanza intimista, tutto sommato. Mi piace scrivere avendo rispetto per la tradizione e per le grandi melodie, sono un musicista "romantico" e di conseguenza scrivo in maniera diretta verso la melodia. Allo stesso tempo mi piace suonare completamente free, senza forma, un po' come sono stato abituato a fare quando ho iniziato negli anni Settanta con qualche esponente del free jazz. Amo entrambe le strade, mentre non sopporto il buonismo nella musica, eccedere in cose sdolcinate e ruffiane. Ci deve essere sempre un grande rigore e un grande rispetto. In genere scrivo molto piu' di quanto finisco per registrare; sono abbastanza esigente quando scrivo e ho imparato negli anni a farlo sicuramente meglio di un tempo. Quindi quello che esce fuori dai miei dischi, in particolare da The Music Next Door, è un po' un viaggio. Quando uno inizia ad avere 50 anni ha assorbito tanta musica e quindi finisco per riproporre tutto quello che vorrei ascoltare andando a un concerto o ascoltando un disco. È un viaggio attraverso tutto, attraverso la storia del jazz, attraverso la canzone, il pop, il rock progressive, attraverso i cantanti italiani, i compositori di musica da film: c'è tutto questo nella mia sfera musicale, per cui arrivato a un certo punto non devo necessariamente preoccuparmi più di tanto, perché se anche non dovessi avere un'ispirazione saprei dove andare a pescare, come ho fatto in The Music Next Door, dove ci sono cose mie e cose di repertori molto diversi. Questa è una strada che paga sempre e che percorrerò anche nei prossimi dischi.

AAJ: Proviamo dunque a ipotizzare il futuro. Qual è l'idea che vorresti portare a compimento, da qui a dieci anni?

R.G.: Ho diversi progetti. Negli ultimi tre anni ho fatto tanto. Quindi continuerò a lavorate con l'ottetto I-Jazz Ensemble, con il quale realizzeremo un disco, e poi mi piacerebbe secondo capitolo del disco che ho fatto per L'Espresso sul rock progressive, ma con un'etichetta e non in edicola. C'è tanta musica bellissima che ho dovuto lasciare da parte, penso sia il caso di fare un volume 2. Il prog mi sta molto a cuore. Per il momento mi sembra abbastanza, cerco sempre di mettere a frutto qualche idea quando ne vale la pena e quando sono sicuro di ciò che sto facendo.

AAJ: Da qui ai prossimi dieci minuti?

R.G.: Da qui a dieci minuti? (ride, N.d.R.). Non saprei, comunque io lavoro, ascolto musica e scrivo in continuazione. Stavo per uscire a fare dei giri, ma poi alla fine ritorno a casa, sto sempre con il computer acceso a guardare filmati storici, ascoltare musica: sono sempre dentro la musica.

Foto di Claudio Casanova

Visita il sito di Roberto Gatto.

with tricky

2010-06-28T11:55:00.000-07:00

The Shape of Jazz to Come? Piero Delle Monache

2010-06-17T10:54:00.000-07:00

Piero Delle Monache è uno che non sa stare fermo. Saxofonista con le mani in pasta in diversi progetti, laureato al Conservatorio con una tesi affascinante dal titolo "Lo Zen e i sovracuti: un metodo didattico per imparare a suonare il sax con naturalezza," produttore dell'etichetta Altotenore, prossimo direttore artistico dell'FB Jazz Festival: la sua è un'attività completamente immersa nell'emisfero jazzistico. Lo abbiamo intervistato dopo l'uscita di Welcome, il primo mini-album inciso come leader.

All About Jazz: Raccontaci come è andato il primo incontro con il sax e con il jazz.

Piero Delle Monache: Il sax è arrivato grazie a... una birra! A tredici anni mi sono innamorato della pubblicità della Heineken, quella in cui un sassofonista e un clarinettista suonano in un club. Sono rimasto affascinato da quel suono, da quel mood, dal fatto che intorno a due musicisti potesse crearsi una festa. Ho detto subito a miei che mi sarebbe piaciuto iniziare a suonare, e pochi giorni dopo mio padre ha scoperto che un suo collega aveva un alto in vendita. Incredibile, no? La passione per il jazz è nata dopo, grazie ai primi concerti ai quali ho assistito, ai primi dischi, e alle prime lezioni. Sonny Rollins on Impulse! è stata solo la prima, autentica, folgorazione.

AAJ: Qual è stato il tuo percorso di formazione e quando hai capito di essere diventato musicista a tutti gli effetti?

P.D.M.: Negli anni del liceo ho frequentato l'Accademia Musicale a Pescara. Poi nel 2001 mi sono trasferito a Bologna per l'università (triennale in Scienze Economiche), ma tra i tanti posti nei quali potevo andare ad abitare sono finito proprio davanti casa di Piero Odorici, e ovviamente è successo per caso. Inutile dire che ho passato molto più tempo da Piero, o alla Cantina Bentivoglio, o da Nannucci - un bellissimo negozio di dischi che ora non c'è più -, che in facoltà. Negli stessi anni ho seguito anche moltissimi seminari: Siena, Perugia, Roma, ed è lì che ho conosciuto molti dei musicisti con i quali suono tutt'ora. È in quel periodo che ho capito che la musica stava diventando anche una bella professione, che impegnandomi avrei potuto vivere della mia passione, e che in fondo io e l'economia avremmo volentieri fatto a meno l'uno dell'altra. Credo che il percorso di formazione non si interrompa mai veramente: prima o poi cambia forma, magari da studente diventi insegnante, aumentano i concerti e le responsabilità, ma la curiosità che ti ha spinto a cominciare resta sempre la stessa.

AAJ: Quali sono i progetti musicali che stai portando avanti?

P.D.M.: Sono in un periodo di passaggio, il mio trio italiano si è sciolto da poco e sto dando vita a un nuovo progetto, ma per ora non voglio anticipare nulla. Da quando vivo a Bruxelles (o meglio, da quando ho casa a Bruxelles, perché sono sempre in viaggio) ho anche un quartetto belga, con Nicola Andrioli al piano, Hendrik Vanattenhoven al contrabbasso e Mimi Verderame alla batteria. Sono davvero entusiasta di tutto il gruppo e degli ultimi concerti con questa formazione. Spero di portarla presto anche in Italia. Poi c'è FBJazz, che non è un gruppo ma un festival e un concorso. Sono stato incaricato della direzione artistica di questa bella iniziativa che si terrà a San Giovanni Teatino (CH) dal 26 al 29 luglio. Stiamo organizzando la prima edizione e dietro all'entusiasmo si nascondono anche tanto lavoro e un doveroso controllo dei dettagli. Il progetto è molto ambizioso, sono felice del modo in cui si sta sviluppando e della libertà con la quale posso dare il mio contributo.

AAJ: Il tuo mini-album Welcome documenta un certo rispetto per la tradizione jazzistica, ma anche la voglia di spostare in avanti le coordinate di un canone in mutamento continuo. Come si è sviluppato il progetto?

P.D.M.: Welcome è nato in un modo del tutto naturale. Quando abbiamo registrato, nel settembre 2008, avevo un trio (il Ja.ck) con Francesco Diodati e Alessandro Paternesi. Ero molto contento dei nostri concerti, ma sentivo che il gruppo non era ancora abbastanza maturo per entrare in studio, così ho pensato di allargare la formazione a un sestetto e coinvolgere anche Giovanni Ceccarelli, Matteo Bortone e Andy Gravish. In questo modo avremmo avuto a disposizione molti più "colori" e molte più soluzioni di arrangiamento e, nello stesso tempo, non ci saremmo trovati davanti ai problemi di una formazione bass-less.

AAJ: Solo sei brani raccolti in poco meno di mezz'ora. Scelta dettata da quale motivo?

“Suonare è come chiacchierare con qualcuno: quando suono esprimo me stesso e mi piace l'idea di essere ascoltato e, nello stesso tempo, di ascoltare chi mi sta intorno e di fronte.”

P.D.M.: La scelta del minialbum è dipesa da molti fattori, ma anche da esigenze "editoriali": Welcome, oltre che il mio primo lavoro da leader, è anche il primo numero del catalogo Altotenore. Come produttore artistico sentivo l'esigenza di dare da subito un carattere originale alla mia etichetta. Volevo un disco "leggero" in tutti i sensi, con un packaging moderno e insolito, un'immagine che avesse un impatto diverso da quello che generalmente hanno le copertine dei dischi di jazz, e un prezzo invitante (7,90 euro). L'immagine complessiva del prodotto mi sembravano perfetti per una mezz'ora di musica, ma non per un disco intero, così ho optato per questo formato lasciando fuori altri quattro o cinque brani che abbiamo registrato nella stessa session e che magari recupereremo più avanti. Questa fase di post-produzione è stata forse la più intensa e l'ho vissuta con lo spirito di un regista che, finite le riprese, riguarda tutto il "girato" e inizia a montare le scene e a scegliere quale peso dargli all'interno del lavoro. Se poi il regista è anche attore del film, bisogna valutare quale ruolo ritagliare per se stessi. Devo dire che sono molto soddisfatto del risultato finale, e soprattutto di quanto alcune scelte per così dire "rischiose" (come quella del formato breve, o di una scaletta nella quale i brani che vedono protagonista la mia voce strumentale sono pochi, o della "sorpresa" che chiude il progetto) si stiano rivelando molto piacevoli per il pubblico. Un'altra cosa che mi preme ricordare è che della produzione esecutiva si è fatta carico Banca Serfina, una giovane realtà abruzzese nella quale, per puro caso, ho scoperto che si nascondono due grandi appassionati di musica. Sono molto grato per quanto hanno fatto per me, e spero che la nostra collaborazione continui nel tempo.

AAJ: L'ultimo brano è la rivisitazione in chiave elettronica di "Miramare". Qual è il tuo rapporto con i suoni sintetici? Pensi che in futuro bisognerà spostarsi sempre di più verso questa direzione?

P.D.M.: Si tratta di un'opera di mio fratello Andrea, che nelle vesti di producer hiphop si fa chiamare Deli, e che qualche giorno prima che andassi in studio a Forlì per il mastering del disco mi ha fatto ascoltare la versione revisited di "Miramare". Dato che stavo cercando un contenuto extra per chiudere l'album, la sua idea mi è sembrata subito perfetta. Non si allontanava troppo dal sound delle altre tracce e nello stesso tempo proiettava il disco in un'altra dimensione. Quanto ai suoni elettronici, non credo che utilizzarli voglia dire essere moderni, e quindi la direzione giusta nella quale andare. Semplicemente, quando abbiamo registrato questo disco avevo voglia di quel sound. Ho chiesto a Giovanni (Ceccarelli, ndr) di suonare anche il Fender Rhodes e a Francesco (Diodati, ndr) di fare quello che fa sempre. E lui si è presentato in studio con la sua solita valigia di effetti.

AAJ: Quali sono gli aspetti sui quali vuoi concentrarti per progredire ulteriormente e i punti di forza del tuo modo di fare musica?

P.D.M.: In questo periodo sto lavorando molto sul ritmo. L'anno scorso ho avuto la fortuna di fare da assistente a Mark Turner durante un workshop a Roma, e la prima lezione avrebbe potuto intitolarsi "Tutto quello che avreste voluto sapere sul metronomo e non avete mai osato chiedere". Frequentare Mark è stato uno stimolo incredibile, è un insegnante fantastico e una bellissima persona. Quanto ai punti di forza... bella domanda! Diciamo che qualunque sia il contesto nel quale sto suonando (il palco di un club, o di un teatro, o uno studio di registrazione, o il salotto di casa di un amico), l'unica cosa che mi interessa davvero è la condivisione di quello che sto facendo. Per me suonare è come chiacchierare con qualcuno. Quando suono esprimo me stesso e mi piace l'idea di essere ascoltato e, nello stesso tempo, di ascoltare chi mi sta intorno e di fronte. In fondo, un concerto è come una cena tra amici, nella quale si passa da temi banali, affrontati comunque con coscienza, a momenti più profondi e intellettuali, ma che poi sfociano, quasi inevitabilmente, in una risata. Quando organizzo le scalette dei miei concerti, il mio intento è proprio questo: creare situazioni sempre diverse ma sempre vere. L'anno scorso dopo un concerto a Bruxelles con Flavio Boltro, un giornalista ha pubblicato una recensione nella quale definiva la mia musica "complessa ed efficace al tempo stesso". Ecco, mi piacerebbe che fosse sempre così.

AAJ: Se accendo il tuo iPod, cosa trovo in play?

P.D.M.: Ho un 4 giga, dunque non moltissimo spazio, ma c'è qualcosa che porto sempre con me: Glenn Gould, Pedrão (un musicista di Samba che io e la mia ragazza abbiamo scoperto a Lisbona l'estate scorsa), ovviamente moltissimo jazz, un paio di dischi del Radiohead, e i tre o quattro pezzi "leggeri" italiani che riescono sempre a farmi sentire meglio quando ne ho bisogno. Generalmente scelgo la musica da caricare nell'iPod in modo molto istintivo, ma ogni tanto mi fermo a pensare al perché certi dischi (magari stilisticamente diversissimi tra loro) restano lì dentro per mesi o anche per anni. Sicuramente ci sono vari parametri assoluti che superano i generi e che danno una logicità alle mie playlist e, spero, anche ai miei progetti.

AAJ: Nella tua vita, oltre che per la musica, quali altri interessi o passioni coltivi?

P.D.M.: Il cinema (soprattutto Woody Allen), l'arte moderna (Picasso, Mirò, Modigliani in primis), i viaggi e ultimamente la cucina. Tra l'altro ho scoperto che moltissimi musicisti amano cucinare, inventare qualcosa con quello che trovano in frigo, o inserire elementi presi a prestito dalla cucina orientale o africana nei piatti italiani. In fondo anche questo è jazz, no?

Foto di Hamilton Lake (la prima e la seconda), Ulisse Cipriani (la terza) e Bernard Rosenberg (la quarta)

Visita il sito di Piero Delle Monache.

auditorium web radio

2010-06-10T08:25:00.000-07:00

The Shape of Jazz to Come? Federico Scettri

2010-05-14T06:54:00.000-07:00

Per la prima puntata di The Shape of Jazz to Come? - la nuova rubrica dedicata ai giovani da tenere d'occhio sulla scena jazz italiana - siamo andati a curiosare dietro i tamburi della Cosmic Band di Gianluca Petrella, perché è lì che solitamente opera Federico Scettri: batterista romano, classe '85, entusiasmo da vendere.
Nel suo presente però non c'è solo l'esperienza con l'ensemble del trombonista, ma una serie di iniziative e progetti che fanno pensare a un futuro tutt'altro che monotono

All About Jazz: Raccontaci come è andato il primo incontro con la batteria e con il jazz.

Federico Scettri: Ho iniziato a suonare presto, a circa quattro anni. Per gioco costruivo dei piccoli set con scatole e pentole, e li percuotevo con posate e mestoli da cucina. La mia passione per la musica la devo a mio padre, che insegnava organo al conservatorio, e alla sua immensa collezione di dischi di musica classica: quindi non ricordo di aver "iniziato" a interessarmi alla musica, c'è sempre stata!

Per quanto riguarda la batteria, ricordo che a circa sette anni andai a seguire una lezione e fui subito entusiasta. In seguito ebbi l'occasione di partecipare ai laboratori del pianista Ramberto Ciammarughi, che mi diede la possibilità di avvicinarmi all'improvvisazione e alla musica jazz. Ho continuato la mia esplorazione con un periodo di lezioni da Fabrizio Sferra e poi con Ettore Fioravanti, "Siena Jazz" e i laboratori di Stefano Battaglia, esperienza che ha cambiato radicalmente il mio modo di vedere la musica.

AAJ: Qual è stato il tuo percorso di formazione sul campo?

F.S.: Le mie prime esperienze le ricordo intorno ai dodici anni in alcune scuole di musica a Roma, e quindi i primi concerti con gruppi cover, soprattutto rock e pop. Molto importante è stato l'incontro con Derek Wilson, batterista attivo nella musica pop italiana, che negli anni mi ha trasmesso una forte disciplina sullo strumento e la capacità di avere "grandi orecchie" quando si suona. Durante il liceo ho poi approfondito la tecnica con un altro ottimo insegnante, Ettore Mancini, ma il momento più interessante è stato quando un paio d'anni dopo il liceo mi sono trasferito a Bologna, è lì che ho conosciuto e poi collaborato con tanti musicisti (ad esempio Domenico Caliri, Edoardo Marraffa, Antonio Borghini) che hanno "formato" il mio percorso e che mi hanno fatto ascoltare e conoscere la musica in maniera profonda.

AAJ: Quando hai capito di essere diventato musicista a tutti gli effetti?

F.S.: Durante il liceo la musica occupava praticamente tutto il mio tempo al di fuori degli studi scolastici, anche durante un anno intero in cui non potei suonare a causa di una forte tendinite a un polso. E così anche dopo la scuola: non ho fatto altro che suonare e affrontare le prime esperienze professionali, che mi hanno appassionato sempre di più alla musica e alla composizione, alla quale mi sono avvicinato da un po' di tempo.

AAJ: Quali sono i progetti musicali nei quali sei attualmente impegnato?

F.S.: I gruppi con cui collaboro sono molto diversi tra loro e in ognuno riesco a esprimere le mie idee, trovando il mio "posto" all'interno della musica: Orange Room, un sestetto condotto da Beppe Scardino; Pospaghemme, in duo sempre con Beppe Scardino; Headless Cat, in trio con Francesco Bigoni e Antonio Borghini; East Rodeo, un gruppo con i musicisti croati Alen Sinkauz e Nenad Sinkauz, insieme ad Alfonso Santimone; Jump the Shark, un quintetto diretto da Piero Bittolo Bon. Inoltre collaboro anche con il gruppo della cantante Patrizia Laquidara e con Funky Football, un progetto su Bretches Brew di Miles Davis condotto da Enrico Merlin.

“Di sicuro la batteria si occupa spesso del groove, ma è soprattutto il suono che mi interessa: la qualità del proprio suono sullo strumento, indipendentemente dalla qualità della batteria o dei piatti!”

AAJ: Mentre Coming Tomorrow: Part One con la Cosmic Band di Gianluca Petrella è l'ultimo lavoro a cui hai preso parte. Come è organizzato il vostro lavoro di squadra? Qual è il tuo ruolo specifico nei meccanismi del gruppo?

F.S.: Una band di dieci elementi è una formazione molto ampia e quindi l'elemento fondamentale è Gianluca Petrella, non tanto come direttore, quanto come organizzatore della musica. Il materiale scritto è molto aperto, perciò l'obiettivo sta nel dare una direzione alla musica nel senso della densità sonora, delle dinamiche, e degli eventi musicali durante il concerto.

Io, in particolare, non mi sento legato a un ruolo preciso. Di sicuro la batteria si occupa spesso del groove, ma è soprattutto il suono che mi interessa: la qualità del proprio suono sullo strumento, indipendentemente dalla qualità della batteria o dei piatti! Nel tempo e nei vari concerti che abbiamo tenuto ho cercato di coltivare la capacità di ascoltare quello che succede, recepire immediatamente ed essere molto reattivo. Questo non vuol dire che la musica deve essere sempre mutevole, ma che bisogna saper scegliere il momento giusto per far accadere qualcosa. In tal senso, un gruppo così numeroso offre molti stimoli.

AAJ: In che modo il batterista può liberarsi degli stereotipi che lo inquadrano "semplicemente" come portatore del ritmo per gli altri musicisti?

F.S.: Direi che la batteria è solo uno strumento, come lo è un sassofono o la voce o una chitarra. Di sicuro in molte tradizioni musicali la batteria e le percussioni sono strumenti dedicati più all'aspetto ritmico della musica. Penso sia solo una questione di scelta da parte delle persone. Esistono moltissimi esempi dove la batteria ha un ruolo melodico nel discorso musicale, lavorando più sulla tessitura sonora e timbrica, piuttosto che sulla scansione ritmica di ciò che suona. Ascoltare la musica classica dal primo Novecento in poi, ma anche lo studio dell'improvvisazione e della musica ad essa legata, mi hanno insegnato come tutti gli strumenti (e soprattutto quelli a percussione) possano essere esplorati e utilizzati in maniera del tutto creativa.

AAJ: L'esperienza con Gianluca Petrella ti potrà tornare utile per un eventuale progetto da leader?

F.S.: Mi ritengo molto fortunato a suonare con Gianluca sia sotto il profilo artistico che professionale, e di sicuro la sua personalità nella musica e sul palco mi ha insegnato molto: quando suoni "deve" succedere qualcosa, in quel momento. Un'esperienza del genere poi ha giovato anche sul piano della visibilità mediatica, e sono contento quando vedo che tanti musicisti mi conoscono e mi apprezzano proprio grazie al fatto che suono con Gianluca Petrella. Speriamo che questa carta in più porti dei frutti e non rimanga fine a se stessa! Visto soprattutto il periodo di "refrattarietà culturale" che stiamo vivendo. Vedo un certo rifiuto, da parte dei festival e degli addetti ai lavori, verso nuovi gruppi sconosciuti che se non fanno capo a un musicista già famoso non vengono quasi mai presi in considerazione.

AAJ: Quali sono gli aspetti sui quali vuoi concentrarti per progredire ulteriormente e i punti di forza del tuo modo di fare musica?

F.S.: Direi che la disciplina mi ha sempre aiutato a essere metodico nello studio. Quindi cerco di essere innanzitutto costante sia nella pratica dello strumento che nell'ascolto dei dischi e nella scrittura. Ho imparato nel tempo a non avere troppa fretta, a non bruciare le tappe. Non penso ci siano grandi segreti in questo senso: l'unico modo è impegnarsi e imparare a concentrarsi, magari anche su degli elementi molto semplici, ma cercando sempre di migliorarsi e di lavorare sui propri limiti.

AAJ: Se accendo il tuo iPod, cosa trovo in play?

F.S.: Di sicuro i Meters: ho comprato da poco il loro primo disco e Zigaboo Modeliste è stato una grande scoperta! Poi anche Quaristice un disco degli Autechre, un gruppo inglese di musica elettronica, veramente unici in quel genere. Poi Pretzel Logic degli Steely Dan, una mia grande passione. E ovviamente Such Sweet Thunder dell'orchestra di Ellington, una musica che ogni volta mi sorprende, e l'orchestra di Jimmie Lunceford: amo soprattutto la creatività dei batteristi di cento anni fa! Un grande maestro è per me Sergiu Celibidache che dirige la "Sinfonia n.9" di Bruckner, e grande ispirazione trovo nell'Ensemble Intercontemporain che suona Xenakis. Di recente mi hanno prestato un disco del Transatlantic Art Ensemble diretto da Evan Parker e Roscoe Mitchell: spaziale è dire poco.

AAJ: Nella tua vita, oltre che per la musica, quali altri interessi o passioni coltivi?

F.S.: Da qualche anno ho ripreso a leggere, cosa che ahimè ho praticato poco durante la scuola: letture piuttosto random, da Agota Kristof, a Brodskij, a Konrad Lorenz, a Jodorowsky. Mi fido molto dei consigli dei miei amici!

Fabrizio Savino: Stampo metropolitano

2010-05-13T08:07:00.000-07:00

Stilisticamente ispirato da John Scofield, dotato di ottima tecnica e capace di esprimere un linguaggio jazzistico fresco e seducente, Fabrizio Savino - che si è da poco messo in mostra con l'album autografo Metropolitan Prints - è uno dei migliori giovani in circolazione. Abbiamo intervistato il chitarrista di Bari (classe '81), il quale ci ha illustrato la genesi del suo album e il proprio modo di intendere il jazz.

All About Jazz Italia: I brani di Metropolitan Prints hanno come tema ispiratore gli aspetti della città e le sue forme. Come nasce l'esigenza di raccontare in musica questi elementi?

Fabrizio Savino: Volevo racchiudere e raccontare in musica la mia esperienza passata. Ho viaggiato abbastanza per potermi formare artisticamente e questo mi ha dato la possibilità di confrontarmi con molte persone, sia musicalmente che non. Avevo bisogno di più stimoli possibili che mi dessero la possibilità di cercare un mio linguaggio di espressione, nella musica così come nella vita. Chiaramente questo percorso si è svolto principalmente in grandi città italiane ed estere; ed è lì che ho vissuto le varie forme di città, positive e negative.

AAJ: Come si è formato il gruppo che ha poi inciso il disco?

F.S.: Con Raffaele Casarano, Mike Minerva e Dario Congedo c'era già un'amicizia. Con loro ho avuto la possibilità di suonare in passato molte volte. Li ho voluti perché, conoscendoli bene musicalmente, sapevo che avrebbero contribuito alla realizzazione della mia idea in maniera positiva e soprattutto personale. Poi casualmente, in una jam durante un festival jazz, ho conosciuto Luca Aquino e lì ho capito che doveva esserci. Ho sempre adorato il suono della tromba, e lui, con la sua idea "elettronica," mi ha subito colpito.

AAJ: Ascoltando l'album traspare una certa attitudine per l'inserimento di piccoli elementi elettronici. Quando componi, in che modo ti relazioni con le macchine?

“Avevo bisogno di più stimoli possibili che mi dessero la possibilità di cercare un mio linguaggio di espressione, nella musica così come nella vita.”

F.S.: Credo che l'elettronica sia veramente un gran passo verso la musica del futuro, anche se ormai è molto presente. Ho voluto nel disco queste sonorità, perché mi dessero la possibilità di suonare "dentro la metropoli". Mi spiego meglio: l'elettronica ti dà la possibilità di catapultarti in atmosfere in maniera molto realistica (un po' come il 3D utilizzato nei film di nuova generazione), e dato che Metropolitan Prints doveva essere questo, allora ho scritto sempre immaginando un effetto sonoro che poi le macchine mi avrebbero dato. Adoro molto il suono acustico e l'idea del trio mainstream, ma in questo disco dovevo suonare così. Quando compongo è la musica a fare da padrona, cerco sempre di non pensare a come dovrebbe suonare il brano, ma a suonarlo e basta. Più lo immagini, più lo suoni, più tutto viene da sé. Incominci a sentire atmosfere ed idee che diventando sempre più chiare, fino a quando non diventano realtà. Le codifichi e allora capisci ciò che serve.

AAJ: L'unico brano non autografo è "Gallerie" di Raffaele Casarano. Mi parli della vostra collaborazione?

F.S.: Con Raffaele suonare è bellissimo. È un artista che lascia molto alla tua personalità, e inoltre è una persona fantastica. Con lui ci siamo conosciuti per un concerto a Villa Celimontana, dove lo invitai come ospite del mio trio. Da lì è nata una bella amicizia e collaborazione. Volevo un suo brano nel disco, e così è nato. Il ricordo più bello durante la registrazione, è quando mi lasciò solo nella sala, mi fece abbassare le luci e partì il "rec".

AAJ: Artisticamente parlando sei attratto dalla figura di John Scofield. Quali sono le caratteristiche che vi accomunano?

F.S.: Difficilissimo da dire. Trovo più giusto parlare di quali sono le caratteristiche di Scofield che mi hanno sempre affascinato. Innanzi tutto l'idea di suono, il blues (costantemente presente nel suo linguaggio), le composizioni, il suo fraseggio. Ho voluto dedicargli un brano ("John Street") come una sorta di ringraziamento a un grande artista, capace di raccontare la musica, in ogni suo disco, in maniera differente. Basti pensare a Blue Matter, uno dei primi dischi di Scofield "fusion," fino ai dischi di oggi quasi del tutto blues. Un artista senza un preconcetto musicale, capace di racchiudere tutti i generi in una sola parola: MUSICA. E come lui citerei un altro artista importantissimo per me e per la storia della musica passata e futura: Miles Davis. Unico!

AAJ: Dove deve scavare un giovane jazzista per trovare la sua originalità?

F.S.: Credo innanzi tutto nel jazz come forma di linguaggio, prima ancora di genere. Quindi sicuramente per poter parlare bene una lingua, bisogna studiarla nella forma, costruzione, dialettica, e dopo subentra la fase dell'espressione. Qui la fa da padrone l'emozione. Basta vivere a 360° in rapporto con il mondo, per essere costantemente stimolati da ogni forma di emozione. "Purtroppo" il passato jazzistico ci ha segnati moltissimo, infatti ci ritroviamo a suonare ancora oggi quei brani e moltissime volte quegli stili. Tutto ciò va più che bene, anche perché abbiamo la possibilità di studiare il sound di vari periodi, ma dobbiamo anche soffermarci sulla loro originalità. Il be-bop, il cool jazz, l'hard-bop, sono nati per mano loro, noi non dobbiamo soltanto riprodurli, ma evolverli secondo la nostra idea di musica, e logicamente di espressione.

AAJ: Utilizzi le chitarre che tuo fratello Francesco costruisce. Quali sono le caratteristiche che deve avere il tuo strumento ideale?

F.S.: La chitarra è come se fosse il prolungamento delle mie idee, quindi deve essere il più vicino possibile a loro, in tutte le sue parti. Nella scelta dei legni, corde, hardware, tipo di chitarra (solidbody, hollowbody o archtop) fino ad arrivare al tipo di plettro, diversi in misure e materiale, e logicamente ampli ed effetti. La mia fortuna è avere un fratello liutaio (Savino Custom) che mi ha dato la possibilità di chiarirmi le idee su come diversi tipi di legni in combinazione tra loro mi dessero sonorità differenti. Tutt'ora utilizzo una chitarra hollow body, con corpo e manico in mogano, tastiera in ebano, e top in acero quilted, costruita da lui. Questo strumento ha la particolarità di non annullare l'idea elettrica, caratteristica delle solid body (per esempio utilizzo spesso anche un Sg Gibson), ma al tempo stesso mi dà la spinta acustica della cassa. Per adesso è la chitarra dove mi rispecchio di più.

John Abercrombie Organ Trio: LIVE

2010-04-27T01:17:00.000-07:00

Un pubblico non numerosissimo si congeda dalla Sala Petrassi dell'Auditorium con la piena consapevolezza d'aver assistito a un concerto di valore assoluto, prodotto da musicisti capaci di giungere a una sintesi - di stile, impostazione e concretezza - prossima alla perfezione.

Sul palco c'era stato, fino al termine di un sincero applauso, John Abercrombie e il suo Organ Trio. L'organo, quindi, come elemento attorno al quale ruota l'idea di questo originale progetto. Non un organo qualsiasi, ma l'Hammond - l'XK 3c nell'occasione -, strumento dal fascino impareggiabile che ha segnato, in maniera definitiva, un intero filone stilistico sia in ambito jazz che rock. E non solo, viene da dire, soprattutto dopo aver visto il giovane Jared Gold confrontarsi con i compagni di viaggio: Adam Nussbaum alla batteria e John Abercrombie.

Due autentici fuoriclasse. Il primo, rilassato e flessuoso, viaggia veloce sui suoi Zildjian come una pattinatrice su una lastra di ghiaccio sottile, senza sbagliare mai il dosaggio di tocchi precisi e, a volte, impercettibili. Ma anche, all'occorrenza, sciolto nel recuperare una bacchetta volata via in un solo di furiosa bellezza. Abercrombie, poi. Se ne resta seduto tutto il tempo. Sembrerebbe un turista stanco, sfuggito a una guida in giornata di grazia, se non fosse per come traduce sulla sei corde un'espressività tale da far scaturire un caleidoscopio di emozioni. Prendi la versione di "Timeless": intensa, scurissima in ogni misura e di un fascino clamoroso, che mette i brividi e ci fa dimenticare la diatriba al parcheggio con uno dei tanti fan di Samuele Bersani, on stage la stessa sera nella sala affianco.

Concerto da intenditori, ma anche da feticisti e un po' nostalgici, dal momento che diversi, compreso il vostro cronista, stazionano sotto il palco a fine performance per scrutare qualche particolare dell'Hammond, lasciato lì in bella mostra. Impressioni confermate da questo dialogo - origliato con malcelato interesse - di estrema sintesi: lui, un po' miope, riferendosi all'amplificatore: «lì, su quella scatola, c'è scritto Leslie? », lei: «sì caro», e lui, visibilmente compiaciuto: «ok, possiamo anche andare».

Vincenzo Martorella: il Blues

2010-04-20T06:05:00.001-07:00

Per il suo “Il Blues” lo studioso e critico musicale Vincenzo Martorella ha scelto un’impostazione lontana dalle consuetudini che caratterizzano - e spesso asfissiano - i libri dedicati ai generi musicali. Nelle 306 pagine non c’è traccia dell’ennesima discografia consigliata, tanto meno di un filo conduttore meramente cronologico, ma a guidare il lettore sui tratti peculiari del blues – dagli albori fino agli anni Trenta - è un’analisi professionale, e al contempo comprensibile, divisa in tre macro sezioni.
Nella prima parte sono messi in relazione gli eventi e le indagini che hanno portato gli storici a formulare delle ipotesi - qui non sempre confermate - sui natali del blues, una musica, soprattutto nel periodo pre-discografico, di natura frattale e, come ricorda Martorella, senza padri concretamente riconoscibili.
Una linea di condotta che nella seconda parte dà spazio alle forme del blues, al loro aspetto metrico ed esecutivo, e ai significati racchiusi nelle dodici battute. Alcuni capitoli sono dedicati a “cosa” raccontano e al “come” si esprimono i blues, e al loro rapporto con l’intera cultura afroamericana. Sono inoltre descritti i primi protagonisti di un folklore spontaneo e analizzate le costrizioni subite dal canone iniziale con l’avvento delle registrazioni discografiche.
L’ultima sezione si snoda attraverso le vite – spesso intrigate e ancor oggi fitte di mistero – dei principali interpreti del genere: da Bessie Smith a Robert Johnson, passando per Eddie “Son” House, Skip James, Charley Patton e molti altri.
Mappa fondamentale dunque, sia per chi ha voglia di mettersi alla scoperta di una radice musicale affascinante e decisiva per le sorti dell’intera popular music, ma anche per chi pensa di aver già fatto propri tutti i segreti, e le ragioni, di una musica infinita. Indispensabile.

2Pigeons: Land

2010-04-19T08:50:00.000-07:00

Non è facile incasellare la cifra stilistica dei 2Pigeons, duo italo-albanese di stanza a Milano composto da Chiara Castello (voce e percussioni) e Kole Laca (piano, Rhodes, synth, effetti e cori). Si parte da un’ambientazione elettronica, con testi cantati in inglese – Chiara, per essere precisi, è italo-americana – e una propensione alle tipiche formulazioni pop.

Anche se in Land, il loro debutto sulla lunga distanza dopo l’omonimo EP del 2008, c’è molto di più: c’è la fantasia di un gruppo capace di osare. I ragazzi inseriscono a più riprese contrappunti strumentali che non t’aspetti, come il piano classicheggiante di I-Land, ma anche il sax impazzito di Michele Sambin nell’opener Biko, traccia spiazzante e multiforme; e si lanciano spesso senza paracadute nella libertà espressiva, come in Open Doors. Nelle nove tracce proposte si possono anche incontrare elementi di ballabilità (The River ne è l’esempio più lampante), atomi di drum & bass, rarefazioni bristoliane e una serie di influenze raccolte in molti anni di ascolto attento e sperimentazioni tese al futuro. Inoltre, la voce di Chiara riesce a “surfare” con disinvoltura in ogni brano, rivelandosi a conti fatti il vero elemento portante di Land.Menzione finale per Giulio Favero (ex-One Dimensional Man) che da dietro al mixer è riuscito ad amalgamare un calderone ribollente di elementi formali e stilistici. Ma d’altra parte, i due piccioni, non potevano scegliere un terzo elemento più appropriato.

Piero Delle Monache: Welcome

2010-04-17T08:09:00.000-07:00

È nato nel 1982 Piero Delle Monache, e appartiene a quella generazione di musicisti capaci di tradurre in personale attitudine una ricca quantità di informazioni, stilistiche e di impostazione, ottenute grazie allo studio intenso e alla immediata messa in pratica delle proprie possibilità.

Welcome è il suo primo lavoro con il proprio nome scritto in grande, e racchiude - nel breve volgere di sei brani stipati in poco meno di mezz'ora - un'ampia varietà di soluzioni formali.

Il saxofonista di Pescara si avvale della collaborazione di sidemen altrettanto giovani e preparati - tra i quali si distingue il chitarrista romano Francesco Diodati - pronti ad abbracciare una linea di condotta che spazia dalle melodie corpose e oscillanti di "Noir," impreziosita da un interludio delicatissimo del pianista Giovanni Ceccarelli, alle nostalgiche note di "Miramare," dove il leader sfoggia un timbro scuro e suadente, passando per i cambi di passo incalzanti della veloce "Tutto bene".

Chiude il cerchio la rivisitazione di "Miramare," affidata alle intuizioni elettroniche di Deli, il fratello del leader, che la trasforma in un pezzo vicino ai modi garbati tanto cari ai Gotan Project. Applausi.

Interviste kroniche: Joy Cut # Overmood # Quinto Stato # Hollowblue # The Banshee

2010-03-10T08:56:00.001-08:00

Interviste kroniche 2007/2008

Joy Cut:

Li abbiamo visti esibirsi a Roma prima del concerto degli Editors, sono riusciti a catturare l’attenzione dei presenti con un mini-set profondo, scuro, sofferto. I Joy Cut rafforzano con il nuovo “The Very Strange Tale of Mr. Man” tutto il loro potenziale musicale e comunicativo. Portano avanti un’idea concreta, una filosofia d’intendere gli sviluppi di costume che si riflette nei loro testi, nel loro suono. Ci svelano cosa c’è nel profondo del loro pensiero e da dove nasce l’incredibile necessità comunicativa che li spinge a portare avanti un’idea che ha solo bisogno di spazio e possibilità d’esprimersi nella sua interezza

Il progetto JoyCut prende il nome da due opere ben distinte: “Joey” di Nick Drake e “The Final Cut” dei Pink Floyd targati Roger Waters. E’ solo un fattore d’assonanze o ci sono degli aspetti artistici e caratteriali di questi due personaggi che si possono rintracciare nella musica della band?
Piccola precisazione per onestà intellettuale e credito storico: “Joey” è una traccia di “A Time for No Reply” di Drake. Detto questo, l’assonanza metrica ha senz’altro contribuito alla sintesi fra i due significati, ovviamente la caratura comunicativa dei due pianeti in questione ha fatto il resto. Ci sono stati, ci sono attualmente e probabilmente continueranno ad esserci tratti sonori specifici che si riferiscono ai due artisti.

Il fatto di cantare in inglese per esprimere la vostra filosofia musicale è una scelta puramente commerciale o pensate che sia una via di comunicazione effettivamente più efficace?
Diremo una cosa semplice. Noi cantiamo in inglese e basta. La scelta è spontanea e allo stesso tempo necessaria. Abbiamo col passare del tempo sperimentato e constatato quanto il suono della voce meglio si esprima con la formula codicologica. Si abbandona più aderentemente al resto. E il linguaggio è mutuato da frames di immagini-idee che facilmente possono essere rappresentate da chi ascolta. L’inglese non è pertanto una scelta commerciale. Meglio dire una consapevole presa di posizione, con l’ambizione di potersi confrontare con qualsiasi cultura.

Il vostro ultimo lavoro “The Very Strange Tale of Mr. Man” è un disco molto ben curato e corposo. Sembra il frutto di molte session di registrazione; è questo il vostro modo di mettere insieme le idee o arrivate alle conclusioni in maniera rapida senza perder troppo tempo in studio?
È frutto di molte session di prove. Di Suono maturato live e di un’attività compositiva che da molto tempo sente il bisogno di venire alla luce. In studio abbiamo registrato in presa diretta. Esperienza che ci ha gratificato tanto e che speriamo di poter ripetere nei prossimi lavori, pur non disdegnando il valore aggiunto della ripresa stratificata. Un domani, se avremo possibilità e disponibilità, volentieri avremmo voglia di vivere lo studio buttando via l’orologio.

Difficile cogliere in maniera netta le ispirazioni della vostra musica. Ma nel brano “Shake Your Shape” viene fuori un’urgenza espressiva che riporta alla mente le sonorità darkeggianti della prima metà degli anni ’80. E’ un abbaglio o effettivamente portate nel cuore quel periodo?
Quello è senza alcun dubbio uno dei colori centrali della nostra esperienza adolescenziale nonché dell’imprinting formativo. Ma ci sono tanti altri colori che possono essere accuratamente scorti, scovati e scoperti all’interno del disco. Una volta trovati e riconosciuti non si potrà far a meno di considerarli alla stessa stregua di quelli che emergono ai primi ascolti. “Shake Your Shape” è la miglior sintesi, in tal senso, che siamo riusciti ad offrire.

Chi è esattamente Mr. Man? Perché questa necessità vitale di doverlo salvare? E soprattutto, in che modo si può raggiungere l’obiettivo?
Mr.Man incarna i valori della sensibilità umana perduta. Non ci guardiamo più negli occhi. Non ci ascoltiamo più veramente. Puntiamo sempre più ad apparire. Tesi al profitto. Tradendo lo sviluppo civile e sociale col velenoso termine di Progresso. Mr.Man è questo Processo. L’uomo, quello che non c’è più, è oramai alieno, diverso, altro. E quando ne incontriamo uno fragile, umile, che lotta per essere semplicemente umano, ne abbiamo Paura.

Portate Mr. Man con voi anche sul palco sotto forma di un pupazzetto verde dalle fattezze extraterrestri. Sembra proprio parte integrante della band. Vi ispira, vi dà forza o è solo un fattore scenografico?
È il Nous! È l’anima dei Joy Cut. Ha un profondo taglio sulla pancia. All’interno vi riponiamo tutti i nostri oggetti da custodire. Ce li redistribuiamo prima di ogni concerto. Ci fa sentire parti dello stesso corpo. Ci dà gioia. Il nostro progetto vorrebbe un giorno istituire una fondazione Mr.Man. Per dare “voce” al vuoto sociale.

Quanto è stato importante suonare come supporter degli Editors nelle due date italiane del loro tour? Cosa vi ha concretamente portato in termini d’esperienza e divulgazione della vostra musica?
Tantissimo. Primo perché con gli Editors vi erano anche i The Boxer Rebellion, band della scena londinese e questo ci ha permesso di confrontarci direttamente con i suoni e la forma mentis d’oltremanica, secondo perché tenere il passo a realtà così straripanti ci convince sempre più di quanto lavorare, aprirsi, cambiare, crescere, ammettere limiti, sia per una band l’obiettivo più importante verso cui indirizzare tutti gli sforzi. Ci ha inoltre permesso di suonare letteralmente davanti a migliaia di persone con un’aspettativa di linguaggio talmente ben definita da cogliere con favore anche la nostra proposta.

Un’idea musicale non così immediata. Avere a disposizione uno spazio tutto per voi (magari davanti ad un pubblico più ristretto) è l’ideale per esprimervi al meglio o credete che la gente riesca a cogliere al volo la vostra essenza anche nel giro di due brani?
Stiamo crescendo trovandoci a dover offrire una sintesi della nostra identità musicale in uno “short term” (aperture, festival): fino a questo punto questa modalità ha pagato, permettendoci di veicolare l’energia in pochi pezzi. Lo spazio tutto per noi? Dopo numerose occasioni nel passato e alcune date quest’estate con palchi tutti nostri, è l’esperienza che ci apprestiamo a vivere di nuovo a partire dal 1 dicembre, data in cui partirà il nostro giro invernale. Augurandoci di incontrarci presto risponderemo sulla scorta dell’esperienza di fatto. Vero è che suonare davanti a poche persone che però sai indubitabilmente essere lì per te, che magari hanno acquistato o ascoltato il tuo disco…fa piacere e sarà emozionante! Mr. Man sarà contentissimo!

Avete in mente di portare avanti il vostro progetto basandovi nuovamente sulle tematiche di quest’album o nel prossimo futuro dobbiamo aspettarci delle radicali trasformazioni dei JoyCut?
Perché no? Ci sentiamo molto rappresentati dalla metafora della Polaroid. Fotografare sempre con autenticità il nostro stato di forma. Composizioni e brani per prossimi lavori già in archivio, moltissimo in cantiere. Altro che come sempre verrà fuori d’impatto. Unica cosa certa: racconteremo chi siamo!

Overmood:

E’ una di quelle band che non passano inosservate. Uso intelligente dell’elettronica, bella miscela di suoni e modernità consapevole, dall’incedere rapido, fulmineo, ritmato. Gli Overmood si scusano per gli imprevisti che ne hanno ritardato l’ascesa e mettono sul piatto le carte giuste per essere considerati una delle realtà più ficcanti e interessanti dell’anno.
“Sorry for the Setbacks” è la giusta sintesi di un lavoro di sperimentazione mirata, senza fronzoli, che raggiunge l’obiettivo senza titubanze e che può seriamente rappresentare il trampolino verso la giusta consacrazione.

Il vostro sound è molto originale e difficilmente riconducibile a sonorità ben definite. Come riuscite a mettere insieme la fondamentale componente elettronica con la vostra parte più rockeggiante rimanendo in equilibrio stilistico?
Fare confluire il pop-rock nell`elettronica è stato istintivo così come lo è stato usare un computer, campionamenti e auto-campionamenti per suonare. È un`attitudine che deriva da alcuni anni passati nell`hip-hop e più tardi nell’ascolto di musica elettronica. Solo da questo punto in poi è nato l’interesse e la curiosità per il rock indipendente americano e, di conseguenza, la voglia di provare a costruire qualcosa di simile ma con synth, sample e batteria elettronica. Ovvero con gli stessi strumenti di sempre. Contrariamente alla tendenza generale dei gruppi rock che si contaminano d’elettronica per sperimentare, il nostro percorso è stato inverso, diciamo dal breakbeat ai Pixies!

Quanto è stato difficile innestare altri due componenti (basso e chitarra) su un duo propriamente elettronico già collaudato e affiatato?
Non è stato facile far convergere gli interessi in un progetto comune, per questo fino a poco tempo fa ci consideravamo un duo e non una band al completo. Almeno fino all`inserimento di Andrea e Riccardo che, per fortuna, non condividono con noi il 100% degli ascolti. Io e Matteo ci conosciamo da moltissimo tempo ed abbiamo finito per livellare i nostri gusti, anche se spesso abbiamo dovuto discutere molto sui singoli suoni del disco prima di prendere una decisione definitiva.

“Sorry for the Setbacks” è passato attraverso molte fasi compositive oppure avevate tutto in mente ed è bastato entrare in studio e registrarlo?
Il disco è nato da lunghe serate invernali passate nella nostra saletta sotterranea con pc, stereo e chitarra a smontare e rimontare pattern con frammenti di batterie, synth, chitarre, a definire effetti, a strutturare i brani e a registrare demo. Siamo arrivati in studio con i provini dei brani e le parti già completamente definite. Nonostante ciò il risultato finale ha risentito molto e positivamente del lavoro in studio, ci siamo concentrati molto sulla produzione.

C’è qualche cosa che avreste voluto aggiungere o togliere, oppure pensate pienamente che sia un cavallo vincente?
Con il passare del tempo è abbastanza naturale rendersi conto delle molte altre possibilità che avremmo potuto sfruttare... ma questo non significa avere rimpianti di alcun genere, il lavoro ci soddisfa ancora e non poteva che uscire così in quel periodo! Nessun pezzo tra quelli previsti è stato escluso. Dal vivo ci sentiamo liberi di reinterpretare i pezzi e di risuonarli in modo diverso, lasciando spazio all`improvvisazione strumentale.

Rico degli Uochi Tochi dietro al mixer e all’intero progetto Overmood. Quanto e in che modo vi è stato d’aiuto per la realizzazione dell’album e l’assemblaggio dei brani?
Rico c’è stato di grande aiuto: ha subito capito quello che volevamo fare e quale importanza doveva avere la parte ritmica. È stato un lavoro di potenziamento e di definizione di un suono pulito, secco e potente. Per quanto riguarda l’assemblaggio dei brani, come dicevo poco fa il disco era già in buona parte abbozzato nei provini.

Emerge durante l’ascolto di ogni track una certa urgenza espressiva. I pezzi entrano subito nel vivo senza grandi introduzioni. E’ il vostro solito modo di esprimervi o questo fattore è dovuto dall’eccitazione del momento?
Anche questa è una domanda che fa riflettere sul passato... probabilmente si tratta di un retaggio che ci portiamo dietro dall’hip-hop: brevissimo intro, strofa, ritornello, strofa! Senza troppo respiro tra un momento e l’altro.

Colpisce il vostro modo di sviluppare la traccia. Musica che non è mai ferma su binari delineati, ci sono sterzate improvvise e accelerazioni repentine. Chi è di voi l’artefice di questo linguaggio asimmetrico che dà una bella sensazione di moto continuo?
Le basi del disco sono mie e di Matteo. L’asimmetria è una tentazione alla quale abbiamo voluto cedere qualche volta sia nell’andamento delle basi sia nella struttura dei testi, come in “The Mockery”. La tendenza è quella di costruire due atmosfere diverse e complementari che si alternano tra strofa e ritornello facendo molta attenzione ai cambi di tempo. Ora che ci penso è una caratteristica che riscontro spesso nei dischi che ascoltiamo di più.

Si deduce una gran gavetta d’ascoltatori e ricettori musicali. Chi è l’artista che più d’ogni altro v’ispira?
Ti posso fare alcuni nomi random di band che ascoltiamo molto, anche se non sono sempre ricoducibili agli Overmood: Pixies, Modest Mouse, Built to Spill, quasi tutto dei fratelli Kinsella, Daft Punk, Mr. Oizo, Ratatat, Cornelius, Gangstarr, qualcosa della Ed Banger...

Avete in mente di portare degli accorgimenti al vostro suono, magari con una sezione ritmica più pesante, o pensate di continuare sfruttando le possibilità di un`elettronica più "leggera"?
Ora non saprei rispondere, stiamo raccogliendo idee e riscontri nell`attesa di nuove registrazioni. Nel disco abbiamo preso spunti diversi da produzioni diverse cercando di evitare il crossover posticcio, come accade spesso quando si avvicinano rock ed elettronica. “Sorry for the Setbacks” suona come una rilettura giocattolosa dei nostri ascolti.

Che vi piacerebbe fare da grandi? Avete già in mente quale sarà la direzione da prendere per arrivare ad un secondo disco che sicuramente susciterà attese e curiosità?
L`età media è di 22 anni: qualcuno di noi ha già un lavoro quindi è già grande. Per ora vorremmo suonare moltissimo dal vivo. Abbiamo scoperto nuove possibilità interessanti riarrangiando quello che c`è nel disco, cercheremo di concentrarle in un ep nel 2008 che “sicuramente susciterà attese e curiosità” (grazie per la fiducia!).

Quinto Stato:

Scambio d’idee con il gruppo ferrarese per cercare di capire il nocciolo del loro pensiero e il punto di vista di una band giovane e propositiva.

Che significato ha per voi Quinto Stato, cosa rappresenta oltre la semplice idea di rock band?
Quinto Stato è il frutto di una lontana amicizia fra quattro ragazzi della provincia ferrarese. Ci siamo conosciuti sui banchi di scuola, bla bla bla...

Dal vostro esordio discografico ad oggi sono passati quattro anni durante i quali ci sono state molte evoluzioni; c’è un filo conduttore che vi ha portato alla realizzazione di “Le ultime tracce di Mr. Tango”?
Probabilmente la necessità stessa di doverci evolvere. Abbiamo sempre temuto le stagnazioni.

Avete già raggiunto una buona originalità stilistica; da dove nasce il vostro suono e quali sono stati i passaggi fondamentali per la sua amalgama?
Magari è scontato, ma il nostro suono nasce dal confronto-scontro fra i nostri differenti background musicali e grazie a lunghe sessioni di prove abbiamo raggiunto quello che si può sentire nel nostro ultimo cd.

Dall’interpretazione dei testi emerge un forte senso di disagio nei confronti delle consuetudini (religiose, culturali e di costume); è arrivato il momento di scuotere queste situazioni ristagnanti o è meglio fuggire per trovare nuove strade?
Non ci sentiamo di dare un consiglio a riguardo, anche se da come ci poni la domanda, l`invito è quello di dare un messaggio positivo comunque. E tale sia.

Chi è Mr.Tango? Che cosa rappresenta nella vostra ideologia musicale?
Mr.Tango è la ciliegina ammuffita sulla torta di feste mondane, è la spina nel fianco di chi vuol assolutamente apparire brillante. Mr.Tango è una contraddizione continua nella ricerca di una propria soggettività.

Dove si arriva percorrendo le sue tracce?
Sempre nella solita ed anonima provincia ferrarese.

Nel disco ci sono brani notevoli, vedi “Ancora nuvole” o “Cani surgelati nello spazio”; l’idea brillante è proposta in maniera diretta o passa attraverso un percorso realizzativo complesso?
Dipende dal pezzo. Ancora nuvole ad esempio ha richiesto uno sforzo notevole per la sua riuscita, nonostante possa sembrare una canzone abbastanza semplice. Cani surgelati nello spazio, al contrario, è stato un flusso torrenziale che si è materializzato in breve ed è uno dei pezzi a cui siamo più legati.

Quanto ha influito la figura di Giorgio Canali sulla vostra scelta musicale? In che modo un produttore del suo spessore può essere d’aiuto per un gruppo emergente?
Abbiamo la fortuna di conoscere Giorgio e spesso ci incrociamo scambiandoci opinioni. Per la realizzazione del disco però avevamo le idee chiare, anche se il suo tocco è stato fondamentale, come lo sarebbe per qualsiasi gruppo che avesse la possibilità di lavorare con lui.

Prossimamente verso quale direzione si muoveranno i Quinto Stato? C’è un grande obiettivo finale o preferite vivere alla giornata?
La seconda che hai detto.

Hollowblue:

Voglia di sperimentare e tracciare linee espressive inedite, capacità di plasmare materia sonora come pochi e buon gusto per la sfumatura emozionale: sono questi i maggiori indizi che portano dritti all’idea che gli Hollowblue sono una band dal notevole spessore artistico e dal sicuro impatto stilistico.
Abbiamo scambiato due parole con Gianluca Maria Sorace (voce e anima del gruppo) e Marco Calderisi (chitarra), dopo l’uscita dello splendido “Stars are Crashing (In My Backyard)” e prima del tour che li porterà fino a esibirsi a Londra, in quella che ha tutta l’aria di essere la strada giusta verso la consacrazione.

Nel vostro ultimo lavoro, “Stars are Crashing (In My Backyard)”, emergono diversi momenti dall’andamento filmico. Il riferimento è alla pulpfictioniana “First Avenue” e agli scenari struggenti di “We Fall”. Quanto siete attratti dal mondo cinematografico?
Gianluca: Il linguaggio cinematografico è qualcosa che ha sempre avuto una forte influenza su di me. Che poi questa ricada direttamente nella musica che facciamo, non saprei. Probabilmente a livello inconscio, in alcuni casi, sì. Ma mi sento di dire che nessuno di noi parta veramente dall`idea di ottenere un certo risultato nella fase iniziale in cui ci apprestiamo a comporre e arrangiare. Lasciamo che le cose prendano il loro corso in modo molto istintivo, e così proseguiamo stando attenti a quello che la canzone stessa ci richiede. Può capitare di arrivare a comporre qualcosa di maggiormente cinematografico, ma anche semplici e dirette canzoni pop.

Se vi proponessero una soundtrack, da quale regista vi piacerebbe essere chiamati e perché?
Gianluca: Sto scoprendo recentemente David Lynch. Non avevo visto a suo tempo “Twin Peaks”. Mi sono perso le reazioni che suscitò. Immagino che debba essere stato, per le famiglie che lo seguirono in televisione, abbastanza spiazzante. Di Lynch adoro il modo sottile in cui mescola la realtà con il sogno. Non mi dispiacerebbe musicare un western. Ecco, magari un western di Lynch, se mai ne farà uno.

Ci sono altre band che godono della vostra particolare ammirazione, in Italia e all’estero, e perché?
Marco: In italia ci sono stati diversi gruppi che hanno goduto e/o godono della nostra ammirazione: Massimo Volume e Scisma per quanto riguarda (purtroppo) il passato; Ex-Otago, Perturbazione, Offlaga Disco Pax sono alcuni dei gruppi che più mi attirano e coinvolgono al momento. Tre nomi su tutti per quanto riguarda le influenze estere: i Cure, per la loro tristezza; i Blur, per la loro essenza pop; i Sonic Youth, per l`uso dei suoni.

Gianluca: Le mie influenze principali sono: David Bowie, Calexico, Nick Cave, Chet Baker, Television Personalities, Blonde Redhead, Portishead, Pulp, Sonic Youth, Arvo Part e i Divine Comedy di “Regeneration”, non necessariamente in quest`ordine. Se parliamo invece della scena italiana mi piacciono molto alcune band della nostra stessa etichetta (la Midfinger records, ndr): The Gumo, Drink to Me e Lara Martelli. E poi Luca Faggella col quale ci siamo trovati talvolta a condividere lo stesso palco, ma anche Valentina Dorme e Virginiana Miller. Voglio citare anche lo splendido progetto solista del nostro batterista Federico Moi, i Lovers of `69. Poi adoro molta della musica italiana degli anni ‘60/’70. Insomma un panorama abbastanza vasto, e ognuno dei componenti degli Hollowblue potrebbe dirti molti altri nomi. Quello che io cerco, e che accomuna quasi tutti questi nomi, è la capacita di trasmettere emozioni e portarmi alle lacrime. Ecco personalmente cerco la commozione. Che sia ben chiaro però che commozione non corrisponde assolutamente a tristezza.

La scelta di utilizzare il pianoforte, ma soprattutto il violino, deriva da una precisa voglia di mettere in gioco sonorità solitamente appartenenti ad altre derive musicali, o pensate sempre più al concetto di band allargata, magari con un’intera sezione d’archi, sax, tromba e altro?
Marco: Alla base di tutto c`è sempre una voglia di sperimentare e mischiare suoni e influenze. Questo sia dal punto di vista strumentale, che dal punto di vista di ascolti. I nostri gusti sono piuttosto eterogenei. Sarebbe molto bello poter suonare con un’intera sezione d`archi. Altrettanto poter includere stabilmente nell`organico anche un trombettista. Anche il sax è uno strumento che mi è sempre piaciuto. Però, mentre non mi è difficile immaginare una tromba o degli archi nella nostra musica, faccio più fatica a figurarmi un sassofono.

Gianluca: Adoro gli archi, in particolare il violoncello e adoro pianoforte e tromba. Non so, mi viene naturale aggiungere arrangiamenti che prevedono l`utilizzo di questi strumenti. Forse anche troppo naturale, nel senso che il rischio può essere in alcuni casi di sovraccaricare tutto quanto. Mi sembra però che finora siamo riusciti a mantenere il giusto equilibrio tra forza elettrica e acustica. Quando è possibile Andrea Inghischiano, il trombettista che ha suonato nel disco (benchè non faccia parte in modo stabile del gruppo), si unisce a noi nei live. Sarebbe bello aver sempre la possibilità si muoverci con più strumentisti. Altrettanto bello però è suonare le canzoni anche in modo semplice. Il fatto che le melodie siano abbastanza forti permette in realtà di presentare le canzoni con arrangiamenti anche semplici e diretti.

Un suono che nella sua interezza denuncia personalità, coesione ed espressività. Quanto lavoro in studio c’è per arrivare a una tale consistenza? Da dove nascono le vostre canzoni? E dove vogliono arrivare?
Marco: Hollowblue è nato come progetto solista di Gianluca e in genere la maggior parte dei pezzi nasce da lui. Con il passare del tempo c’è stata un’evoluzione costante del nostro approccio ed è risultato sempre più significativo l`apporto di tutti. Ciò sicuramente permette di creare un amalgama sonoro composito e originale. La cosa particolare è che, comunque, il processo compositivo non è celebrale o volutamente complesso. Noi suoniamo quello che ci piace e che ci viene spontaneo suonare. Però, senza dubbio, il lavoro costante e continuo portato avanti in sala prove in questi ultimi quattro anni, ha fatto sì che si sviluppasse spontaneamente un’unità e una direzione sonora di gruppo.

Gianluca: Sì, come dice Marco, le cose piano piano sono cambiate negli equilibri della band. Se inizialmente mi occupavo un po` di tutto io, adesso - benché continui a scrivere testi e melodie -, cerchiamo di far nascere le canzoni direttamente in studio. È molto più divertente e più aderente a quello che siamo. Inoltre abbiamo raggiunto un tale grado d’affiatamento che in alcuni giorni potremmo scrivere due o tre canzoni alla volta. Una grande fortuna devo dire. Nelle mie passate esperienze in altri gruppi il raggiungimento di un obiettivo in termini musicali e artistici richiedeva spesso un grande sforzo. Adesso basta accendere l`amplificatore e partire con qualche nota che tutti ci ritroviamo sulla stessa lunghezza d`onda. Quello che vogliamo è semplicemente che trasmettano emozioni forti e che emozionino noi prima di tutto. Immagino che sia un obiettivo abbastanza comune.

L’album si distingue per la cura dei particolari e delle sfumature timbriche. Impegno che si riflette anche nella bella confezione: copertina ricercata e foto azzeccate. In che modo una band che dà risalto a questi aspetti si pone di fronte all’avanzare inesorabile del digital download, ovvero della musica che non si può stringere tra le mani?
Marco: Credo che, al giorno d`oggi, il download digitale sia una realtà importante e innegabile, che vada quindi vissuta in modo attivo. Vedo il download digitale (legale o meno) come uno strumento in più per arrivare dove non è possibile arrivare con altre forme di comunicazione/diffusione. Sicuramente la proposta dd attuale è più limitata, sotto certi aspetti, rispetto a quella classica (ovvero cd o, addirittura, vinile), ma non credo che ciò costituisca un problema di fondo. I problemi sono altri.

Gianluca: Da un certo punto di vista il download digitale è davvero una grande fortuna per le band e la diffusione della musica in genere. A noi internet ha aiutato moltissimo, permettendoci di avere una certa visibilità anche oltre confine. Devo comunque dire che sono un feticista del vinile e del supporto in genere. Non riesco a immaginare un album che sia solo immateriale, non abbia odore e non invecchi col passare del tempo. Questa è una cosa a cui non riuscirei a rinunciare. Secondo me la comodità dell`accesso alla musica attraverso i canali digitali dovrebbe avere come contropartita una cura maggiore per i supporti attraverso il packaging, come fanno in Giappone dove il supporto è prezioso quasi al pari della musica stessa.

Pensate sia una vera rivoluzione o una resa inevitabile?
Marco: Una rivoluzione. Il problema casomai, non è l`eventuale diffusione, legale o meno, di contenuti digitali, ma il fatto che oggi c’è un pubblico meno interessato a certe forme di arte/spettacolo. Si va sempre più verso un sistema “mordi e fuggi”. Ovviamente questa tendenza è agevolata dal dd, ma, contemporaneamente, il dato veramente critico è quello legato alla variazione di sensibilità e interessi dell`utente finale.

Gianluca: Sì, una rivoluzione. Ma la cosa un po` triste per me è che davvero la musica viene sempre più fruita come canzone singola e non come album, lista di canzoni, progetto musicale.
La compilation come modello assoluto d’ascolto. Oh mamma quanto sono vecchio, non riesco ad accettarlo.

A maggio sarete a Londra per il tour promozionale. Vi sentite sufficientemente maturi per proporvi a un pubblico solitamente esigente come quello inglese? Cosa vi aspettate da questa esperienza e quanto pensate che la vostra musica ne possa beneficiare?
Marco: È sempre stato il mio sogno quello di calcare un palco in Inghilterra. Sono cresciuto ascoltando principalmente musica inglese, sono sonorità alle quali sono legatissimo. Sì, credo che siamo sufficientemente maturi... ma del resto lo sapremo solo quando ormai non sarà più possibile tornare indietro, cioè non appena saliremo sul palco!

Gianluca: Suonare e suonare e suonare. Questo non può che far bene a noi e alle canzoni stesse che così acquistano diverse sfumature rispetto all`album, maggior vita. Questo indipendentemente che si faccia in Italia o all`estero. Certo che confrontarci con un pubblico inglese per noi che facciamo una musica d’ispirazione per lo più anglofona è una bella sfida. Sulla carta è stata una sfida già vinta in passato visto che sono uscite recensioni lusinghiere sia negli Stati Uniti che in Inghilterra, e così sta avvenendo pian piano anche per questo album.
Come credo sia noto dal punto di vista artistico ci piace molto confrontarci con quanto succede fuori dall`Italia. Vedi la collaborazione con Anthony Reynolds sul primo disco o quella con Dan Fante adesso. Il faccia a faccia con il pubblico dei live sarà comunque un`altra cosa e non vedo l`ora che si realizzi. A fine aprile faremo anche un tour tutto italiano di sette/otto date insieme a Dan Fante. Vi aspettiamo a questi appuntamenti di musica e poesia.

The Banshee:

I The Banshee, musicalmente, fanno sul serio. Due dischi all’attivo, ottime recensioni da parte della critica (NME, Mucchio, Kronic.it) e un buon riscontro di pubblico (sia in Italia che all’estero) ne fanno una delle più interessanti realtà del panorama indie emergente.
Pop molto ben concepito, fresco, intelligente, che si rifà ai grandi nomi della new-wave d’annata, ma che non può passare inosservato proprio perché riesce a non cadere in quei facili cliché che ne farebbero uno dei tanti cloni dei Franz Ferdinand.

Qual è la ragione per la quale esistono i The Banshee? Da dove nasce questo nome?
Siamo quattro orfanelli. I nostri genitori adottivi decisero di chiamarci The Banshee, perché nelle culle strillavamo come la leggendaria creatura dei miti irlandesi.

Venite da più parti descritti come una scommessa vincente. Qual è l’elemento principale di questa riuscita?
Come nel gioco d’azzardo, ci vuole fortuna e un po’ d’incoscienza, poi un bicchiere di Jack Daniels e sigari cubani.

I vostri pezzi sprigionano energia e non conoscono pause di riflessione. Come nascono e qual è la caratteristica che li lega e li rende adatti al vostro stile?
Diciamo che la gravidanza (il concepimento dell’idea) è solitamente mia o di Jago. Poi, di solito, suoniamo avvolti dal nastro isolante, per legare meglio le nostre composizioni! Per quel che concerne lo stile è solo questione di sex appeal.

Con il nuovo “Your Nice Habits” in che modo il vostro suono si è evoluto e cosa è cambiato rispetto ai primi passi mossi con “Public Talks” del 2006?
Oggi il suono è decisamente più definito. Si parla di vera e propria evoluzione e rivoluzione. Rispetto ai primi passi inoltre sono cambiate molte cose. Pensa che ora viviamo in California, vicino a uno che mi pare si chiami Puff Daddy o qualcosa di simile. Giriamo in macchine con ogni comfort (anche inimmaginabile) e ovunque andiamo, ci riempiono la bocca di M&M’s dello stesso colore…

Un disco in soli 36 minuti. È una precisa scelta espressiva?
No, un caso. È un disco che dura solo 36 minuti perché lo abbiamo registrato in solo 36 minuti!

Quali sono i vostri nice habits?
La Play, Mc Donald’s, vedere “Uomini e Donne” in TV. Praticamente gli stessi tuoi nice habits, non è così? [ride]

Sì, in parte. Quanto, e in che modo, è stato decisivo il supporto in studio del producer Luke Smith?
Luke è stato basilare. È un gran producer e ha mantenuto una calma perfetta (evidente in situazioni anche difficili) per l’intera registrazione dell’album. La cosa mi ha impressionato, e lo staff del Red House Recordings di Senigallia è stato magico. Luke lo aveva proposto perchè conosceva già David Lenci, che è un fonico veramente in gamba.
Questa volta sono serio: devo confessare che ancora adesso non comprendo perfettamente le sfumature di suono che Luke è riuscito ad inserire in “Your Nice Habits”. Il suo livello artistico è davvero superiore al mio!

Vi dà fastidio leggere nelle recensioni i nomi dei gruppi ai quali solitamente siete accostati, come Devo o Talking Heads?
Per niente. Anzi, spero che non dia fastidio a loro!

Quanto è importante, per una band emergente, avere alle spalle un’etichetta discografica in un momento in cui sembra che il futuro sia decisamente versato al download e al fai da te?
La prima cosa importante è la promozione del disco. Poi il supporto è successivo. Ritengo che avere gente che crede in te sia fondamentale, soprattutto all’inizio. Per cui, lunga vita alle etichette discografiche (indiependenti)!

La vostra musica gode di un notevole respiro internazionale: testi in inglese, scelta dei suoni e un atteggiamento generale lontano dagli stereotipi pop italiani. Pensate che questo possa creare una certa diffidenza con il pubblico o avete in mente di puntare subito a un audience prettamente europea?
È eccitante pensare che la gente ballerà con i nostri dischi. Stiamo puntando ad un audience europea, africana, asiatica, americana e anche oceanica! Gli stereotipi, ahimè, esistono ovunque. In Italia non abbiamo mai avvertito particolare diffidenza da parte del pubblico, come del resto negli altri paesi in cui abbiamo suonato.

Dopo due buoni album, iniziate a sentire il peso delle aspettative? In che modo si svilupperà il progetto The Banshee?
Dopo due soli album, l’unico peso che sentiamo è quello degli amplificatori, in quanto non abbiamo ancora roadies e sta per iniziare il tour.
Anche per questo, stiamo componendo sempre di più con il computer. Potrebbe un giorno sostituire ogni strumento, ogni cosa, anche noi!

Infine, una considerazione sulla vostra Genova. Cosa le manca per competere con le altre città, come Roma o Milano, dove le band hanno molte opportunità e spazi per potersi esprimere?
Non vorrei sembrare un santone, ma la domanda contiene già la mia risposta. Parli di molte opportunità e spazi per potersi esprimere in altre città come Milano e Roma: ti pare poco?

Serate kroniche: i live report (Editors/Disco Drive)

2010-03-09T08:40:00.000-08:00

Editors @ Piper club, Roma 22.11.2007

In un ambiente freddo e vagamente distratto spetta ai nostri Joy Cut aprire la tappa romana del tour degli Editors e - nonostante l’indifferenza dello sparuto pubblico che sta lentamente riempiendo il Piper Club – il trio riesce ad offrire un mini-set efficace che strappa pochi applausi ma sinceri. Una rapida sistemazione al palco ed ecco esibirsi i londinesi The Boxer Rebellion, band di belle speranze capace di scaldare gli animi e catalizzare l’attenzione dei presenti con una prestazione essenziale, decisa, senza sbavature e dal coinvolgente andamento ritmico.

Quando ormai sul pavimento del leggendario club capitolino non c’è più neanche una mattonella libera arrivano sul palco gli Editors. I ragazzi di Birmingham sanno bene quanto una buona scaletta può incidere sulla riuscita di un concerto ed infilano subito in apertura - senza perdersi in introduzioni di sorta - due schegge taglientissime del loro repertorio: “Lights” e “Bones”. Due brani eseguiti a perdifiato, con tutta l’energia possibile neanche fosse l’ultimo live della loro carriera. Un avvio folgorante che ha un impatto decisivo in grado di far schizzare alle stelle l’entusiasmo di un’audience che ha voglia di saltare, ballare e farsi trascinare.

La band non è di quelle che si fanno pregare, anzi. Tom Smith si produce in una performance convincente, interpreta i testi delle canzoni con smorfie e pose teatrali, tiene il palco con disinvoltura e ruba la scena mettendosi a suonare in piedi sul pianoforte, arrivando in alcuni momenti quasi a toccare i ragazzi delle prime file e dimenandosi divertito dal tanto entusiasmo prodotto. Dal vivo i brani assumono una veste meno profonda e oscura ma leggermente più colorata ed ariosa. La voce di Smith è più squillante, Leetch al basso e soprattutto il drummer Edward Lay sostengono la struttura ritmica con un apporto incessante e preciso, mentre la chitarra di Urbanowicz resta defilata senza trovare grandi spazi.

Questi sono gli Editors, una band che ha molte frecce nel suo arco e che riesce a mantenere alto il livello emozionale soprattutto grazie a brani come “When Anger Shows”; un pezzo dalla timbrica decadente eseguito con rabbia, forza espressiva e passione. Il concerto non conosce soste e il pubblico partecipa entusiasta e divertito: “Blood” fa elevare aggreganti cori da stadio e una decisissima versione di “All Sparks” produce un battimano incessante. I brani dei due album si mescolano facilmente in un cocktail micidiale: “Munich” è accolta da acclamazioni trionfalistiche e le nuove ma già epiche “An End Has a Start” e “Escape the Nest” fanno sì che l’eccitazione rompa gli argini. Si respira un’aria vibrante; ogni track sviluppa esaltazione e il clima è ormai bollente.

Nel finale la bellissima versione di “Smokers Outside the Hospital Doors” mette il punto esclamativo ad un’esibizione maiuscola capace di spezzare quel filo di scetticismo che prima del concerto legava molti pensieri dei presenti, tra i quali quello del vostro diffidente cronista.

Disco Drive @ Circolo degli Artisti, Roma 03.11.2007

C’era attesa e molta curiosità tra gli spettatori che sabato 3 novembre hanno affollato – come di consueto – il Circolo degli Artisti di Roma, locale sempre più al centro delle scorribande elettro-indie della bella penisola.

L’opening act ha visto protagonisti gli Elettronoir, gruppo volenteroso che ha presentato un set incentrato su quelle sonorità chiaroscurali - infarcite di soluzioni elettroniche - con le quali si stanno facendo conoscere anche al di fuori dei confini capitolini. Un live che purtroppo paga pegno ad un’impostazione timbrica sicuramente da rivedere; la voce di Marco Pantosti si perdeva nelle frequenze del basso di Matteo Cavucci, rimanendo soffocata e per lunghi tratti incomprensibile. Bella la presenza scenica della femme fatale Georgia Colloidi che però non è bastata per elevare un suono complessivamente troppo incentrato sull’elettronica di Davide Mastrullo.

Di ben altra pasta l’esibizione dei sempre più affermati Disco Drive. Trio esplosivo, estroverso, eclettico al punto da far letteralmente vibrare l’atmosfera compassata del Circolo. Un concerto a tratti straripante, dall’approccio forsennato e incredibilmente coordinato malgrado le lancinanti sonorità di una band sempre più lontana dagli stilemi degli esordi e sempre più propensa ad un noise d’altissima qualità.

Consapevoli del loro spessore, i ragazzi si permettono sperimentazioni d’ogni genere, si cambiano postazione e strumenti con scioltezza mantenendo sempre vivissima la sensazione cortocircuitale nella quale si proiettano fin dalle prime battute. I brani del nuovo “Things To Do Today” dal vivo risultano ancora più vorticosi e incendiari. Track pazzesche come “It’s a Long Way to the Top” esaltano il pubblico che si lascia ben volentieri trascinare verso territori al confine di un isterismo frenetico e originalissimo.

Doppia batteria, trovate elettroniche, qualche sbavatura dovuta al continuo azzardo sonoro e al ritmo incessante; sono queste le caratteristiche che fanno dei Disco Drive una band fuori da ogni possibile definizione. Difficile trovare gruppi che sul palco danno tutto con questa energia e con tale espressività.

Mai, per nessun motivo, vorremmo capitare sotto una bacchetta di Jacopo Corazzo ma, sicuramente, abbiamo molti argomenti per ricapitare sotto il palco di un loro concerto.

Paolo Tocco: intervista

2010-03-01T11:26:00.000-08:00

Paolo Tocco è un ragazzo in gamba. Ingegnere, chitarrista autodidatta, ex prestigiatore, si è avvicinato alla musica con un album, Anime sotto il cappello, fatto di canzoni autentiche che narrano storie personali di vita quotidiana. Mentre si gusta i consensi che quest’opera prima sta riscontrando, inizia già a pensare a un nuovo lavoro, da costruire con più esperienza e con maggiore consapevolezza. Gli abbiamo rivolto una serie di domande per capire cosa ha da dire attraverso il suo modo di essere cantautore istintivo, narratore di qualità e serio professionista.

Sul comunicato stampa di Anime sotto il cappello è scritto che questo lavoro rappresenta una «scommessa contro la plastica musicale che si impone al mercato». A qualche mese dalla pubblicazione, com’è il risultato parziale?

Forse qualche mese non è abbastanza per veder arrivare dei risultati. Già la pubblicazione, in fondo, è un gran risultato per me che sono appena all’inizio di questo lungo viaggio. Una pubblicazione che arriva dopo un anno di consensi e di ottimi riscontri da parte di tutti coloro che per caso, o per dovere, hanno ascoltato la mia musica. Adesso raccolgo senza mai smettere di seminare. La “plastica musicale” c’è sempre, ma mi sto accorgendo che ci sono anche molti spazi e molti grandi professionisti che sfidano e battono questa “plastica” ogni giorno. Sono degli ottimi modelli da guardare per crescere; l’essermi messo in viaggio mi ha dato la fortuna di incontrarne tanti e spero di incontrarne sempre.

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Ugo Mazzei: intervista

2010-03-01T11:22:00.000-08:00

Scambio di mail con Ugo Mazzei, cantautore dalle idee chiare e dello stile vissuto. Il suo album d’esordio Pubblico e Privato ha destato la nostra curiosità, per via della sicura ricercatezza mostrata nell’intreccio tra parole e musica e per quel modo espressivo pieno di ironia tipico dei più grandi. Consapevole delle difficoltà, ma certo dei propri mezzi, il Nostro ci racconta alcuni significati delle sue canzoni: solida base di partenza per progetti più ambiziosi e complessi.

Qual è stato il percorso che ti ha portato a realizzare il tuo album di esordio?

L'intravedere uno spiraglio di luce nuova sulla canzone d'autore, e da lì finalmente uscire con un lavoro pieno di sonorità da me amate negli anni.

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Sandy Muller: intervista

2010-03-01T11:19:00.000-08:00

Abbiamo rivolto alcune domande a Sandy Müller, pochi giorni dopo il concerto di presentazione del suo terzo lavoro in studio “Falsa Rosa”. La cantautrice italo-brasiliana ci ha spiegato i perché di un progetto lontano dalle consuetudini, fatto di undici brani cantati sia in italiano che in portoghese su uno sfondo musicale di altissimo spessore. Un progetto capace di andare oltre le semplici apparenze.

Qual è il significato di “Falsa rosa”?

Sandy Muller: Una rosa quando è falsa può anche essere bellissima, ma non profuma. La sua immagine non corrisponde a quello che è veramente. La falsa rosa è quindi un invito a non fermarsi alle apparenze e a toccare con mano la realtà prima di giudicarla.

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gennaio 2010: recensioni, interviste, live and others

2010-01-22T11:37:00.001-08:00

intervistati:

fabrizio bosso http://italia.allaboutjazz.com/php/article.php?id=4760

non è stato semplice. tra impegni in giappone (lui), telefonate (io), contrattempi di vario genere.

casa del vento http://www.lisolachenoncera.it/interviste/?id=148

grande disponibilità. quelli de la casa del vento - mai scontati, sempre attenti - meritano maggiore attenzione.

visti dal vivo:

## young jazz is back in town, @ auditorium parco della musica, roma 17 gennaio, fila 17, posto 17 (io) e 19 (ale). a guidi voto 6,5 (a volte non lo capisco) a petrella voto 9 (a volte mi esalta)

## zu, @ circolo degli artisti, roma 14 gennaio, con max di rockshock.it
quando ti aspetti qualcosa in più (http://www.rockaction.it/e107_plugins/content/content.php?content.1017)

recensioni:

setting sun: fantasurreal

http://www.rockaction.it/e107_plugins/content/content.php?content.1009

quitzow: juice water

http://www.rockaction.it/e107_plugins/content/content.php?content.1006

humpty dumpty: pianobar della fossa

http://www.rockaction.it/e107_plugins/content/content.php?content.1003

hamlet: la puta y el diablo

http://www.rockaction.it/e107_plugins/content/content.php?content.1018

artisti vari: clows and jugglers - tributo a syd barrett

http://www.rockaction.it/e107_plugins/content/content.php?content.1021

primochef: bouganville

http://www.lisolachenoncera.it/recensioni/?id=839

francesco diodati neko: purple bra

http://italy.allaboutjazz.com/php/article.php?id=4781

kurt rosenwinkel standard trio: reflections

http://italia.allaboutjazz.com/php/article.php?id=4795

max ionata quintet: inspiration

http://italia.allaboutjazz.com/php/article.php?id=4820

pubblicati su jazzit#56

fabrizio savino: metropolitan prints / cristina sartori: illegalove / jacopo martini: il volo di renata

qualche votazione:

l'isola classifica italia 2009

http://www.lisolachenoncera.it/speciali/?id=269

rockaction top album 00

http://www.rockaction.it/e107_plugins/content/content.php?content.1008

letti (di musica):

vasco brondi: cosa racconteremo di questi cazzo di anni zero - voto: n.a.

nick hornby: tutta un'altra musica - voto: 7,5

Un anno di concerti e interviste su aaj italia: 2009

2009-12-27T06:15:00.000-08:00

16-12-09
Recensioni di concerto/festival/evento Paolo Fresu & Uri Caine with Alborada String Quartet
01-12-09
Recensioni di concerto/festival/evento Sonny Rollins
10-11-09
Recensioni di concerto/festival/evento Jack DeJohnette "The Ripple Effect"
09-11-09
Interviste Maria Pia De Vito: Tutte le voci che ho dentro
02-11-09
Recensioni di concerto/festival/evento Fabrizio Bosso Quartet
29-10-09
Interviste Bollani - cambiare per divertirsi
05-10-09
Recensioni di concerto/festival/evento Paolo Damiani – Danilo Rea
05-08-09
Interviste Intervista a Remo Anzovino
09-07-09
Recensioni di concerto/festival/evento Brad Mehldau
22-06-09
Interviste Intervista a Massimo Barbiero

Un anno di recensioni su aaj italia: 2009

2009-12-27T06:08:00.000-08:00

23-12-09
Franck Taschini R.O.G. (La note bleue productions) di Roberto Paviglianiti
17-12-09
Jason Stein In Exchange for a Process (Leo Records - distr. IRD) di Roberto Paviglianiti
14-12-09
Mickey Finn + Cuong Vu Gagarin! (El Gallo Rojo) di Roberto Paviglianiti
04-12-09
Steve Davis Eloquence (Jazz Legacy Productions) di Roberto Paviglianiti
01-12-09
Dino Acquafredda Quintet On the Line (Philology - distr. IRD) di Roberto Paviglianiti
27-11-09
Jack DeJohnette - John Patitucci - Danilo Perez Music We Are (Golden Beams - distr. Egea) di Roberto Paviglianiti
26-11-09
The Fonda - Stevens Group Memphis (Playscape Recordings) di Roberto Paviglianiti
19-11-09
Joe Morris Quartet Today on Earth (AUM Fidelity Records - distr. Goodfellas) di Roberto Paviglianiti
16-11-09
Riccardo Fioravanti - Lara Iacovini In Mood of Chet (Music Center) di Roberto Paviglianiti
29-10-09
Stefano Bollani Stone in the Water (ECM - distr. Ducale) di Roberto Paviglianiti
23-10-09
Schweizer Holz Trio Love Letters to the President (Intakt Records - distr. IRD) di Roberto Paviglianiti
15-10-09
Michele Polga Clouds Over Me (Caligola Records - distr. IRD) di Roberto Paviglianiti
12-10-09
Small Band First Flight (Abeat Records - distr. IRD) di Roberto Paviglianiti
29-09-09
The October Trio + Brad Turner Looks Like It’s Going to Snow (Songlines Recordings - distr. IRD) di Roberto Paviglianiti
23-09-09
Chris Pasin Detour Ahead (H2O Records) di Roberto Paviglianiti
22-09-09
Antonello Sorrentino S. T. Quintet Blog (Wider Look) di Roberto Paviglianiti
21-09-09
Trio di Roma 33 (EmArcy - distr. Universal) di Roberto Paviglianiti
17-09-09
Jacám Manricks Labyrinth (Manricks Music Records) di Roberto Paviglianiti
16-09-09
David Berkman Quartet Live at Smoke (Challenge Records - distr. Egea) di Roberto Paviglianiti
14-09-09
Fabrizio Sferra Trio Rooms (EmArcy - distr. Universal) di Roberto Paviglianiti
28-07-09
Guilherme Monteiro Air (Bju Records) di Roberto Paviglianiti
22-07-09
Gruppo Q Live in China (Radio SNJ records) di Roberto Paviglianiti
16-07-09
Tom Scott Cannon Re-Loaded: An All Star Celebration of Cannonball Adderley (Concord Records - distr. Universal) di Roberto Paviglianiti
08-07-09
Pippo Matino Joe Zawinul Tribute (Wide Sound - distr. Egea) di Roberto Paviglianiti
02-07-09
Vassilis Tsabropoulos The Promise (ECM - distr. Ducale) di Roberto Paviglianiti
01-07-09
Wasabi Wasabi (Picanto Records - distr. Egea) di Roberto Paviglianiti
16-06-09
Miles Okazaki Generations (Sunnyside Records) di Roberto Paviglianiti
18-05-09
Magic Malik Orchestra Saoule (Label Bleu - distr. Egea) di Roberto Paviglianiti

Intervista a Paolo Benvegnù: tutti i respiri che ho

2009-12-17T08:55:00.000-08:00

di Roberto Paviglianiti e Ida Stamile

Abbiamo contattato Paolo Benvegnù a tre giorni dal concerto di Roma dello scorso 12 dicembre, l’ultimo di una lunga serie che ha consacrato il cantautore milanese, e la sua band omonima, come una delle realtà più importanti – per intenzione, stile, concretezza – del panorama indie italiano. Durante questi due anni ci sono state uscite discografiche,tour virtuali, compilation, riconoscimenti e brani prestati a voci più famose. Tempo di bilanci dunque, inevitabili, e di prospettive future, ancora incerte e da definire, organizzare e comprendere con estrema cautela.

leggi l'intervista su rockaction.it

http://www.rockaction.it/e107_plugins/content/content.php?content.993

Itinera: intervista a Onofrio Piccolo Jazzit #55

2009-11-22T11:08:00.000-08:00

La label partenopea Itinera nasce nel 2004 dall’esperienza del Pomigliano Jazz Festival, ponendosi come obiettivo primario, prima ancora della vendita discografica, la divulgazione culturale delle proprie produzioni. Ne abbiamo parlato con Onofrio Piccolo, direttore artistico della realtà campana, il quale ci ha spiegato i motivi di una scelta coraggiosa.

Con il Festival di Pomigliano avete raggiunto traguardi importanti. Qual è il fine dell’etichetta discografica?
L’obiettivo è quello di documentare e promuovere la nostra attività culturale. A un certo punto della nostra storia abbiamo deciso di costruire un’etichetta che potesse valorizzare il lavoro fatto in questi anni, con il festival di Pomigliano e altre iniziative, e dare il giusto risalto a quelli che sono i talenti campani; musicisti che non sempre trovano uno spazio adeguato nel panorama nazionale, ma che hanno una loro forza artistica da esprimere.

Quanto è dura la vita di una label indipendente in Italia?
Durissima. Noi viviamo perché siamo partiti con un intento culturale più che esclusivamente commerciale. Convinti che la valorizzazione, nel tempo, possa essere un segno riconoscibile e la strada per conquistare uno spazio e una credibilità a livello nazionale.

Siete nati negli anni della rivoluzione internet legata alla fruizione musicale. Una scelta per certi versi coraggiosa.
Certamente. Anche se il nostro è un lavoro basato sulla produzione musicale più che sulla produzione discografica. Il mercato cambia, ma sicuramente rimane l’interesse verso la musica. In tal senso stiamo riorganizzando il sito per sfruttare al meglio le opportunità che internet offre. La rete è un enorme risorsa per raggiungere posti lontani, infatti le nostre vendite in Italia e all’estero sono praticamente della stessa entità. Questa rivoluzione può favorire i piccoli produttori che puntano sulla qualità.

Pensi che tra qualche anno esisterà ancora un mercato discografico, inteso come vendita di supporti fisici?
Per quel che riguarda il jazz sì. Chi ama questa musica ama anche il supporto. La cosa non mi preoccupa, il problema è di chi si è appiattito sul mercato discografico, noi abbiamo più l’idea di essere produttori di musica.

Il catalogo di Itinera inizia a prendere forma con 14 titoli a disposizione. Qual è la caratteristica di cui andare fieri, e dove c’è ancora da lavorare?
La nostra caratteristica principale sono le molte produzioni originali. Non pubblichiamo pacchetti già ideati, puntiamo molto nelle scelte, nei progetti, e favoriamo incontri tra musicisti in questo grande contenitore che continua a chiamarsi jazz, ma che ormai è difficile da definire. In questo modo stimoliamo artisti di diversa estrazione musicale e geografica, dando un contributo alla produzione creativa. D’altro canto dobbiamo migliorare sulla costruzione di un’attività dal vivo che possa far arrivare in maniera diretta la musica al pubblico. Se l’arte non è in grado di arrivare alla gente, perde di forza e significato.

Quando termina la lavorazione di un disco e lo ascolti per la prima volta, a quale elemento presti maggiore attenzione?
Principalmente all’impatto emotivo e poi alla qualità sonora. Credo nella freschezza delle esecuzioni più che al perfezionismo tecnico, anche se è chiaro che la qualità di registrazione deve essere sempre alta.

In studio come ti relazioni con i musicisti?
Cerco di creare un’atmosfera positiva e di far dare il massimo ai musicisti. Questo è possibile solo se c’è armonia. La lezione di Miles è sicuramente sempre da seguire.

Cosa vi differenzia dalle altre label del vostro settore?
Non amo parlare di cosa fanno gli altri, ognuno fa le sue scelte, ma posso dire che noi non seguiamo le mode. Leggendo i cataloghi di altre etichette vedo che ci sono spesso scelte di comodo, progetti che guardano e ammiccano al mercato e al facile ascolto. Noi, pur credendo che sia fondamentale fare cose per farle ascoltare non solo a noi stessi, in qualche modo cerchiamo sempre un grado di rischio in quello che facciamo.

Itinera nasce dall’esperienza del festival di Pomigliano Jazz. Qual è concretamente il rapporto tra le due realtà?
È un rapporto di causa-effetto. L’etichetta nasce dal lavoro fatto nel festival, ma la nostra intenzione è sempre stata di tenere le due realtà su binari paralleli. È chiaro che lo spirito è molto simile, ed entrambe sono spinte da un comune senso di divulgazione culturale, ma nelle intenzioni devono vivere di vita propria. Il festival è libero di programmare le cose più giuste, e le produzioni di Itinera non per forza devono entrare nel cartellone del festival, tranne quando lo riteniamo opportuno.

Organizzare una rassegna jazz in Campania: pro e contro.
Di positivo c’è che Napoli è un luogo simbolo della musica nel Mondo. C’è un background musicale stratificato e pieno di commistioni culturali e artistiche. C’è una grande ricettività e il pubblico, quando ci sono buone proposte, risponde in massa. Chiaramente le difficoltà sono quelle di un’impresa che vive in un contesto complicato, sia dal punto di vista istituzionale che territoriale. Non c’è possibilità di programmare in largo anticipo le attività da svolgere e questo crea un notevole handicap a livello promozionale. Abbiamo negli anni costruito una serie di rapporti internazionali che a volte non riusciamo a rispettare proprio per questi motivi. Limiti e vincoli burocratci ci tolgono molte possibilità di espansione. È un sistema che non funziona a dovere. Anziché supportare le attività, creano ostacoli.

I cartelloni dei festival jazz sono sempre meno coerenti con una precisa filosofia artistica.
Molto spesso vediamo festival che si lasciano andare ad attività di scambio, che non sempre sono culturali, ma sono solo di interesse. Non per fare i moralisti, ma nel nostro piccolo cerchiamo di mantenerci autonomi, senza forzature. Siamo uno dei festival che continua a proporre nel cartellone concerti difficili. Nell’ultima edizione, per fare un esempio, abbiamo avuto Antony Braxton sul palco. Questo modo di fare ci ha dato modo di toglierci qualche soddisfazione.

Riversate molte energie anche alle attività collaterali, come incontri, guide all’ascolto e workshop.
Certo. Facciamo un grande lavoro per avvicinare e ampliare il pubblico. Abbiamo un seguito giovane e di target diversificato, anche perché abbiamo organizzato molte attività parallele, come l’educazione all’ascolto nelle scuole, gratuita e aperta a tutti. Molte risorse sono dedicate alle attività di creazione del pubblico, soprattutto verso i non musicisti, e tutte queste attività di divulgazione ci hanno restituito una certa credibilità.

Nella storia del festival, qual è stato il concerto più importante?
Se devo citarne uno solo dico Chick Corea in trio acustico, nel 2001, davati a quasi 15000 persone. È stato un evento forte per la nostra immagine. Ha segnato una svolta da una fase di avvio a un consolidamento.

Chi tra i musicisti che frequentano le vostre produzioni potrà lasciare un segno? Nomi e cognomi, please.
Due pianisti: Franco Piccino, che ha debuttato con un disco in trio (“Lunare”, ndr) e l’anno prossimo uscirà con un piano solo di libera improvvisazione; e Francesco Nastro, con il quale collaboriamo da molti anni e meriterebbe di avere uno spazio pià ampio nel jazz i

Picanto: intervista a Sergio Gimigliano Jazzit #50

2009-11-22T10:57:00.000-08:00

Nata sotto il segno del peperoncino

In un momento difficile per la discografia in generale e in particolar modo per le piccole label, andiamo alla scoperta della calabrese Picanto Records, una bella realtà che si sta facendo largo grazie alla determinazione, la voglia e il cuore del suo direttore artistico, Sergio Gimigliano. Il produttore/musicista ci ha raccontato da dove nasce e come sta muovendo i primi passi un progetto cha sa di sfida e che - a cominciare dal nome - ha il sapore eccitante della passione autentica.

Identificarsi nel peperoncino può avere diverse chiavi di lettura: qual è, delle sue proprietà, quella che più vi si addice?
Sicuramente quella d’essere stimolante e piacevolmente piccante. Così, come il peperoncino ha un odore inconfondibile e provoca una forte sensazione che stimola ai massimi livelli le papille gustative, noi della Picanto cerchiamo, attraverso i cd, di stimolare gli altri sensi: l’udito, ma anche la vista e il tatto (curando nel dettaglio la grafica e il packaging), al fine di solleticare quanto più possibile la fantasia di chi li ha tra le mani e sta per ascoltarli.
Il jazz, in quanto improvvisazione, è anch’esso piccante, e proprio come il peperoncino non sai mai, prima di assaggiarlo, quanto lo sia.

Quali sono le vostre radici e da dove prende forma la Picanto Records?
Siamo nati nel 2005 dall’esperienza organizzativa del Peperoncino Jazz Festival - rassegna itinerante che da sette anni si svolge in Calabria a luglio e agosto - e la sede è a Diamante (CS), in una regione in cui il collegamento con il peperoncino è culturalmente inscindibile; ecco il perché del nome.

Qual è l’obiettivo che vi siete posti all’inizio della vostra avventura, in un momento in cui l’importanza dell’etichetta discografica sembra ridotta ai minimi storici?
A dire il vero, in fase di ideazione della label, non abbiamo per nulla considerato questo fattore. Forse con un po’ d’incoscienza, ci siamo fatti spingere solo e unicamente dalla passione per questa musica incredibilmente viva e dalla nostra voglia di fare. La Picanto Records è nata con l’obiettivo di produrre qualcosa che ci rappresenti totalmente, e per noi che i cd li abbiamo sempre amati e collezionati, non c’era niente di più bello e interessante da fare.

I Radiohead hanno dato il via, in ambito pop/rock, al fenomeno del download a libera offerta o addirittura gratuito, bypassando completamente la figura della label. Come giudichi questo tipo di scelta? Pensi che un fenomeno simile possa farsi largo anche nel panorama jazzistico?
Guardiamo alla diffusione tramite internet con grande interesse e attenzione, considerandola un forte incentivo per avvicinare neofiti e giovani al grande universo della musica afroamericana. Allo stesso tempo, però, crediamo che il mondo del jazz, e della musica colta in generale, sia ancora lontano dal poter essere oggetto di un fenomeno analogo a quello che ha travolto il pop e un certo tipo di rock. Sta tutto nell’essenza stessa di questo genere e nel target del jazzofilo, che nella maggior parte dei casi è un appassionato con la a maiuscola e, in quanto tale, considera la musica un’opera d’arte e ne apprezza anche il supporto, le informazioni contenute nel booklet, la veste grafica e la qualità del suono.

Qualità di registrazione che viene troppo spesso messa in secondo piano, mentre gli album targati Picanto colpiscono per precisione e cura della sfumatura. Vale ancora la pena battere questo sentiero o il pubblico è destinato ad ascoltare lavori sempre più approssimativi?
Credo che valga sempre la pena puntare sulla qualità, qualunque siano le condizioni o le fasi storiche, lasciando da parte i numeri. Consideriamo i nostri cd delle vere e proprie “opere d’arte”; curiamo al massimo delle possibilità tutti gli aspetti (anche quelli che per altri sono secondari) e le fasi di realizzazione. Dalla direzione artistica, nel senso di scelta dei progetti da produrre, alle sessioni di ripresa, di missaggio e di mastering fatte con i giusti tempi, in studi di registrazione collaudati e curate da bravissimi ingegneri del suono. Penso all’idea grafica - riconoscibile e, quindi, riconducibile all’etichetta - e all’impianto fotografico del booklet; così come alla distribuzione nazionale e internazionale (Egea Distribution), a un ufficio stampa dedicato e un sito internet sempre aggiornato (www.picantorecords.com).
Siamo certi che gli appassionati meritino tutto questo, e dobbiamo a loro la possibilità di continuare a produrre buona musica.

Cos’è che fa la differenza tra un buon musicista e un artista che vale la pena produrre?
Difficilissimo rispondere. Non abbiamo mai pensato in termini prettamente commerciali. Noi produciamo ciò che ci piace e che ci trasmette belle sensazioni, tanto è vero che in passato, e continueremo a farlo, accanto ad artisti di fama nazionale e internazionale ne abbiamo prodotto altri poco noti - soprattutto giovani talenti - che ci hanno emozionato con la loro musica.

Puoi dirci il nome di un giovane del panorama jazz italiano sul quale puntare a occhi chiusi e perché?
Sono talmente tanti i giovani talenti che è veramente difficile rispondere. Mi viene in mente un giovane pianista di Lamezia di nome Francesco Scaramuzzino. Oltre a essere un musicista dotato di talento e sensibilità è, senza dubbio, anche un ottimo compositore, e con il suo Smaf Quartet vanta già molte collaborazioni importanti: Marco Tamburini, Tino Tracanna, Max Ionata, Achille Succi, Pietro Condorelli.

Tredici titoli che hanno tutta l’aria di rappresentare un’ottima base sulla quale poter costruire qualcosa d’importante: hanno un comune denominatore che li lega? Cosa ci dobbiamo aspettare nei prossimi mesi dalla vostra label?
Forse è ancora presto per rispondere. La label è ancora giovane, ma stiamo seriamente lavorando a un nostro suono. Ci piace pensare che da qui a poco la gente, ascoltando un nostro lavoro, dica: «si sente che questo è un cd Picanto». L’obiettivo è di poter scegliere sempre più i lavori da realizzare. Amiamo far confrontare musicisti italiani con artisti internazionali, così come abbiamo già fatto dando spazio a rappresentanti della nuova scena jazzistica newyorkese come Gregory Hutchinson, Xavier Davis, Danny Grissett, Quincy Davis, e protagonisti della scena europea tra cui Dedé Ceccarelli, Dominique Di Piazza, Nelson Veras, Manhu Roche. Il prossimo lavoro targato Picanto, che uscirà a gennaio 2009, va proprio in questa direzione: la scorsa estate l’etichetta - in collaborazione con il Peperoncino Jazz Festival - ha organizzato il tour e la relativa session di registrazione dei Tenor Legacy, quartetto piano-less nato dall’incontro di due tra i tenoristi più interessanti di casa nostra, Daniele Scannapieco e Max Ionata, con una delle sezioni ritmiche più richiesta al mondo, composta da Reuben Rogers al contrabbasso e dall’incredibile Clarence Penn alla batteria.

Dal punto di vista professionale, quanto è difficile organizzare eventi e promuovere progetti nel meridione?
Avendo avuto importanti esperienze professionali anche nel centro-nord della penisola, posso dire che le difficoltà nel Sud Italia sono molto maggiori e questo - senza scendere nei particolari - perché non esiste, nella maggior parte dei casi, la possibilità di una seria programmazione. L’amore per la nostra terra è, però, talmente forte da superare qualsiasi ostacolo. Attraverso il lavoro d’organizzazione d’eventi e di produzione discografica possiamo promuovere una terra meravigliosa, dandone un’immagine diversa e del tutto positiva.
E poi, spesso sono le cose difficili da realizzare le più belle e interessanti, quelle che ti danno più soddisfazione e maggiori stimoli. A pensarci bene, probabilmente anche l’etichetta è nata come una sorta di sfida.

Dodicilune: intervista a Gabriele Rampino jazzit #48

2009-11-22T09:51:00.000-08:00

L’amore per la contaminazione, la cura della qualità sonora e una veste grafica dal taglio giovane, sono alcuni degli elementi che caratterizzano i dischi targati Dodicilune: scopriamo, insieme al direttore artistico dell’etichetta leccese Gabriele Rampino, da dove nasce e come si evolve un progetto che trova la propria forza creativa dall’unione di concetti come eleganza e modernità.

«Il fenomeno del download illegale è una piaga rivelatrice della profonda inciviltà anche di molti sedicenti intellettuali».

1) La storia della Dodicilune inizia nel 1995 con una registrazione del pianista classico Francesco Libetta su un pianoforte d’epoca (Bechstein, 1875), e con una serie di lavori legati alla musica sinfonica: come si è spostata la vostra attenzione verso le sonorità d’estrazione jazzistica?
L’inizio nel settore della musica colta deriva dalle nostre frequentazioni di quegli anni, e dalla attività di registrazione che all’epoca effettuavamo con vari ensemble e con le Istituzioni Orchestrali. Ma in realtà abbiamo sempre ascoltato e vissuto il jazz; condiviso del jazz lo stato mentale, eternamente “work in progress”, e la sua urgenza creativa ed espressiva. Il passaggio è stato quindi naturale.
Oggi questa scelta, comunque aperta, è condivisa da me, che curo l’impostazione editoriale, e da Maurizio Bizzochetti che rappresenta la vera spina dorsale di Dodicilune.

2) Fate della contaminazione e della visione musicale a 360° il vostro biglietto di presentazione; quali sono le musiche (im)possibili che vi attraggono?
Il termine contaminazione è oggi abusato e forse fuorviante. A noi piace il concetto di visione a tutto tondo, un ciclo intero e continuo che il nome Dodicilune, esplicitamente ispirato al lavoro “Twelve Moons” di Jan Garbarek, suggerisce. Una ricerca di musica nuova, sulla quale s’innestano i flussi di tutte le culture, che attinga alle diverse sorgenti e diventi possibile. Ci attrae la musica di chi ha assimilato a tal punto le culture “altre” da suonare qualcosa di proprio, di nuovo, nel cui dna ci siano tutte queste paternità. Gismonti, Sakamoto, Garbarek, Zawinul, Piazzolla, Ogerman, Miles: prova a shakerare e vedi se ti piace.

3) Da dove nasce l’amore per la qualità del suono? Quanto conta nella vostra produzione il dettaglio, la sfumatura?
L’amore ed il rispetto per il suono (e il silenzio), in quest’epoca low-fi, è fondamentale. Nasce dalla sensibilità per l’attesa, la sorpresa, il dettaglio, la nuance.
La qualità del suono è una vera e propria necessità, direi fisiologica. Spero si veda, nella nostra produzione, l’attenzione al dettaglio d’ogni genere e la cura riservata ad ogni singolo aspetto produttivo: dalla genesi dell’idea alla registrazione, fino alla realizzazione del prodotto finito.

4) I dischi che pubblicate sono immediatamente riconoscibili per via di una grafica ben impostata e peculiare. L’ascolto di un buon album inizia con l’osservazione della sua copertina, da quello che evoca e trasmette?
L’estetica rappresenta la vera cifra distintiva d’ogni iniziativa culturale e in particolar modo dell’editoria. La grafica dei dischi, che noto con piacere è divenuta sempre più oggetto di vero e proprio culto, rappresenta il primo segno di riconoscibilità di una label.
Negli anni abbiamo maturato una linea grafica ed estetica credibile e riconoscibile, anche se non senza difficoltà, poiché è necessario il rispetto del ruolo del produttore, che legge e vede oltre l’artista nella scelta del significante e del significato.

5) Nel vostro catalogo convivono nomi di rilievo (Lee Konitz, Kenny Wheeler, Ares Tavolazzi, Stefano Battaglia) e molti musicisti italiani emergenti, sintomo che dimostra un’attenzione particolare verso le nuove realtà. Quanto credete alle reali possibilità del nuovo jazz italiano?
Molto. Ci sono tanti musicisti progettuali e preparati, anche se Dodicilune ritiene indissolubili qualità come progettualità, intensità e preparazione nel distinguere un talento vero da un ottimo strumentista.
Riceviamo moltissime proposte discografiche, e se da un lato ci sono davvero molti musicisti di livello mediamente alto, dall’altro quello che spesso manca è la progettualità. In questo senso deve supplire l’editore che abbia idee e sappia realizzarle.
Tuttavia, notiamo una grave discrasia tra la qualità discografica, che è tendenzialmente sempre più alta, e la staticità (per non dire la pesantezza) delle programmazioni dei festival e delle rassegne, dove i nomi sono sempre gli stessi, a parte qualche piccola eccezione, e dove i progetti originali latitano. E di questo ne soffre il musicista creativo, che si sforza di frequentare territori inattesi e nuovi.

6) La musica si sta spostando sempre di più sul web. Come vivete questo momento di passaggio fondamentale? Quali possono essere i vantaggi di un cambiamento così radicale, e quale scenario si aprirà nei prossimi anni davanti ai nostri occhi?
Gli scenari sono imprevedibili, anche perché se fossero come li prevede l’antropologo culturale o il sociologo dei media noi dell’editoria non dovremmo esser ottimisti. Tuttavia i vantaggi indubbiamente sussistono: immediatezza delle informazioni, raggiungibilità degli interlocutori e visibilità. Trovo che, a parte il fenomeno del download illegale che è una piaga rivelatrice della profonda inciviltà anche di molti sedicenti intellettuali, il web fomenti l’auto-produzione e in generale la polverizzazione dell’offerta e la sua inusitata espansione. Se Myspace costituisce un valido mezzo di comunicazione di sé e della propria attività, alla fine genera un ascolto frettoloso e scadente, penalizzando gli artisti veri, quelli che non credono che il numero di contatti e/o amici su Myspace costituisca il criterio di valutazione.
In ogni caso, se non si abusa dello strumento, i vantaggi sono evidenti. Ma il supporto serve e faremo di tutto per mantenerlo in salute, da buoni feticisti del disco e ancor più del vinile, verso il cui ritorno ci stiamo orientando, e che tecnicamente ed emotivamente resta di valore superiore al cd.

7) Sul vostro sito, oltre alla possibilità di acquistare tramite iTunes, invitate gli ascoltatori a pubblicare recensioni e commenti sui dischi della Dodicilune. Quanto è importante il coinvolgimento del pubblico per la buona riuscita di un progetto come il vostro?
Il processo di fidelizzazione del cliente è fondamentale, in quanto permette di ovviare al naturale gap economico-strutturale che Dodicilune, come le altre indies, soffre rispetto alle major, specie per marketing e promozione. Abbiamo un pubblico affezionato e sempre più numeroso che ha apprezzato la cifra stilistica dell’etichetta e sostanzialmente sa cosa compra, sa che ci muove solo e soltanto la passione, e mai il calcolo. È sicuro di trovare un prodotto di qualità sotto ogni aspetto e che l’oggetto che ha in mano va oltre il concetto di mero intrattenimento: un disco Dodicilune non fa parte di un business plan, ma di un programma di ricerca a lungo termine.

8) Quali sono i progetti più interessanti per la prossima stagione?
Dodicilune inizierà una serie di progetti originali, un po’ alla Hal Willner, commissionando la composizione e la successiva registrazione di opere dedicate a un fenomeno artistico, ad un personaggio della cultura tout court, e così via.
Tra i dischi in uscita mi piace ricordare il nostro 50^ titolo in catalogo, “Stupor mundi” del Pierluigi Balducci Ensemble con Luciano Biondini e il Quartetto Dark, legato ai temi della cultura federiciana che in Puglia è molto radicata ed esprime una specie di melting pot culturale ante litteram che, debitamente aggiornata, vuole essere l’elemento distintivo della Dodicilune.
Ma non solo: Roberto Ottaviano con Pinturas; Ares Tavolazzi con Stefano Bollani e soprattutto “Ethos” del quartetto d’archi Alborada, con Paolo Fresu, Rita Marcotulli, Maria Pia De Vito e altri ospiti.
Abbiamo anche ideato alcune nuove linee editoriali, come Koiné, legata al mondo della vocalità vicina al jazz, ma aperta alla voce come modalità espressiva in quanto tale; e NeXt, nel nostro disegno un ponte creativo e sperimentale tra elettronica e jazz, con un design e un packaging sempre più ricercati.

Stefano Bollani: intervista

2009-11-03T10:58:00.000-08:00

Bollani è in Brasile. È in viaggio, in TV, in radio, Bollani è su Topolino. Con tutti i Bollani che ci sono in giro siamo riusciti ad acciuffare quello targato ECM. Il suo Stone in the Water non contiene nessun messaggio subliminale in riferimento all'acqua frizzante, è il nuovo lavoro realizzato con i musicisti danesi - Jesper Bodilsen, contrabbasso e Morten Lund, batteria - per l'etichetta di Manfred Eicher.
È anche l'ottimo pretesto per un'intervista, dove oltre a percorrere strettoie inevitabili, come il disco in questione, si prende volentieri il largo di una carriera già esemplare, ricca di avvenimenti importanti e aggrinzita, ma giusto un po,' da un rifiuto incassato con l'ironia che accompagna Bollani in ogni cosa, in ogni sua incarnazione.

All About Jazz Italia: Facciamo questa intervista dopo diversi contrattempi, dovuti forse al fatto che avevo detto all'ufficio stampa che si trattava di "10 domande"?
Stefano Bollani: Dici che mi sono spaventato? (ride, ndr). No, ma siccome l'ultimo che gli hanno rivolto dieci domande c'ha dei casini pazzeschi, come si chiama? Berlusconi? Non saranno mica le stesse?
AAJ: No, sono riguardo alla tua attività di musicista.
S.B.: Allora va bene, ci sono.

leggi il resto su all about jazz italia:http://italia.allaboutjazz.com/php/article.php?id=4487

Casa del vento: Articolo Uno

2009-10-25T09:44:00.000-07:00

«L’Italia è una Repubblica democratica fondata sul lavoro». Lo conoscono anche i bambini delle scuole l’articolo 1 della nostra Costituzione. Ma sempre più adulti lo considerano un accessorio, un qualcosa di trascurabile, di relativa importanza.

E quelli della Casa del Vento non ci stanno. Il loro nuovo album in studio è completamente incentrato sulle attuali problematiche del lavoro in Italia: dalle tristi vicende della ThyssenKrupp, ricordate con incredibile sintesi in “7”, al frazionamento di un popolo che una volta lottava per difendere i propri diritti (“Primo maggio”), alle visioni realistiche di un momento storicamente difficile per i lavoratori nel nostro Paese (“Articolo Uno”).

leggi il resto su l'isola che non c'era http://www.lisolachenoncera.it/recensioni/?id=730

Kiss: Sonic Boom

2009-10-25T09:40:00.000-07:00

Dopo trentacinque anni carriera si possono nutrire molti sentimenti nei confronti dei Kiss: simpatia, nel peggiore dei casi; rispetto, che va anche oltre i gusti soggettivi; ammirazione, per uno dei gruppi che ha maggiormente segnato la storia di questa musica.

Ma “Sonic Boom”, l’ultima produzione in studio di Paul Stanley e soci, proprio non riesce a convincere, in nessun senso lo si voglia intendere. Undici brani dove si respira la stessa aria fritta, composta da ritornelli ammiccanti, assoli di chitarra sparsi un po’ ovunque, inclinazioni buone per la sigla di una ipotetica serie tv, qualche caduta di stile prossima al pop più commerciale, e commercializzabile, possibile.

I nostri sembrano aver definitivamente perso quel mordente, quella scintilla interpretativa che in questo lavoro può essere lontanamente rintracciata nei brani di maggior spessore: “Russian Roulette” e “I’am an Animal”, seppur buoni, da soli non bastano per strappare un applauso che non va oltre la circostanza.

Quello che sulla carta poteva essere un ritorno in grande stile, altro non è che uno scialbo riempitivo di una carriera che ha conosciuto ben altri significati. Ammettiamolo: la frutta è servita.

Syd Barrett: a little black book with my poems in

2009-10-23T08:38:00.000-07:00

ricordo perfettamente il momento in cui ho letto sul televideo la notizia della morte di syd barrett. lo ricordo semplicemente perché mi è venuto da piangere. per la prima volta ho pianto per uno sconosciuto. il giorno dopo ho iniziato ad appuntare su dei post it le idee, i sentimenti, per un pezzo commemorativo. quando vincenzo martorella mi ha chiesto se volevo fare un pezzo per muz magazine, l'articolo era praticamente pronto per il numero di luglio 2006.

wish you were here
Uno strano scherzo del destino ha voluto che l’esibizione al “Summer Festival”di Lucca, tenuta lo scorso 12 luglio da Roger Waters (con ospite Nick Mason durante “Dark side of the moon”), si trasformasse in un inatteso e sofferto tributo a Syd Barrett.
La sua morte, annunciata proprio il pomeriggio precedente, traccia un segno marcato nell’affascinante storia dei Pink Floyd, e lascia un vuoto incolmabile carico di rimpianti.
Sono passati quaranta anni dagli esordi nell’underground londinese, e la genialità di Syd, che innescò un moto perpetuo all’interno del suo gruppo, ancora oggi si riflette nelle strutture sonore di un vasto panorama musicale, che continua ad idealizzare quelle intuizioni che hanno reso il pazzo diamante una figura decisiva della cultura psichedelica, e non solo. Un personaggio unico nel suo genere, del quale, quando c’è da stilare l’elenco dei più grandi di sempre, si parla raramente; ma senza di lui alcuni aspetti dell’arte musicale sarebbero sicuramente rimasti inesplorati o quantomeno rimandati.

interstellar overdrive
Il periodo barrettiano, all’interno dei Pink Floyd, è durato una manciata di singoli e praticamente un solo album, “The piper at the gates of dawn” (1967); contenitore ineguagliato di trovate e slanci fluorescenti, eletto da fans e critici come uno dei manifesti dell’intera scena psichedelica e totalmente partorito dalla mente di Syd. L’irregolarità espressa nella forma canzone, la particolare dilatazione di spazio e tempo, la circolarità del suono e l’apparente disordine nella concezione dei brani, rendono lo stile visionario di Barrett affascinante ed allo stesso tempo inquietante, testimonianza tangibile di una lucida follia, che sfociò, purtroppo, nel suo dramma personale. Pochi mesi gli sono bastati per dare un nome ed una forza alla sua creatura, un marchio di fabbrica indelebile che ha contraddistinto i Pink Floyd durante la loro lunga carriera, fatta di molte luci e poche ombre, di sogni e drammi, ma perennemente accompagnata dall’anima del loro leader. Le abitudini ed i suoi atteggiamenti sono finiti spesso nei testi della band, il suo sperimentalismo ha continuato a scorrere nelle armonie pinkfloydiane in modo più o meno esplicito, ma comunque sempre molto caratterizzante.

vegetable man, where are you?
La dieta a base di Mandrax ed acidi lisergici, non ha fatto altre che velocizzare il processo d’autodistruzione, che, a volte, ha assunto i tratti di una consapevolezza disarmante. Il carattere introverso e distante dai canoni della pop star lo ha portato, proprio quando la carriera era sul trampolino di lancio, al crollo mentale; imbrigliato in schemi e procedure dalle quali non si sarebbe mai riuscito a tirare fuori. Le scene mute durante gli shows televisivi del primo tour in america, la catatonica presenza nelle interviste, e soprattutto l’incapacità di portare avanti un discorso insieme agli altri componenti della band, spinsero il gruppo verso un primo utopistico momento di formazione a cinque, con l’aggiunta di David Gilmour, e successivamente all’estromissione definitiva di Syd. I tentativi generosi di una carriera solista (decisa principalmente dai discografici, che ritenevano inconcepibile la band senza Barrett), e gli sforzi produttivi proprio dei suoi ex colleghi, lasciano ai posteri due album anemici e svogliati, “The madcap laughs” e “Barrett” del 1970, dove si può ascoltare la sua voce indecisa e priva dell’usuale elettricità, in un contesto vagamente paradossale. Una prova estrema, e quasi dovuta a chi gli era intorno, ma che non ha fatto altro che mettere la parola fine ad una breve e controversa vicenda artistica. Di lui rimane l’immagine di quello sguardo, perennemente enigmatico, velato di tristezza e pieno di un’inarrestabile pazzia. La fuga da se stesso, la crisi esistenziale, il rifugio nella vita solitaria in campagna, lontana dalle luci accecanti della celebrità, sono la conferma del completo rifiuto della propria persona. Nascosto dagli sguardi della folla, nulla poteva sembrare pericoloso e niente poteva raggiungerlo, mentre tutto scorreva distante, continuando a vivere in quei luoghi sognanti descritti nelle sue fiabe surreali.

like black holes in the sky
I Floyd non hanno mai cessato di manifestare il loro affetto verso Barrett; a cominciare proprio da quel Roger Waters che sembra essere stato il promotore principale dell’accantonamento dalla band (vicenda mai troppo ufficializzata), che non ha mai mancato l’occasione, fin dal primo tour solista di Radio KAOS (1987), di ricordarlo attraverso la proiezione del filmato di “Arnold Layne”, e le immancabili dediche prima dell’attacco di “Shine on you crazy diamond”. Dal canto suo anche David Gilmour, amico d’infanzia e, di fatto, colui che ha preso il suo posto all’interno del gruppo, ha spesso trovato il modo si sottolinearne il profilo prettamente artistico e musicale, riproponendo ed arricchendo dei suoi brani, basti pensare alla splendida “Dominoes” targata 2002. Questi sono solo alcuni degli esempi recenti che hanno contribuito alla creazione della mitologia su di lui; alla sua sfuggente figura, a quegli occhi persi nel vuoto come buchi neri nel cielo, che portano dritti alla mente, al pensiero geniale ed astratto.

I’ll see you on the dark side of the moon
Syd Barrett scrisse, in maniera spiazzante, il suo inquietante testamento musicale nel testo di “Jugband blues”, il brano inserito alla fine di “Saucerful of secrets” (1968); frasi del tipo: “E’ molto cortese da parte vostra pensarmi qui, e vi sono molto obbligato per aver chiarito che io non sono qui”, lasciano oggi un eco agghiacciante sulla consapevolezza del proprio destino. Un uomo morto due volte, un personaggio che solo ora potrà prendere il suo meritato posto tra gli immensi nel firmamento, tra John Lennon e Jimi Hendrix ci piace pensare che nascerà una nuova fonte di luce… continua a brillare pazzo diamante!

Paolo Fresu: intervista

2009-10-21T10:10:00.000-07:00

Una storia apparentemente normale

È veramente difficile tenere il discorso fermo su un unico punto quando dall’altra parte del telefono c’è Paolo Fresu, uno dei jazzisti italiani più apprezzati nel mondo, ma anche produttore artistico e - per dirla con le sue stesse parole - stimolatore culturale.Partiamo da “Think.”, il secondo capitolo musicale con Uri Caine arricchito dalla presenza dell’Alborada String quartet, e lasciamo che la corrente ci trascini fino a parlare delle collaborazioni in ambito pop, dei festival, ai nuovi orizzonti del disco per ECM e all’autobiografia in uscita questi giorni, insomma, fino a esaurimento scheda.

leggi l'intervista su rockaction.it

http://www.rockaction.it/e107_plugins/content/content.php?content.925

Pippo Pollina: intervista + recensione Fra due isole

2009-10-21T10:06:00.000-07:00

“Fra due isole”, l’album dal vivo che celebra i primi venticinque anni di carriera di Pippo Pollina, è un lavoro stupendo. Questo perché, oltre a essere una raccolta sufficientemente esaustiva dei brani più convincenti firmati dal cantautore palermitano, presenta una tessitura musicale pregiata, dovuta alla partecipazione degli oltre settanta elementi dell'Orchestra Sinfonica del Conservatorio di Zurigo.

leggi la recensione su rockaction.it http://www.rockaction.it/e107_plugins/content/content.php?content.912

leggi l'intervista a pippo pollina su l'isola che non c'era

http://www.lisolachenoncera.it/interviste/?id=131

Settembre: recensioni jazz

2009-10-01T14:04:00.000-07:00

Fabrizio Sferra Trio: Rooms

http://italia.allaboutjazz.com/php/article.php?id=4289
Primo album da leader per Fabrizio Sferra, batterista che insieme ai giovani - e già ben rodati - Francesco Ponticelli (contrabbasso) e Giovanni Guidi (pianoforte), forma una realtà fisicamente coriacea, con i piedi ben piantati nelle coordinate del piano-trio, ma mentalmente pronta a farci viaggiare, e pensare, con leggerezza e fantasia.

David Berkman Quartet: Live at the Smoke

http://italia.allaboutjazz.com/php/article.php?id=4329

Sono i migliori momenti scelti da cinque set registrati nell'estate 2006, allo Smoke Club di New York, a comporre il materiale di questo Live at Smoke del David Berkman Quartet. Nelle note di copertina è lo stesso pianista a descrivere la sua passione per i jazz-club come lo Smoke: luoghi magici, dove la musica prende corpo e si dipana attraverso la passione del pubblico, dando vita a un'alchimia elettrizzante e sempre diversa.

Jacam Manrycks: Labyrinth

http://italia.allaboutjazz.com/php/article.php?id=4330

Jacám Manricks costruisce il suo labirinto sonoro con la voglia di condurci attraverso un viaggio originale, certamente sofisticato e stimolante.

Trio di Roma: 33

http://italia.allaboutjazz.com/php/article.php?id=4288

Chissà se Danilo, Enzo e Roberto, tre ragazzi che molti anni fa si riunivano in casa per suonare e divertirsi, pensavano di poter diventare un giorno, rispettivamente: Rea, Pietropaoli e Gatto, ovvero tre pilastri della scena jazzistica nazionale, e non solo.

Antonello Sorrentino: Blog

http://italia.allaboutjazz.com/php/article.php?id=4327
S'intitola Blog l'esordio discografico dell'S.T. Quintet capitanato dal trombettista Antonello Sorrentino e, proprio come in una sorta di bacheca virtuale, racchiude una serie di argomenti musicali di diversa natura, commentati e sviluppati in maniera mai scontata.

Chis Pasin: Detour Ahead

http://italia.allaboutjazz.com/php/article.php?id=4328

Detour Ahead segna il ritorno sulle scene, e paradossalmente anche l'esordio come leader, di Chris Pasin, trombettista di Chicago che diversi anni fa preferì allontanarsi dalla carriera jazzistica per dedicarsi completamente alla famiglia. Scelta lodevole, anche se (vista dalla parte dell'ascoltatore) si è trattato di un peccato, dal momento che questa registrazione è un'autentica delizia.

The October trio + Brad Turner: Looks Like It’s Going to Snow

http://italia.allaboutjazz.com/php/article.php?id=4374

«Moods and Colours of a Vancouver Autumn». Sì, potrebbe essere questa frase, scritta tra le note di copertina da Greg Buium, a fotografare l'attitudine dell'October Trio. Potrebbe, appunto. Perché se da una parte il suono di Looks Like It's Going to Snow rispecchia i colori tenui di uno scenario nordico, limpido e malinconico, dall'altra mette in mostra una nutrita varietà di situazioni che fanno venir in mente tonalità più accese, vive.

Blake/e/e/e: Roma 10 giugno 2009

2009-09-28T00:44:00.000-07:00

Serata double-face al Circolo degli Artisti di Roma: fuori, nei giardini del locale, molti si attardano tra aperitivi e gossip; dentro lo stanzone, sotto al piccolo palco, si assiepano gli irriducibili dell’indie-rock per godersi la band di turno.

Anticipati dagli abrasivi Dolcevena, power trio incisivo al punto da meritarsi la riga che avete appena letto, sono stati i Blake/e/e/e - la band creata da Paolo Iocca e Marcella Riccardi, entrambi ex Franklin Delano – a intrattenere le poche unità interessate all’evento, malgrado l’ingresso gratuito. Un vero peccato, perché la cornice non è stata all’altezza dello spettacolo offerto da una band decisamente ben intenzionata e capace di mettere insieme un set interessante e originale.

Le tracce di “Border Radio” scorrono che è un piacere. Nella scaletta proposta le sottolineature vanno messe lì dove i quattro sul palco si muovono senza distrazioni tra mille deviazioni timbriche – c’è di tutto, dal banjo alla steel drum e diversi marchingegni elettronici –, senza cadere nei tranelli che brani dalla non facilissima esecuzione comportano. Ottima la riuscita live di “New Millenium’s Lack of Self Explanation”; molto ben a fuoco la spensierata “Holy Yes to the Sunny Days”; profonda e inebriante “The Thing’s Hallow” con la voce di Marcella Riccardi sugli scudi, non tanto per finezza e sfumature, ma per il suo alto contenuto ipnotico.

I Blake/e/e/e hanno proposto una giostra di sonorità che non trovano la sua giusta collocazione né nell’electro-folk, né nella psichedelia pura, tanto meno nel rock comunemente inteso. Da questo deriva il loro forte appeal, ma anche la scarsissima possibilità di poter aggregare un pubblico più copioso.

Rita Marcotulli: Appunti di viaggio (2004)

2009-09-28T00:42:00.000-07:00

La seconda pubblicazione di “Appunti di viaggio”, collana multimediale dedicata a persone che hanno saputo tradurre il talento artistico in mestiere, punta i riflettori verso la pianista jazz Rita Marcotulli.

Il piccolo volume, 60 pagine (con traduzione in inglese) arricchite da molte foto inedite, contiene: una lunga intervista, dove l’autore lascia descrivere alla Marcotulli i momenti salienti della sua vita; un breve profilo generico che ne riassume le preferenze anche lontano dall’ambito musicale; un cd allegato di circa venti minuti - corredato da un’essenziale guida all’ascolto - non certo esaustivo, ma di sicuro aiuto per chi vuole avvicinarsi all’arte di una tra le più solide realtà del jazz italiano.

La storia della pianista romana è raccontata seguendo un ordine cronologico che va dall’infanzia trascorsa in una casa dove si respirava musica e spettacolo, il padre - tecnico del suono della RCA - era solito ricevere le visite dei vari Ennio Morricone e Nino Rota, passando per gli studi classici al Conservatorio di Santa Cecilia, fino alla folgorazione per il jazz. La musica è il perno dove ruota la sua vita intera, forgiata da una serie d’esperienze e di incontri. La compositrice ricorda quando, verso la metà degli anni ’80, viveva e suonava in Scandinavia con musicisti decisivi come Palle Danielsson, e descrive i successivi lavori con personaggi del calibro di Billy Cobham, Enrico Rava, Dewey Redman, Maria Pia De Vito e molti altri. Il libro si lascia leggere in scioltezza e riesce a far affiorare anche gli aspetti privati della vita della compositrice, andando a toccare con fluidità temi come la nascita della figlia, la quotidianità vissuta in campagna, l’unione con Pasquale Minieri e le idee affini alle filosofia Zen.

Il cd allegato contiene cinque brani, tra i quali spicca “Koinè”, forse la sua composizione più rappresentativa, dove s’incontrano diversi mondi musicali e da dove emerge una caratura artistica certa, avvolta in una spontaneità rara.

Zu: intervista

2009-08-10T02:39:00.000-07:00

Gli Zu sono uno di quei gruppi ai quali voler per forza affibbiare un solo aggettivo, e tanto meno uno stile musicale definito, è un esercizio che oscilla tra l’inutile e il ridicolo. Il trio – Luca Mai (sax baritono), Massimo Pupillo (basso) e Jacopo Battaglia (batteria) – si muove da dodici anni senza farsi problemi di frontiere e barriere espressive, riuscendo a ottenere un suono e un’originalità che per molti rimarrà per sempre una chimera. In occasione del nuovo lavoro “Carboniferous”, uscito per la Ipecac di Mike Patton, abbiamo chiesto alla band romana di favorirci il loro passaporto musicale.

Cosa ha in più “Carboniferous” rispetto agli album precedenti?
“Carboniferous” è la summa di dieci anni di lavoro, la materializzazione di un’idea di suono che agli inizi non era ben chiara, ma che si è definita via via attraverso un duro e incessante lavoro live e una conoscenza dei materiali presenti negli studi di registrazione, nonché il fatto di voler allargare il nostro spettro sonoro, che essendo in tre necessita di un continuo lavoro di ricerca. Infine, appunto perché in tre, l’approccio allo strumento si è fatto più versatile e l’idea di strumento solista non è appannaggio solo di uno di noi, ma cambia continuamente, quindi può capitare che la batteria è lo strumento solista nonché melodico e il sax porta il tempo e viceversa con il basso. “Carboniferous” è un corpus unico con differenti stratificazioni che si compenetrano vicendevolmente senza che questo distolga l’attenzione dall’idea che lo sottintende.

Quanto avete impiegato per realizzarlo e come si è svolto il processo in studio?
Nello specifico ci sono voluti quasi due anni. L’ultimo anno lo abbiamo passato praticamente tutti i giorni chiusi in sala a comporre 5/6 ore pomeridiane di media e poi partivamo i fine settimana per rodare ciò che avevamo fatto precedentemente. Se c’era qualcosa che non funzionava lo riprendevamo il lunedì successivo. Devo dire che il processo creativo negli ultimi anni è diventato più o meno come diceva Picasso: «non cerchiamo più, ma troviamo».

Lavorare con Mike Patton e la Ipecac in che modo vi è stato d’aiuto? Ci sono state delle restrizioni in fase di lavorazione?
Nessuna restrizione, anzi, pieno supporto e questo fa la differenza quando poi devi fare un bilancio di come è andato il disco. Ti fanno sentire con le spalle coperte nonostante l’attuale crisi discografica.

Ho letto che molto materiale composto, anche finito, viene poi scartato. Cosa deve avere un pezzo per essere considerato all’altezza per un disco degli Zu?
Deve essere abbastanza zamarro da non sfigurare quando te lo ascolti su un’Alfa 75.

C’è un passaggio musicale del quale andate fieri e perché?
Direi di no anzi, può capitare dal vivo di cambiare delle note o effettuare delle modifiche e capire che sarebbero state belle sul disco e sostituirle alle attuali. Comunque siamo soddisfatti non ti preoccupare.

Chi di voi tre è la guida, quello da cui parte lo spunto, l’incipit decisivo per dar vita alla musica?
Gli spunti partono da ognuno singolarmente, oppure quando siamo in sala escono, come ti dicevo prima, le cose le troviamo, senza che perdiamo tempo a cercare. Poi è chiaro che c’è anche un lavoro di sgrezzamento e su questo siamo abbastanza pignoli.

Sul vostro passaporto musicale, alla voce segni particolari, cosa c’è scritto?
Cafoni!

Qual è l’elemento alla base del vostro concetto di trio e come è il rapporto tra di voi al di là dell’essere musicisti?
Siamo cresciuti insieme e abbiamo condiviso molte cose extra musicali, questo ha determinato qualcosa di più solido di un semplice rapporto tra musicisti e ciò fa sì che siamo una band. Poi, come in qualsiasi matrimonio, gli scazzi ci sono sempre.

Quanto culo vi siete fatti in questi dodici anni di carriera?
Taaaanto, e si continua. Non ci sentiamo arrivati, poi dove? L’unico arrivo che abbiamo presente e che ci accomuna è la morte, quindi la nostra vita la esperiamo in termini di espansione e di sfruttamento intensivo della nostra creatività, perché il tempo è tiranno e ciò che facciamo lo facciamo non sapendo neanche noi bene perché, ma sicuramente no in termini di carriera.

Non vi è mai venuta voglia di allargare la band in via definitiva o peggio, di mandare tutto all’aria?
Ogni volta che collaboriamo con qualcuno lo consideriamo della band, non un ospite, anche perché i rapporti sono sempre improntati sull’amicizia e il rispetto e questo ci basta. Per mandare tutto a carte e quarantotto dovrebbe succedere qualcosa di molto grave e ancora non è successo e qui faccio tutti gli scongiuri possibili, ma se poi succede, buonanotte.

Cosa ha reso possibile il poter essere conosciuti all’estero?
Impegno, dedizione, capacità di adattamento a stili di vita differenti nonché essere coraggiosi a mangiarsi le sbobbe olandesi.

Il New York Times (http://www.nytimes.com/2009/02/22/arts/music/22play.html?_r=1&ref=music) parla di voi in maniera entusiastica. Poi magari potete passeggiare per Roma senza che nessuno vi riconosca appena. Come vivete questo doppio aspetto della vostra personalità musicale?
La nostra vita è sempre stata un po’ schizofrenica tanto che agli inizi capitava che facessimo un tour in Europa pieno di gratificazioni e considerazione artistica, poi tornare a casa e la sera stessa andare a mettere i manifesti in giro per Roma, incontrare degli amici e sentirsi dire: «ahò … certo che voi state sempre a Roma… nun fate proprio un cazzo nella vita…».

Venite spesso accostati al mondo del jazz. Qual è la vostra idea di improvvisazione?
Diciamo che del jazz prendiamo soprattutto quell’etica di rottura e di ricerca che ha contraddistinto gente come Coltrane, Dolphy, Ayler, Mingus e altri grandi. Ogni rottura porta con sé l’idea di una nuova costruzione, ma questo non lo facciamo consapevolmente, come se fosse un manifesto a cui aderire. Per quanto riguarda l’improvvisazione a noi serve solo come spunto, in realtà abbiamo ridotto di molto questa pratica in concerto.

(A Luca Mai) A proposito di jazz: di recente su una rivista specializzata è apparso un articolo dove sostanzialmente si dice che i giovani saxofonisti si rendono conto che è quasi impossibile estrarre un qualcosa di originale da uno strumento cha ha già svelato ogni suo mistero. Sei d’accordo?
Gli strumenti a fiato erano accostati, nell’antichità, ai misteri dionisiaci o comunque orgiastici per la capacità che avevano e hanno di smuovere l’istintualità e metterla in contatto con quel mistero che sottende alla creazione e alla energia che la guida. Marsia, narra il mito, trovato l’oboe che Atena aveva buttato perché l’aveva resa ridicola di fronte agli Dei, se ne innamorò e suonandolo tutti i giorni divenne talmente bravo che creava delle melodie che venivano reputate più belle di quelle create alla lira da Apollo. Il dio lo sfidò in una gara musicale e solo per astuzia e raggiro lo battè e meschinamente lo squoiò. Marsia si trasformò in un fiume che ha ancora il suo nome e dove crescono dei canneti ottimi per la produzione di ance. Questo per dire che il ragionamento e tutto quello a cui è correlato non può distruggere un’energia in continuo movimento e trasformazione e quindi i cosidetti giovani sassofonisti si dovrebbero concentrare di più su quanto hanno da dire loro e non il sax per loro.

Avete preso parte alla compilation “Il paese è reale” realizzata dagli Afterhours. Vi sentite così legati alla scena indie? Pensate che la partecipazione della band milanese a Sanremo potrà effettivamente deviare il corso del fiume mediatico?
Siamo dei cani sciolti e non facciamo parte di nessuna scena indie perché non esiste una scena indie. Non credo che sortirà nessun effetto la presenza degli Afterhours a Sanremo perché l’Italia è un paese fortemente conservatore e arretrato, privo di quella cultura musicale che non sia il bel canto o la classica melodia italiana fatta sui soliti tre accordi. Non c’è voglia di investire e creare un mercato che potrebbe dare i suoi frutti ed essere condivisi, perché questo porterebbe anche cultura e questo è un paese dove è oramai assente e l’unico modo in cui la si intende è come vuole quel burattino di Berlusconi, cioè “cul cul cul cultura….”. Fino a quando i cd e i libri verranno considerati beni di lusso e quindi venduti a prezzi esagerati, non potremo aspirare a niente di buono dall’alto, ma è anche vero che finché la maggior parte degli italiani si sente orgogliosa di non leggere questo paese lo possiamo considerare perduto.

Tra cento anni, quando gli Zu non ci saranno più, cosa rimarrà scritto sui libri di storia?
Se il complotto globale avrà vinto e si sarà affermato completamente il “nuovo ordine mondiale” non credo che esisteranno ancora libri, un po’ come “Farenhait 451”. Se invece succederà qualcosa di significativo nel 2012 forse leggeremo che in un paese ridicolo di nome Italia esisteva proprio nel suo cuore uno staterello di nome Vaticano che per 2000 anni ha allungato la sua ombra oscura su tutta la nazione impedendole un naturale svolgimento dei propri diritti voleri nonché libertà personali, che molta gente è morta e ha sofferto per causa loro e molti bambini sono stati vittime dei loro abusi e che per questo nessuno di loro ha mai pagato veramente, grazie a un Papa di nome Ratzinger, l’ultimo dei papi. Poi leggeremo nel capitolo musica che è esistita una centrale per delinquere che si chiamava SIAE e che i suoi maggiori artisti iscritti si mangiavano i soldi dei più piccoli. Nel capitolo rock scriveranno che esistettero i Negrita e che fu il più grande gruppo della storia italiana mentre il paragrafo relativo agli Zu sosterrà che ebbero gli onori delle cronache solo perché in un raptus sconclusionato il sassofonista tagliò, con le chiavi di casa, la frangetta del grande e famoso cantante dei Dari. Per il resto non si sa che musica facessero.

Marina Rei: intervista (maggio 2009)

2009-08-03T23:38:00.000-07:00

Incontriamo Marina Rei a Roma in pomeriggio quasi surreale, caratterizzato da un acquazzone dopo tanti giorni di caldo estivo e da sparute unità di supporter del ManU che battono la ritirata, sconfitti la sera precedente dopo tante pagine di gloria.
Marina ci risponde rilassata, leggermente provata dalle interviste in agenda quel giorno, ma pronta a ribadire la valenza del nuovo album “Musa”, e la forza di un pensiero che emerge chiaro e dai contorni ben delineati.

Perché la necessità di un album come “Musa”, dedicato al mondo femminile?
Non c’è una vera necessità. È ciò che si è evidenziato da solo in questi anni in cui ho scritto, messo da parte, riletto e in cui ho suonato molto e dedicato molto della mia vita ai concerti e alle collaborazioni. Tutto questo mi ha portato a scrivere di donne forti, rivoluzionarie, che comunque non sono necessariamente famose, anche se cito Frida Kahlo, Tina Modotti, la Montalcini o la Betancourt, donne che rappresentano dei grandi punti di riferimento. Mi piace pensare che le “mie donne” conducono una vita quotidiana di grandi difficoltà, che superano con grande forza; donne che non si lasciano per vinte, ma non rinunciano al proprio scopo, al proprio ideale, al proprio obiettivo e all’affermazione di se stesse, alla propria vita. Donne che combattono e riescono con un sorriso a superare i momenti di malinconia. Mi piace raccontare di loro.
Qual è il messaggio principale contenuto nei brani?
Chi ascolta le canzoni si fa il suo, ognuno interpreta il suo modo di ascoltare la canzone. C’è un modo da parte mia di descrivere un certo tipo di donne con le quali mi rispecchio. Donne che vorrei avessero in mano la situazione, anche politica. Donne che rispetto e che stimo, però non c’è un unico messaggio in “Musa”.
Perchè hai voluto inserire la cover di “Mare verticale” di Paolo Benvegnù?
Perché è una canzone meravigliosa e perché credo che quando si rifà una canzone bisogna ricantarla in chiave personale, non simile all’originale. Il motivo di rifarla è che la sentivo sulle mie corde. Sentivo di poter dare un’interpretazione e cercare di rendere bella la mia versione, anche perché il pezzo è già bello di suo.
“Donna che parla in fretta” è tratta dal poema di Ann Waldman “Fast Speaking Woman”. Come si evoluta l’idea di renderla una canzone?
Il poema lo conoscevo da tempo e mi è sempre piaciuto. Ha dei momenti molti duri, molto crudi, importanti. Era quasi d’obbligo sceglierlo, perché rappresenta un periodo storico. Come donna mi sentivo quasi in dovere riprenderlo e riportare le parti che più mi interessavano, che rappresentavano me stessa e il periodo storico che viviamo. L’ho scelto per questo motivo fino a farne una canzone.
L’album si chiude con “Regina Reginella”, la filastrocca per bambini, come mai?
Essendo io una donna molto estrema, la mia idea era quella di usare il contrasto che c’è nella filastrocca, che apparentemente è una filastrocca per bambini, ma che nasconde un messaggio politico non indifferente. Cioè, la conosci la filastrocca? La facevi da bambino?
Sì, ma questo aspetto, francamente, non l’avevo preso in considerazione (ridiamo, ndr).
Se ci rifletti bene, il gioco è improntato sul potere di una persona sola, di una regina. Questa ha il potere decisionale di far avvicinare o meno qualcuno a seconda del proprio giudizio. C’è in questo un lato abbastanza perfido, nel senso che può far avvicinare qualcuno fino quasi all’arrivo, per poi farlo retrocedere a suo giudizio. M’intrigava molto la cosa, perché c’è uno sfondo molto, molto più forte di quello che si vede in superficie. Questo contrasto tra la filastrocca, apparentemente giocosa, e le voci dei bambini utilizzate in maniera surreale creava questo contrasto che ho sottolineato con le percussioni, che entrano nel brano una dopo l’altra come i personaggi del gioco.
Alcuni brani sono scritti con Filippo Gatti. Mi parli del vostro modo di lavorare insieme?
Stranamente siamo riusciti a trovare una complicità femminile. Abbiamo vinto l’imbarazzo della scrittura a due e ci siamo divertiti.
Femminile?
Sì, io continuo a dirlo, ma lui non lo sa (ride, ndr).
Cosa volevi ottenere sotto il profilo prettamente musicale?
Un suono molto vicino alla creazione dei pezzi, non volevo un suono artefatto che fosse distante dall’immediatezza della scrittura dei brani quando li ho appuntati la prima volta, con voce, chitarra acustica e chitarra elettrica. Quasi tutte le chitarre sono rimaste quelle.
Nell’album s’avverte netta una sensazione di serenità e d’idee chiare. Questo riflette il tuo stato personale?
Sì, sono una persona serena, non nascondo anche le mie difficoltà, anche se di base ho le idee chiare. Quello che volevo scrivere per questo disco l’ho fatto in totale libertà, non mi sono posta se una frase potesse piacere o meno, se potesse andar bene o no. Ho scritto principalmente perché potesse piacere innanzitutto a me.
C’entra qualcosa lo yoga?
No, per la scrittura dei testi per niente. Lo yoga mi aiuta nella respirazione, dal vivo ho una grande resistenza, anche perchè suonare la batteria e cantare insieme non è proprio come stare seduto e fumare una sigaretta. Quello che faccio io, l’astanga, credo sia uno yoga che aiuta molto l’accettazione di te stesso anche nei momenti di difficoltà. Lo yoga ti aiuta ad accettare che quel momento di difficoltà c’è e ti aiuta a superarlo, a essere paziente e a saper aspettare.
“Musa” rappresenta, nella tua carriera, una nuova partenza?
Ogni disco sembra un motivo di ripartenza. Nel senso che anche da tutte le interviste che fai sembra che sei stato sulla Luna e sei tornato.
Cos’è per te una musa?
È una donna di grande fonte d’ispirazione, ma non ce n’è una in particolare, quelle che ho nominato finora sono tutte delle muse. Obiettivamente, una come Benazir Bhutto non può non esserlo stato, o non so, Luciana Sgrena, ce ne sono tante…
Quanto danno fastidio le donne capaci?
Molto. Ma più che fastidio fanno paura. Oggi c’è lo stereotipo impaurito da questa donna, incredibilmente libera, indipendente sotto ogni aspetto, anche economico, come se fosse un fatto straordinario. Forse eravamo troppo abituati all’idea della donna che sta a casa e si occupa solo di quello. Anche una casalinga è una rivoluzionaria, ho il totale rispetto per le donne che sostengono una famiglia, perché, per quanto mi riguarda, la donna è il collante della famiglia, ma da quando la donna, tra virgolette, si è emancipata ha preso la sua strada anche lavorativa e quindi si è creato una sorta di non equilibrio, quindi adesso si dice che questa donna fa paura.
Ti senti una donna fuori dagli schemi?
Io mi sento una donna fuori dagli schemi e dentro gli schemi, quasi in momenti opposti. Nel senso che mi sento fuori dagli schemi quando quello che faccio è di assoluta normalità, come quando la sera sto a casa con mio figlio a leggere un libro. In realtà non so cosa significhi essere fuori dagli schemi, quello che so è che mi sento, e voglio sempre esserlo, una donna libera di esprimermi come meglio credo, di dare il meglio di me e di dare valore alla mia vita.
Molti si chiedono che fine hai fatto in questo ultimo periodo.
Questo però dipende dalle persone che ascoltano. Se sono persone che abitualmente guardano la tv è normale. Ma hai visto chi ci va in tv? Io non ci vado. Vado laddove c’è musica, dove si fa musica o si parla di certi argomenti. Preferisco fare un’apparizione ogni tanto che andare dove non ci sono argomenti concreti. La gente è abituata a valutare la visibilità televisiva pari al lavoro che fai, ma non è così.
Pensi che il grande pubblico abbia un’idea sbagliata riguardo il tuo modo di fare musica?
La gente ha e si fa delle grandi illusioni, magari vede un cantante che va in televisione e si fa delle idee sbagliate. La tv è un mezzo molto potente, che crea delle grandi illusioni, le crea nei giovani, nelle persone che non sono abituate a mettere un velo tra quello che c’è in tv e la realtà. Quello che succede in tv, tolte alcune cose, succede solo in tv, la vita quotidiana è un’altra. Per cui quando ti vedono in tv si fanno delle idee sbagliate, ecco là che nel momento in cui non ci vai o fai cose diverse e comunque non fai programmi di un certo profilo allora si chiedono: da quanto tempo Marina Rei non fa dischi? Semplicemente da quattro anni, ma nel frattempo ho comunque suonato, cioè fatto quello che in realtà dovrebbe fare un musicista anziché andare a perdere tempo.
Parteciperai ai concerti "Tutti insieme per l'Aquila", a Teramo il 31 maggio, e "Amiche per l'Abruzzo", il 21 giugno allo Stadio San Siro. In che modo sei stata colpita dal dramma del terremoto?
Penso che abbia colpito chiunque, è stata una cosa troppo importante, dannosa, ha tolto la vita, le case, ha tolto una grande speranza, quindi ha colpito tutti noi. Avendo sentito la prima scossa da Roma, mi sono spaventata a morte, l’ho sentita fortissima, ero nel panico, non sapevo se catapultami fuori. In quel momento ho immaginato cosa hanno provato loro là. Ovviamente la paura si è amplificata. Alla fine questi concerti sono delle grandi occasioni, in primo luogo di aiuto economico, ma poi di attenzione. Queste cose lo sai come vanno, la gente poi dimentica negli anni, lo Stato tende a dimenticare, tutti tendiamo a dimenticare, ma la gente colpita non dimentica, quindi finché si può accentrare l’attenzione su un problema è giusto farlo.
In ultimo, mi dai un consiglio per gli uomini?

Non ce li ho, me ne diano uno loro a me. La bella cosa degli uomini è la gentilezza, l’attenzione che hanno nei nostri confronti. Mi piace la cortesia, mi piace la dolcezza, quindi bisognerebbe rivalutare queste grandi doti maschili, troppo spesso messe da parte per paura di farle sembrare dei lati deboli, mentre sono lati meravigliosi.

Guilherme Monteiro: Air

2009-08-03T23:36:00.000-07:00

Il chitarrista Guilherme Monteiro, malgrado si contorni di musicisti di spessore tra i quali spicca il tenorista Jerome Sabbagh, rilascia un buon album, ma non completamente messo a fuoco, vago nelle intenzioni e negli sviluppi.
Non che Air manchi di spessore stilistico e capacità interpretativa, ma sembra risentire - paradossalmente, va da sé - della doppia natura del leader, che esprimendosi in alternanza con l'acustica e lo strumento elettrico crea una specie di dicotomia, di inevitabile spaccatura tra i dieci brani proposti.

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Gruppo Q: Live in China

2009-08-03T23:34:00.000-07:00

Fotografati nel booklet sulla Grande Muraglia, i cinque componenti del Gruppo Q riversano nel loro Live in China le istantanee musicali della tournée affrontata davanti al pubblico cinese nell'aprile 2008.
Dodici brani registrati in varie location e senza sovraincisioni che ci fanno apprezzare una band con diverse caratteristiche positive. Innanzi tutto la voglia di attualizzare una filosofia jazzistica ancora alla ricerca del proprio presente, con l'introduzione di elementi elettronici sulla struttura di base prevalentemente acustica. In secondo luogo, i bei dialoghi che il trombonista Michele Benvenuti instaura con gli altri musicisti, conferendo all'intero lavoro un carattere preciso e ben delineato.

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Tom Scott: Cannon Re-Loaded

2009-08-03T23:31:00.000-07:00

Folgorato in giovane età dalle performance di Julian Adderley nei classicissimi Milestones e Kind of Blue, Tom Scott rende omaggio alla figura immortale del saxofonista di Tampa con un album raffinato e senza smagliature.

In Cannon Re-Loaded Scott mette insieme una scintillante formazione di all-star composta dal trombettista Terence Blanchard, sugli scudi in più occasioni; l'irreprensibile George Duke al piano; e una ritmica capace di unire tradizione e attualità composta da Marcus Miller e Steve Gadd. Come se non bastasse, a completare una band di caratura assoluta, vanno segnalati gli interventi all'organo B3 di Larry Goldings e soprattutto la voce elegantissima di Nancy Wilson, ospite in due brani.

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Luciano “Varnadi” Ceriello - Radio Varnadi

2009-08-03T03:29:00.000-07:00

Anche se già utilizzata in passato da altri, quella di Luciano “Varnadi” Ceriello rimane comunque una buona idea: racchiudere le tredici canzoni del suo quarto album sottoforma di una trasmissione radiofonica, dal notiziario del mattino ai saluti finali in tarda serata, con speaker che annunciano le track, richieste degli ascoltatori, spot commerciali, segnale orario e cazzeggio contenuto.
Il suo “Radio Varnadi” vanta la partecipazione di molti ospiti, sia del mondo musicale come Mauro Palermo, già chitarrista di Vasco Rossi, sia dello spettacolo in genere, dal poliedrico Andrea Roncato alla pornostar Lea Di Leo (tranquilli maschietti, è solo un cameo e nessun video tra i bonus).
Ne viene fuori un lavoro dal sapore pop arricchito di sottintesi divertenti (“Come la mia Barbie”), dove il cantautore veneto-campano si alterna tra momenti ancorati alla realtà (“Francesca”, dedicata a sua figlia) a slanci rappati (“La protesta”), e tutta una serie di prese di posizione riguardo argomenti d’attualità e di vita in genere. Si parla di sesso, di donne e quotidianità in ordine sparso, scavando nei significati pur riuscendo a mantenere un andamento brioso, colorato, col sorriso sulle labbra. Insomma, durante l’ascolto ci si diverte, ma si è anche chiamati a delle piccole riflessioni.
Con quest’album Ceriello si conferma artista capace di cavalcare diverse onde stilistiche, di forma e altezza variabili, e soprattutto di mettersi a distanza regolamentare dalle consuetudini e dall’omologazione del pop tricolore.

Mircanto - Le Finestre Sono Aperte

2009-08-03T03:13:00.000-07:00

Tra i tanti promo che si accatastano sulle nostre scrivanie, ogni tanto ne salta fuori uno meritevole di essere archiviato in maniera degna, magari vicino a un Fossati d’annata o un Niccolò Fabi recente.
È il caso del cd “Le finestre sono aperte” messo al mondo dai Mircanto, progetto cantautorale che fa leva sui testi di Daniele Nava, il quale, per rappresentare la sua idea musicale, si contorna di musicisti e amici del Caffè Letterario di Bergamo, tra profumo di libri e cultura quotidiana.
Copertina fatta di un bianco e nero desertico che si riflette anche all’interno di sette canzoni essenziali, eleganti e decisamente chiaroscurali. Un bianco e nero piacevole che affiora fin dalla prima battuta di “Da consumarsi”, con la voce di Daniele sempre in punta di tonalità minore, pronta a scandire parole e visioni su accordi di chitarra adagiati su ritmica esile, quasi impalpabile. Buoni i passaggi tra una traccia e l’altra che tendono a formare una linea di continuità tenue, ma ben definita e ricca di spunti di riflessione.
Certo, stiamo parlando di una pietra grezza, piena di asperità che andranno levigate col tempo, ma per il momento ci sentiamo di sottolineare la valenza di un progetto di buona intenzione.

Luminal: canzoni di tattica e disciplina

2009-07-30T06:22:00.000-07:00

“Canzoni di tattica e disciplina” è il primo lavoro in studio dei Luminal e si compone di undici brani, densi di contenuti e di grande espressività, fatti sì di tattica, che possiamo individuare nell’impatto senza troppi giri di parole, e anche disciplinati se vogliamo, nella loro coerenza, nel loro somigliarsi.
Questa è la ragione sociale della band romana, presa di buon occhio da Cristiano Santini che ne ha curato la produzione e, molto probabilmente, incanalato la forza espressiva verso un rock asciutto, penetrante.
L’album avanza senza sbavature e divagazioni sul tema; le track si susseguono con buon ritmo e vivono principalmente sull’alternanza vocale di Alessandra Perna e Carlo Martinelli, andando a solleticare scenari punk (“Il sonno del coyote”) e ambientazioni semi-apocalittiche (“Inferno/Paradiso”). I testi sono di una crudezza, a tratti, difficilmente masticabile, su tutti il passaggio «ho scopato un coyote e c’hanno fatto un film», che non può lasciare indifferenti.
Nell’insieme si tratta di un buon debutto, che suona piacevolmente un po’ retrò, con chiari riferimenti alla scena rock dei Novanta, di cui proprio Santini con i Disciplinatha fu uno degli alfieri, ma per il futuro bisognerà lavorare sulla fantasia, sull’inventiva, anche perché tutto il resto è già ben messo a punto.

Brad Mehldau: Live @ Auditorium, Roma 5/7/2009

2009-07-10T03:28:00.000-07:00

C'ha pensato Brad Mehldau a far luce sulla Cavea dell'Auditorium dopo che, un istante prima del suo ingresso sul palco, l'ultimo raggio di sole di una domenica equatoriale aveva mollato la presa su Roma.

leggi il live-report su all about jazz italia http://italia.allaboutjazz.com/php/article.php?id=4110

Pippo Matino: Joe Zawinul Tribute

2009-07-10T03:25:00.000-07:00

Nel tributo dedicato alla figura di Joe Zawinul, Pippo Matino chiama a raccolta alcuni dei suoni abituali compagni di ventura, tra i quali il batterista Claudio Romano, e altri musicisti di levatura assoluta come il chitarrista Amit Chatterjee, a lungo collaboratore di Zawinul.

leggi la recensione su all about jazz italia http://italia.allaboutjazz.com/php/article.php?id=4096

Massimo Barbiero e Maurizio Brunod with Alexander Balanescu e Claudio Cojaniz: Marmaduke

2009-07-10T03:23:00.000-07:00

Registrato quasi completamente nell’arco di una sola giornata, “Marmaduke” è il risultato che scaturisce dall’incontro di quattro personalità musicali per la prima volta insieme. Un album dall’incipit creativo improvvisato, ma che restituisce all’ascoltatore un’idea ben salda di strutture e codici apparentemente scritti, incosciamente concordati.
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Silvia Mattia: Ama!

2009-07-10T03:21:00.000-07:00

Silvia Mattia esordisce con un disco prodotto dall’Unione Italiana Ciechi e degli Ipovedenti Onlus (UIC), dopo aver vinto il Primo Concorso Nazionale Canoro riservato a giovani artisti ciechi. In “Ama!” la cantante fa valere le sue ineceppibili capacità tecniche, dovute agli anni passati in Conservatorio e allo studio del canto lirico.

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Urto - Upside Down

2009-07-10T03:19:00.000-07:00

“Upside Down” è il punto esclamativo nella storia degli Urto. La band è attiva da inizio Millennio e dopo cambi di formazione, assestamenti, esperienze importanti e deliri di vario genere, pubblica questo primo full-lenght per la label Punishment 18.

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Fabryka - Istantanea

2009-07-10T02:39:00.000-07:00

È di sicuro impatto mediatico la formula pop messa a reagire dai promettenti Fabryka. Un andamento generale che richiama scenari primaverili, spensierati, fatti di elettronica leggera, archi sullo sfondo, linee di piano a contrappuntare una voce fresca e brillante.
leggi la recensione su rockaction.it http://www.rockaction.it/e107_plugins/content/content.php?content.862

Wasabi: Wasabi

2009-07-02T01:03:00.000-07:00

Ogni qual volta si mette nel lettore un CD di un trio piano-batteria-contrabbasso, c'è sempre l'eventualità di andare incontro a un ascolto standardizzato, prevedibile. Ma difficilmente la Picanto Records di Sergio Gimigliano si lascia catturare da progetti canonici, dalle trepidazioni schematizzate, e Wasabi ne è ulteriore prova.

leggi la recensione su all about jazz italia http://italia.allaboutjazz.com/php/article.php?id=4087

Intervista a Lorenzo Feliciati:

Come e perchè è nato il progetto Wasabi?
Avevo il desiderio di costruire qualcosa insieme a Emanuele Smimmo e Alessandro Gwis. Abbiamo suonato insieme tantissime volte e ho subito pensato a loro quando l'idea di un trio di musica acustica, ma d’impatto, ha cominciato a girarmi in testa.

Qual è la relazione tra il wasabi e la musica che proponete?
Il wasabi è una salsa solida di grande "impatto" sul palato, che rende molto speziato e saporitissimo il pesce crudo tipico del sushi. Mi sembrava un parallelo interessante e spero che l’ascoltatore della nostra musica senta l'impatto dei Wasabi.

Sei l'autore della maggior parte dei brani, ma nell'insieme "Wasabi" non sembra un disco pensato prevalentemente da un bassista, si respira più aria di lavoro comune. È un'impressione esatta? Come si è svolto il processo compositivo?
Uno dei punti fermi del progetto, condiviso anche dagli altri compagni di avventura, è stato quello di cercare di aggirare anche nella scrittura del nostro repertorio quelli che sono gli stilemi del "piano trio" classico, con brani costruiti secondo gerarchie e ruoli ben codificati. Ho quindi cercato insieme a Emanuele e Alessandro di costruire brani che lavorassero su coordinate un po’ diverse dal solito. Sono un musicista di estrazione rock e progressive, è stato naturale per me pensare a riff e a costruzioni più "a strati" piuttosto che alla verticalità dove uno strumento suona il tema (di solito il piano) e gli altri due accompagnano.

"The Talking Asshole", oltre a essere un titolo curioso, ci è sembrato uno dei momenti meglio riusciti. Ci parli della realizzazione di questo brano?
È un brano di Alessandro composto prima che nascesse Wasabi, ce lo ha sottoposto e ha subìto (il brano, non Alessandro...) il trattamento Wasabi. Ne è rimasto soddisfatto (Alessandro, non il brano) e credo che sia uno dei punti più alti del CD e che al suo interno racchiuda tutti gli elementi che contraddistinguono il nostro lavoro.

Cosa rappresenta la mano aperta mostrata in copertina, e anche nel retro?
Soprattutto è una maniera per catturare l'attenzione di chi guarda la copertina del CD e un modo per "agguantare" la loro attenzione. E poi dopo un’ora di scatti non si riesce a stare fermi con le mani.

Il trio è una formazione che ha molti riferimenti al passato. In che modo riuscite a renderla attuale e come pensate di poterla sviluppare nel prossimo futuro?Cerchiamo di non percorrere la prima idea che ci viene quando si trovano gli ostacoli che inevitabilmente caratterizzano il lavoro su un brano. Cerchiamo di muoverci in maniera diretta e senza cercare "vaghezze" armoniche o ritmiche che aggirerebbero il problema senza risolverlo. Abbiamo sempre ascoltato con molta attenzione la tradizione e il lavoro dei maestri, anzi dei Maestri con la M maiuscola. Credo che questa sia la chiave per andare avanti cercando di essere sempre convinti e convincenti.

Vassilis Tsabropoulos: The Promise

2009-07-02T00:57:00.000-07:00

Chissà se Vassilis Tsabropoulos ha paura del vuoto. La risposta potrebbe essere negativa, dal momento che The Promise, il disco in piano solo registrato al Megaron Concert Hall di Atene con la produzione di Manfred Eicher, lascia emergere molte situazioni dai suoni diradati, distanti, piene di spazi lasciati liberi, sospesi.

leggi la recensione su all about jazz italia http://italia.allaboutjazz.com/php/article.php?id=4043

Massimo Barbiero: intervista

2009-06-27T02:58:00.000-07:00

Nell'ambiente jazzistico si parla molto poco di Massimo Barbiero, malgrado la sua attività di percussionista e compositore abbia dato vita, in oltre venti anni di carriera, a due tra i progetti più intriganti e trasversali della Penisola, come Odwalla e Enten Eller, e una nutrita serie di collaborazioni e iniziative di vario genere.

leggi l'intervista su all about jazz italia http://italia.allaboutjazz.com/php/article.php?id=4001

Magic Malik Orchestra: Saoule

2009-06-27T02:56:00.000-07:00

Quello prodotto dalla Magic Malik Orchestra è un jazz liquido, capace di lasciarsi plasmare dalle influenze e dalle derivazioni di vario genere, ma all'occorrenza anche di rimanere formalmente fedele a una propria coerenza, a una tradizione certa.

leggi la recensione su all about jazz italia http://italia.allaboutjazz.com/php/article.php?id=3909

Miles Okazaki: Generations

2009-06-27T02:45:00.000-07:00

Squadra che vince non si cambia, o quasi. Miles Okazaki - chitarrista americano, classe '74, proveniente da una famiglia dedita alle arti visive - dopo il convincente debutto da leader intitolato Mirror dà alle stampe Generations, registrato in un'unica take e ideale prosecuzione del suo discorso compositivo che unisce tecnica, fantasia e intraprendenza.

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Robotnik: Brodo

2009-06-16T07:27:00.000-07:00

Lo sviluppo formale della musica dei Robotnik ruota intorno al concetto e alla messa in pratica del processo creativo da loro denominato “Musica a consiglio”, ovvero l’improvvisazione su tracce audio (con elementi metrici e armonici) che solo i musicisti possono sentire attraverso l’utilizzo delle cuffie. Una specie di filo di Arianna invisibile a chi ascolta, ma che fornisce agli interpreti un punto di partenza comune dal quale far scaturire derivazioni stilistiche e tangenti avanguardistiche.

Il risultato è in parte riassunto nelle tracce di “Brodo”, l’album dove il quartetto – insieme a una nutrita schiera di ospiti chiamati a interagire – attua l’idea si “suggested music” e dà vita a un’ora di musica interessante. I Robotnik non sempre centrano appieno la stimolazione sensoriale di chi è chiamato a catturare le vibrazioni emanate da “Brodo”, ma certamente offrono spunto per alcune riflessioni positive.

In tal senso non si possono ignorare le riuscite riletture – intelligenti e lontane dalle movenze originali – di “Turn on the World Around” e di “Space Oddity”, e neanche i temi sviluppati con perizia, sia sotto il profilo formale che espressivo, di “Tragedia in viola” e della cangiante “Le fouton rouge”, ma non tutto torna nello scacchiere di questo lavoro.

E ci riferiamo proprio alle musiche nate dai suggerimenti a noi celati, ovvero le varie “Tosso”, “Forse” e “Virilità” che non marcano la nostra anima, anzi, lasciano pensare che la “suggested music” risulti certamente intrigante per chi la esegue, ma meno entusiasmante per chi l’ascolta.

Niccolò Fabi: Solo un uomo

2009-06-15T08:50:00.000-07:00

Niccolò Fabi torna sul luogo del delitto. Pubblica un album di canzoni a tre anni di distanza dal precedente “Novo Mesto”, e soprattutto dopo “Violenza 124”, il fuori pista creativo piacevolmente affrontato con i panni del produttore. Solo un uomo non è un lavoro qualsiasi, perché ci restituisce un cantautore temprato, sereno, pieno di voglia d’esprimersi. E questo si riflette su dieci brani pensati con calma, in solitudine, e magnificamente intriganti. La scena del crimine è piena d’indizi che portano a delle certezze che per Fabi, solo poco tempo fa, potevano rappresentare degli ostacoli, ma che oggi sono le sue armi migliori per arrivare a stupire, a farci riflettere e assaporare la bellezza di una semplice melodia, senza paura di mettersi a nudo. leggi la recensione su l'isola http://www.lisolachenoncera.it/recensioni/?id=613

Andrea Mirò: La fenice

2009-06-15T08:48:00.000-07:00

“Niente di nuovo sul fronte occidentale”. Viene spontaneo citare il titolo del romanzo di Erich Maria Remarque per centrare l’andazzo stilistico nel nuovo lavoro in studio di Andrea Mirò.
“La Fenice”, diciamolo subito a scanso di equivoci, è indubbiamente un buon disco, curato negli arrangiamenti, nella scaletta, nelle scelte in generale, ma la lista dei “contro” è altrettanto robusta. La Mirò non si discosta dalle sue maniere abituali, non cerca l’affondo decisivo, il rischio che in qualche modo le farebbe oltrepassare gli stilemi che ce l’hanno fatta apprezzare da sempre, cosicché l’intero album sa di già sentito, di consueto. E si sa, la monotonia è la nemica numero uno di qualsiasi rapporto, anche quello tra artista e ascoltatore. leggi la recensione su rockaction.it http://www.rockaction.it/e107_plugins/content/content.php?content.835

Serpenti: Sottoterra

2009-06-15T08:46:00.000-07:00

Bastano 30 secondi per rimanere colpiti da “Libellula”, prima delle dieci tracce che danno vita a “Sottoterra”, l’album d’esordio dei Serpenti. Mezzo minuto dove il duo electro-pop (composto dal multistrumentista Luca Serpenti e dalla vocalist Gianclaudia “Clou” Franchini, entrambi ex Ultraviolet) cala subito gli assi a disposizione: chitarra orecchiabile; base dance dal gusto retrò anni ’80, ottima per un dancefloor alla moda; voce fresca e sensuale quanto basta. leggi la recensione su rockaction.it http://www.rockaction.it/e107_plugins/content/content.php?content.834

Mamamicarburo - Barcelona

2009-06-10T01:03:00.000-07:00

Quello prodotto dai Mamamicarburo è un rock generoso. Nel senso che i quattro ragazzi di Correggio non si risparmiano, né sotto il profilo prettamente esecutivo né d’espressione. Il loro nuovo lavoro in studio “Barçelona” porta nel proprio dna i tratti distintivi di una band rodata sotto ogni aspetto (sono in pista dai primi anni Novanta), quindi pronta a dare alla luce un mezzora tirata a lucido, fatta di rock sanguigno dal ritmo incessante e dalle movenze decise.

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Marina Rei: Musa

2009-06-06T02:37:00.000-07:00

Musa somiglia a un fiore, in particolare a una rosa rossa. Perché le canzoni che contiene emanano passione e suscitano vibrazioni. Una rosa sorretta da uno stelo lungo, come il percorso che ha portato Marina Rei da giovane promessa del pop italiano più solare ad artista di livello, e piena di spine, dal momento che i temi trattati sono concreti, quindi spesso scomodi e pungenti.

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Rita Marcotulli: live @ Auditorium Parco della Musica 07/04/2009

2009-06-06T02:34:00.000-07:00

«Prima di arrivare al jazz sono cresciuta sentendo i gruppi rock e pop come i Pink Floyd. “The Dark Side of the Moon”, peraltro, mi ricorda proprio un periodo particolare della mia vita, certe emozioni, i primi fidanzamenti…» (Jazzit Magazine, maggio 2006). Nasce dunque da molto lontano l’amore di Rita Marcotulli per la band inglese; una passione che l’ha portata a realizzare “Us and Them”, un progetto interamente legato alla sfera floydiana che avevamo già apprezzato su disco nel 2008 (Jazz Italiano Live - L’Espresso) e quindi dal vivo in questo appuntamento al Parco della Musica di Roma.

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Verona Prog Fest 2009: Intervista a Marco Pessina

2009-06-06T02:27:00.000-07:00

Veloce scambio di mail con Marco Pessina, il direttore artistico del Verona Prog Fest, manifestazione dedicata alla musica progressive, italiana e internazionale, che quest’anno (dal 3 al 7 giugno al Centro Tennis del Club “Il Giardino” di Lugagnano di Sona, Verona) celebra la sua quarta edizione. Una buona opportunità per fare il punto della situazione con un personaggio competente ed appassionato.

Da dove nasce il tuo amore per il progressive?
È nato come evoluzione. Sono partito con i maggiori gruppi hard rock, cercavo altre emozioni e sono rimasto folgorato dalle composizioni articolate della musica che evolve ascoltando i Genesis, gli Yes, Emerson, Lake and Palmer e via via tutti gli altri.
Cos’è che ti ha spinto ad organizzare un evento dedicato a questo genere e quali sono le maggiori difficoltà che si incontrano?
Innanzi tutto ho trovato terreno fertile nei precedenti Prog Festival Verona e la nostra è una collaborazione, che altro non è che la conclusione della stagione invernale del Club Il Giardino. Le difficoltà sono molteplici, in primo luogo la copertura finanziaria e diversi problemi tecnici che si incontrano man mano che ci si avvicina all’evento.

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Blake/e/e/e: Border radio

2009-05-29T02:43:00.000-07:00

È decisamente un’impresa ardua incasellare lo stile e l’approccio che i Blake/e/e/e riversano nel loro debut album dal titolo Border Radio. La band, creata da Paolo Iocca e Marcella Riccardi (ambedue ex Franklin Delano) qui supportati dal drummer Davy Delafuente, presenta dieci tracce che oscillano velocemente tra derivazioni, profumi e colori contrastanti, non dando mai all’ascoltatore la chance di potersi fare un’idea certa di cosa stia uscendo dagli altoparlanti.
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Mimmo Locasciulli: Idra

2009-05-29T02:37:00.000-07:00

Godimento assoluto. È quello che si prova dopo aver ascoltato – e inevitabilmente riascoltato, per via della magnifica prova cantautorale che porta in grembo – questo Idra, ennesimo capitolo della storia musicale di Mimmo Locasciulli. Disco che prende il nome dall’omonima poesia di Leonard Cohen, ma che è anche l’isola greca dove, negli anni sessanta, gli artisti cercavano un rifugio spirituale, oppure il mostro a nove teste sconfitto da Ercole. Insomma una multi-ispirazione che si riverbera anche negli undici brani che compongono un’ora di musica superlativa, per classe e sostanza, per intuito e compostezza, per irruenza e riflessione. Non tragga d’inganno l’iniziale Scuro, con le sue movenze funk decise e trascinanti, perché in seguito s’incontrano canzoni femminili e preziose come la title-track, piene di echi latin che scaldano il cuore (Senza un addio e Passato presente), oppure ammalianti e cariche del loro classicismo struggente come Benvenuta. leggi il resto su l'isola http://www.lisolachenoncera.it/recensioni/?id=583

Remo Remotti: intervista

2009-05-27T02:57:00.000-07:00

Remo Remotti – vestiario comodo e cappellino d’ordinanza in testa – mi accoglie puntuale sull’uscio della sua casa di Roma, dapprima deluso nel trovarsi di fronte un solo cronista anziché un’intera troupe televisiva, poi subito amichevole e amabilmente disponibile per l’intervista. Ci accomodiamo in una piccola cucina luminosa, dove sono in bella mostra stampe di Roy Lichtenstein, enciclopedie culinarie e tubicini di colore dimenticati. Mi farà vedere il resto dell’abitazione, magnificamente arredata con le sue opere (quadri e sculture, ma anche libri e cd), solo dopo una lunga chiacchierata, dove l’ultimo lavoro discografico Lo zodiaco di Remotti sarà solo il pretesto per una passeggiata attraverso una storia davvero particolare, la sua.
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Lorenzo Lambiase: La CeNa

2009-05-26T14:04:00.000-07:00

Succede spesso ai giovani artisti di arrivare all’album d’esordio con la convinzione di essere giunti a un traguardo (che poi, in effetti, è solo una partenza) con il giusto bagaglio e con le credenziali in regola. Tutto ciò, visto con gli occhi di un osservatore neutrale, raramente coincide con la realtà dei fatti. Lorenzo Lambiase è un’eccezione che conferma la regola. Il ragazzo romano, classe ’81, con la “La CeNa” dà prova inconfutabile di stoffa cantautorale e buon gusto stilistico, sia per quel che riguarda le sue atmosfere timbriche composte, mature, che per l’utilizzo molto ben dosato di sonorità elettroniche e acustiche.
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Marlene Kuntz: live @ alpheus roma 15 05 2009

2009-05-21T11:50:00.000-07:00

Dopo le atmosfere soffuse delle date teatrali, i Marlene Kuntz hanno riattaccato i jack agli amplificatori per affrontare il Club Tour 2009. Il concerto romano all’Alpheus ci ha mostrato una band decisa a ribadire le proprie attitudini elettriche e capace di mettere da parte filosofie e buone maniere che negli ultimi tempi avevano non allontanato, ma almeno insospettito, i fan più sanguigni. Cristiano Godano – pallido, senza barba, camicia bianca e energia da vendere – ha catalizzato su di sé l’attenzione del pubblico presente per tutta la durata della performance, grazie a una capacità fuori dal comune di interpretare, cantare e gridare i testi di quelle canzoni che nel corso del tempo hanno cementato la statura di una tra le band di maggior rilievo dello Stivale. Prima mezz’ora da rimanerci secchi: i Marlene suonano a volume altissimo, al limite della distorsione continua; infilano una dietro l’altra le varie “Festa mesta”, “Sonica”, “Nuotando nell’aria”. L’atmosfera è rovente, il club capitolino – pieno in ogni ordine di mattonella – trasuda entusiasmo e calore, qualcuno si allontana in favore di una minerale ghiacciata, mentre i più coriacei assistono a un concerto intensissimo. I brani tratti da “Uno” trovano poco spazio, fatta eccezione per una magnifica “111”; “Impressioni di settembre” sembra essere diventata una canzone indissociabile dal resto del repertorio; la nuova “Canzone in prigione” (title track del film di Davide Ferrario), eseguita a inizio bis, ha già trovato un posto stabile nei cuori dei fan. Non c’è mai stato un attimo di sosta, la band aveva voglia di vuotare il sacco e ha ripagato appieno le aspettative con un sacro e doveroso ritorno alle origini, con forza ed entusiasmo. Nel pomeriggio avevamo sorriso di fronte alla presentazione del concerto sulla stampa locale che annunciava l’arrivo in città dell’«hard-rock dei Marlene Kuntz», non è stato di certo hard-rock, anche se, riflettendo a notte fonda, possiamo ben dire che di fronte alle emozioni sonore e alle forti vibrazioni esecutive della band piemontese, c’è poco da scherzare.

live report pubblicato su rockaction.it

Elisir: Pere e cioccolato

2009-05-13T12:43:00.001-07:00

La riuscita alchimia musicale degli Elisir nasce dall’incontro di due personalità diverse, ma complementari, come quelle di Paolo Sportelli e di Paola Donzella: il classicismo del primo, direttore artistico del progetto, che si fonde con le visioni e le passioni (su tutte, quella per l’arte francese d’inizio novecento) della seconda, vocalist e segno distintivo della band.
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Alessandro Bellati: Parole d'amore

2009-05-13T12:41:00.001-07:00

Alessandro Bellati arriva alla pubblicazione del suo primo lavoro sulla lunga distanza dopo essersi fatto le ossa con alcune importanti collaborazioni, come quella alla corte di Tullio De Piscopo. Il cantautore piemontese riversa in questo Parole d’amore, che esce per la sempre attenta Odd Times Records, la propria visione del pop-cantautorale italiano, cercando – e in parte riuscendo – a non calpestare i sentieri già battuti, nel corso dei decenni, da tutti coloro che hanno preso come tema portante gli effetti collaterali delle frecce scoccate da cupido.
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Red Velvet: Red Velvet

2009-05-13T12:36:00.000-07:00

Quello dei Red Velvet è un progetto che avanza sotto l’ala protettrice della KML Recordings (etichetta delle sorelle Katia e Marielle Labèque) composto da due ragazzi giovani, ma con le idee musicali già ben chiare in mente.

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Chiara Raggi: Molo 22

2009-05-13T12:30:00.000-07:00

Buona impostazione, timbro caldo e avvolgente, interpretazione da artista navigata. Sono queste le caratteristiche che rendono la voce di Chiara Raggi – cantautrice riminese, classe ’82 – il motivo per apprezzare “Molo 22”, disco di debutto certamente sopra la media del songwriting italiano.
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Giorgio Canali: Nostra signora della dinamite

2009-05-06T06:19:00.000-07:00

Giorgio Canali esiste, eccome. Continua il suo cammino rimanendo nell’ombra, senza che i più se ne accorgano. Ma di questo il nostro non se ne cura, anzi, sembra proprio l’oscurità e il suo personalissimo modo di “non essere”, la condizione ideale, il terreno fertile dove coltivare un cantautorato che nel corso degli anni si è decisamente ispessito, arricchito, fatto grande.Nostra Signora della Dinamite – quinto disco del suo percorso solista e quarto coi Rossofuoco – risente positivamente del forte vento di creatività che soffia gelido sul suo punto d’osservazione. Un ridosso conquistato in anni d’esperienze, sterzate, rischi e incazzature.

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Marcosbanda live @ Auditorium, Roma 15.03.09

2009-05-05T09:37:00.000-07:00

La rassegna “Generazione X”, giunta alla quarta edizione, ha come obiettivo quello di proporre i migliori talenti del panorama italiano emergente. E difficilmente sbaglia mira. Scommessa vinta anche con i romani Marcosbanda – gruppo di cinque elementi che può già essere considerato più di una promessa (ne loro palmares anche una vittoria al nostro concorso L’Artista che non c’era) – che hanno dato vita a un set coloratissimo, epidemico, pieno di gioia creativa. A tenerli a battesimo sul palco del Teatro Studio dell’Auditorium una madrina d’eccezione: Cristina Donà.

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Castrovalva: Castrovalva

2009-05-05T09:34:00.000-07:00

Il momento migliore per mandare in play l’esordio dei Castrovalva per la Brew records, va individuato in quelle mattine che non si ha la voglia di mettere fuori dal letto nemmeno un piede. Questo perché le otto tracce che compongono il loro omonimo mini album portano nel cuore una forte carica adrenalinica, risultato di una reazione tra tensioni strumentali, strappi ritmici, e ossessive ellissi melodiche.

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Unòrsominòre - Unòrsominòre

2009-05-05T09:31:00.000-07:00

Unòrsominòre. (accenti e punto finale incluso) è il progetto solista di Kappa, polistrumentista e cantautore già notato dai più attenti qualche anno fa con i veronesi Lecrevisse. Questo nuovo lavoro omonimo, che ha trovato la luce in un teatro tra le montagne del Trentino nel 2007, è l’ideale continuo di quell’avventura e segna un deciso balzo in avanti del Nostro sotto il profilo della maturazione stilistica e, in particolar modo, della scrittura.

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Ginevra Di Marco: intervista

2009-04-29T09:34:00.000-07:00

Ginevra Di Marco – personalità autentica e voce duttile tra le più belle del nostro Paese – continua la navigazione attraverso i mari mossi della musica popolare italiana e del mondo, alla ri-scoperta di rive espressive vicine e lontane, a volte lontanissime. In occasione dell’uscita del nuovo lavoro Donna Ginevra – ideale prosecuzione di “Stazioni Lunari” e probabile punto di partenza verso avventure attinenti – le abbiamo rivolto alcune domande tese a far luce sul perché di una scelta interpretativa che non si è mai comodamente appoggiata sull’importante passato (CSI, PGR) e che ha sempre più il sapore di via impervia, anziché di scorciatoia verso i larghi consensi.

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Elettronoir: intervista

2009-04-29T09:29:00.000-07:00

Gli Elettronoir sono una giovane band romana che trova il proprio equilibrio stilistico unendo la passione per il cinema d’autore, le atmosfere misteriose e un’elettronica capace di rendere il tutto attuale e piacevolmente intrigante. Il loro nuovo lavoro Non un passo indietro – seconda parte di una trilogia iniziata con il disco d’esordio “Dal fronte dei colpevoli” – ha segnato un deciso avanzamento del loro progetto musicale. A tal proposito abbiamo rivolto alcune domande a Marco Pantosti (voce e pianoforte) e Matteo Cavucci (basso), che ci hanno dato delle risposte in linea con la loro filosofia creativa tra esistenzialismo e sfrontatezza.

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Pink Floyd: Dark Side of The Moon

2009-04-21T10:01:00.000-07:00

“Dark Side of the Moon” è l’album jazz dei Pink Floyd. Considerazione almeno azzardata, che non trova conforto nelle sonorità proposte - se intendiamo il jazz come suono di sax, tromba, trio con pianoforte ecc… - ma nella genesi, nella mescolanza, nella sperimentazione, nei meccanismi di un disco che ancora oggi regge il confronto con l’età e mostra, proprio a essere pignoli, pochissimi cedimenti.

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O.I.D. - Live at Mikalsa vol. 1

2009-04-21T09:59:00.001-07:00

Diciamolo subito, l’esordio discografico dell’Orchestra In-Stabile Dis/Accordo – ensamble variabile di quindici elementi – non è un disco di facile ascolto, anche se i più curiosi troveranno in questi 50 minuti diversi motivi d’interesse.

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Luca Lo Bianco: Ear Catcher

2009-04-21T09:55:00.000-07:00

Dopo 15 anni d’attività Luca Lo Bianco – giovane bassista e compositore istintivo – ha ancora tanta voglia di andarsene in giro per spazi sonori a catturare suoni, far proprie le peculiarità di stili diversi per farle poi accavallare, impastare, sdoppiare nella propria visione della musica.

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Quintorigo: live @ circolo degli artisti 27/02/2009

2009-04-17T00:52:00.000-07:00

Dai Quintorigo, dopo il bel successo di critica e pubblico riscosso dal loro “Play Mingus”, non ci aspettavamo un tour con due tipologie di spettacolo: da una parte, ovviamente, i concerti dedicati al repertorio del monumentale jazzista con la vocalist titolare Luisa Cottifogli, dall’altra un set incentrato sulla riscoperta dei primi lavori in studio, quelli dell’iniziale penombra e della conseguente ascesa, con l’inserimento del cantante Luca Sapio. E quando si tocca nel capitolo “voce” nella storia dei Quintorigo, i pensieri corrono dritti a quella camaleontica e graffiante di John De Leo, primo e mai del tutto dimenticato segno distintivo della band, figura dalla quale non si può prescindere in termini di paragone, relazioni e filosofia interpretativa.

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Orange: Certosa

2009-04-17T00:49:00.000-07:00

Gli Orange – combo che vede Enrico Buttafuoco alla batteria e Francesco Maria Mandelli, sì il vj di MTV, alla chitarra e voce – danno alle stampe una bella prova d’esordio capace di regalarci una mezz’ora niente male. “Certosa” racconta in dieci brevi episodi una Milano inconsueta, o per meglio dire vista dall’ottica particolare dei due ragazzi che ci descrivono – in un intreccio azzeccato di italiano e inglese – situazioni di cantine, sale prove e feste casalinghe.

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Caso: Dieci tracce

2009-04-17T00:32:00.000-07:00

Nell’era musicale di internet può succedere che con delle buone idee, un moniker intrigante, e qualche combinazione astrale favorevole, si arrivi in un attimo sulla cresta dell’onda. Più spesso capita di rimanere nel dimenticatoio a lungo, anche se le qualità ci sono, come per Caso, al secolo Andrea Casali.

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Gazebo Penguins: The Name is not the Named

2009-04-13T11:42:00.000-07:00

È cosa nota che tra Correggio e Zocca hanno trovato i natali alcuni tra i rocker più blasonati della Penisola, ma che ci fossero dei pinguini dediti alla trinità chitarra-basso-batteria (e qualche tastiera), ci giunge nuova. Arriviamo sulla notizia in leggero ritardo, dato che i Gazebo Penguins hanno già pubblicato un ep di otto tracce (“Penguinvasion”), ma giusto in tempo per ascoltare la loro prima fatica sulla lunga distanza targata Suiteside records.

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Ginevra Di Marco: Donna Ginevra

2009-04-09T11:53:00.000-07:00

Ginevra Di Marco è una di quelle donne – ostinate, caparbie, consapevoli – che sanno unire intelligenza e bellezza, concretezza e spirito. Quella di Ginevra è, soprattutto, una voce che dopo averla ascoltata inizi a capire il significato del verbo cantare. E Donna Ginevra, quinto passo di un cammino solista che si sta arricchendo sempre più di esperienze e colori, arriva a suffragare queste affermazioni. Un disco che mostra un’artista in forma splendida, capace di riprendere il discorso dal punto preciso dove l’aveva lasciato tre anni fa con “Stazioni Lunari prende terra a Puerto Libre”, ampliandone i contenuti senza ripetersi. Anche stavolta un viaggio senza frontiere, né di stili, né di costumi.

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Sam Kills Two: Sam Kills Two

2009-04-08T08:54:00.000-07:00

Se cercate le emozioni forti, l'adrenalina pura, il brivido lungo la schiena, tenetevi a distanza regolamentare dal debutto dei Sam Kills Two. Se invece amate i pomeriggi in compagnia di un buon tè, magari con qualche pasticcino a supporto, il disco omonimo della band capitanata dal songwriter Fred Bjorkvall e il chitarrista Geoff Gamien potrà sicuramente fare al caso vostro.

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